DE:
Miguel - Perú
PARA:
Dina - Perú
MENSAJE:
escucha esto muchacha
CANCION REGALO:
amor libre
AMOR GRANDE AMOR LIBRE - JACOBO
domingo, 30 de diciembre de 2007
Regalo de Canción 007
DE:
Jairo - Colombia
PARA:
Aurora - Colombia
MENSAJE:
pienso en ti y en donde estes y con quien estes debes saber que pienso en ti.
CANCION REGALO:
quiero aprender de memoria
Leonardo Favio- Muchacha de abril
Jairo - Colombia
PARA:
Aurora - Colombia
MENSAJE:
pienso en ti y en donde estes y con quien estes debes saber que pienso en ti.
CANCION REGALO:
quiero aprender de memoria
Leonardo Favio- Muchacha de abril
miércoles, 26 de diciembre de 2007
Regalo de Canción 006
DE:
Dora - Panamá
PARA:
Oliver - Panamá
MENSAJE:
espero te guste
CANCION REGALO:
chiquitita
ABBA - Chiquitita (Spanish version)
Dora - Panamá
PARA:
Oliver - Panamá
MENSAJE:
espero te guste
CANCION REGALO:
chiquitita
ABBA - Chiquitita (Spanish version)
lunes, 24 de diciembre de 2007
Regalo de Canción 005
DE:
Nabi - Argentina
PARA:
Nancy - Argentina
MENSAJE:
te amoh
CANCION REGALO:
la sonrisa de mama
PALITO ORTEGA - se parece a mi mamá
Nabi - Argentina
PARA:
Nancy - Argentina
MENSAJE:
te amoh
CANCION REGALO:
la sonrisa de mama
PALITO ORTEGA - se parece a mi mamá
viernes, 21 de diciembre de 2007
Regalo de Canción - 004
DE:
Silvia - España
PARA:
Polo de Limón - España
MENSAJE:
heyyyyyy!!! te mando la música de tu artista preferido, DISFRUTA HASTA HARTARTE jajajajaaj, besos
CANCION REGALO:
vivir asi es morir de amor
Camilo Sesto, vivir así es morir de amor, 2004
Silvia - España
PARA:
Polo de Limón - España
MENSAJE:
heyyyyyy!!! te mando la música de tu artista preferido, DISFRUTA HASTA HARTARTE jajajajaaj, besos
CANCION REGALO:
vivir asi es morir de amor
Camilo Sesto, vivir así es morir de amor, 2004
jueves, 20 de diciembre de 2007
Regalo de canción - 003
DE:
NINO BRAVO libre (Estudio Abierto)
Silvia - España
PARA:
Miguel - España
MENSAJE:
Es que hoy me siento mariposa, acompañame en mi vuelo a través de Terra , jajaja , besos Miguel.
CANCION REGALO:
Libre
NINO BRAVO libre (Estudio Abierto)
miércoles, 19 de diciembre de 2007
Regalo de canción - 002
DE:
Nino Bravo (Libre)
Rafael Zayas - Puerto Rico
PARA:
Luis Berrios - Puerto Rico
MENSAJE:
¿Recuerdos?
CANCION REGALO:
Libre
Nino Bravo (Libre)
Regalo de canción - 001
DE:
Jose Miguel - Republica Dominicana
PARA:
Mike - Republica Dominicana
MENSAJE:
pari mike el mas hermoso
CANCION REGALO:
Elio Roca - Yo quiero dibujarte
Jose Miguel - Republica Dominicana
PARA:
Mike - Republica Dominicana
MENSAJE:
pari mike el mas hermoso
CANCION REGALO:
Elio Roca - Yo quiero dibujarte
sábado, 15 de diciembre de 2007
Francesco Salvi
Francesco Salvi - C'è da spostare una macchina 1988
Francesco Salvi - Esatto! (1989)
Francesco Salvi - Taxiii (1989)
Francesco Salvi - Esatto! (1989)
Francesco Salvi - Taxiii (1989)
domingo, 9 de diciembre de 2007
PET SHOP BOYS
Biografía Pet Shop BoysPet Shop BoysPet Shop Boys está formado por Neil Tennant y Chris Lowe. Ambos se conocieron en una tienda de electrónica en agosto de 1981. Dada su común afición por la música, decidieron trabajar juntos. Durante sus comienzos se llamaron "West End" pero pronto ese nombre daría paso al definitivo de Pet Shop Boys.
Su primer trabajo publicado fue una primera versión producida por Bobby Orlando del que luego sería su primer número 1: "West end girls". Sin embargo en aquella ocasión pasó desapercibido entre el público. Epic, la discográfica que les había fichado, decidió rescindirles el contrato y el 1985 firman contrato con Parlophone.
En julio de ese mismo año aparece "Opportunites (Let's make a lot of money)". El disco no consigue entrar en las listas de los importantes, pero en octubre graban una nueva versión de "West end Girls", con Stepehen Hague en la producción. Esta vez sí es la definitiva y los Pet Shop Boys consiguen colocarse como número uno de las listas británicas durante dos semanas seguidas.
En abril de 1986 los Pet Shop Boys publican su primer álbum, "Please". Además del "West end girls", el disco contiene temas como "Suburbia", "Love comes quickly" y conocida "Opportunities". Con "West end girls", el grupo consiguió llegar al número uno de la lista Billboard.
Después de publicar un álbum de remezclas, los Pet Shop Boys publican su segundo álbum bajo el título de "Actually". El primer sencillo estraído de este trabajo es el titulado "It' a sin", que llegó al número 1 en Reino Unido. A final de año publicaron el sencillo "Always on my mind", del que vendieron más de un millón de copias.
En 1988 Pet Shop Boys colabora en la producción de primer disco del grupo Eight Wonder liderado por la cantante y actriz Patsy Kensit. Ese mismo año publican su tercer álbum, titulado "Introspective". El álbum incluía temas tan importantes en la discografía de Pet Shop Boys como "Always on my mind", "Left to my own devices", "Domino dancing" y "It´s allright" fueron los singles. "Introspective" fue, sin duda, uno de los discos más importantes del grupo. Y ello a pesar de incluir solamente seis temas, casi todos de más de seis minutos de duración.
A mediados de 1989 realizan su primera gira por Hong Kong, Japón y Reino Unido. También colaboran con Liza Minelly en la canción "Losing my mind".
En 1990 aparece "Behaviour", el cuarto disco de los Pet Shop Boys, que resulta ser un pequeño fracaso, sobre todo después de compararlo con sus anteriores trabajos. Peco después publican su primer recopilatorio, titulado "Discography".
En 1993 aparece su quinto álbum de estudio, "Very". Con este álbum consiguen por primera vez situar un álbum en la lista de los más vendidos en el Reino Unido, ya que los anteriores habían llegado a ser número uno y dos, pero nunca llegaron a lo más alto.
En 1993 publican "Bilingual", un trabajo que pasa discretamente por las listas de éxitos. En 1996 aparece "Nightlife", para el que los Pet Shop Boys modifican su imagen, apareciendo con pelucas y vestidos de samurai. A pesar de ello, el disco tampoco tuvo un éxito destacable.
En el año 2002 editan "Release". Este disco tiene un sonido menos electrónico y más melódico que en sus anteriores trabajos, de lo que resulta una música más romántica y sosegada, algo que ciertamente no gustó demasiado a sus fans más incondicionales.
En el 2003 aparece "Popart: The hits", un nuevo álbum recopilatorio que recoge sus 33 top 20 logrados en Gran Bretaña, que han convertido a Pet Shop Boys en el dúo con mayor éxito de todos los tiempos.
En mayo del 2006 Pet Shop Boys publican "Fundamental", el noveno álbum de estudio del dúo y que incluye 11 temas nuevos y uno, "Numb", escrito por Diane Warren. Para este trabajo, Pet Shop Boys han contado con la colaboración del productor Trevor Horn, con quien ya trabajaron en alguna ocasión anterior. En este trabajo, las canciones tratan sobre temas polémicos, como la implantación del DNI en el Reino Unido y la guerra al terrorismo. El primer sencillo extraído del álbum, "I’m with stupid", está inspirada en la relación entre Tony Blair y George Bush, creando una sátira sobre la relación entre ambos, contada como "una historia de amor incomprensible para el resto del mundo", según sus propias palabras.
Pet Shop Boys - Always on my mind (long version)
The Pet Shop Boys - Before
Left to my own devices - Pet Shop Boys
Pet Shop Boys - Domino Dancing
domingo, 2 de diciembre de 2007
Biografia del Dúo Dinámico
La historia de Manuel de la Calva y Ramón Arcusa como artistas, es sin duda, una historia fascinante y definitivamente atípica. Hijos de familias humildes, (de emigrantes vascos y aragoneses respectivamente), encontraron en su Barcelona natal todo lo necesario para el éxito, que exportaron inmediatamente a toda España y a Sudamérica. También como autores, productores o arregladores, muchas de sus obras han sido grandes éxitos por otros artistas desde Suecia a Australia, o desde Francia a Japón.
adolescentes
Manolo es campeón de España júnior de natación, con un tiempo de 1'07" en cien metros, y juega como titular del equipo de water polo del Club Natación Barcelona. Al mismo tiempo frecuenta, el "Club Hondo" de la Ciudad Condal, de gran raigambre jazzística. Visitan ese club, con cierta frecuencia, Tete Montolíu, Lionel Hampton, Ramón Farrán, Roda, y otros músicos de jazz que pasan por la ciudad. Manolo canta en algunas ocasiones temas americanos, acompañado por ésos grandes músicos.
Ramón ha estudiado música desde los nueve años, y por tradición familiar, canta jotas en el Centro Aragonés de Barcelona, donde siendo aún niño, gana varios concursos de jotas que aquél organiza. Su padre le enseña los primeros acordes de guitarra. También dirige una pequeña coral en un grupo parroquial, y forma parte de un trío musical con un hermano mayor y otro amigo, que actúa en fiestas benéficas, cantando canciones folklóricas, de Los Panchos, etc..
juntos
Manolo y Ramón se conocen en la empresa "Elizalde, S.A." en donde ambos han entrado a trabajar, y coinciden teniendo diez y seis años cada uno, en la misma sección y buscando su futuro: los dos quieren ser peritos industriales (hoy ingenieros) y se hallan en el Departamento Técnico de diseño de fabricación de motores de aviación, actividad de la empresa. Todo va viento en popa, terminan sus estudios, y como "hobby" se reúnen a veces para cantar. Es en la fiesta de la empresa por Navidad, donde cantan juntos el 'White Christmas". El éxito es definitivo, y empiezan a ensayar otras canciones. Canciones de Paul Anka, de los Cinco Latinos, de Nat King Cole, de Frank Sinatra, de los Everly Brothers, de Elvis Presley, los ídolos de entonces, aunque tratarán de añadir su sello personal.
nacimiento
El Dúo Dinámico, siendo aún muy jóvenes, nace en Barcelona el 28 de Diciembre de 1958. La primera actuación ante público es en el programa "La comarca nos visita" de Radio Barcelona. Ellos quieren llamarse "THE DINAMIC BOYS" pero el presentador del programa, Enrique Fernández, dice no saber inglés y los presentará como "DÚO DINÁMICO". Ellos aceptan el nombre y así queda. Ése día, firman los primeros autógrafos.
primer contrato
Después de varias actuaciones en Radio Juventud, Radio Nacional ("Fantasía"), y Radio Barcelona "El show de las 2", donde su nuevo estilo y sus nombres empiezan a ser populares, llama un empresario para el primer contrato: es para actuar en el restaurante "La Masía" de Barcelona donde les pagarán 400 Pts. (unos 2.5 euros...) por cantar tres tandas de canciones por noche. Eso es en el verano de 1959. De día siguen trabajando en ENMASA, antigua Elizalde S.A.. Duermen cuando pueden, pero poco. Al final del verano deciden dejar su anterior empresa y dedicarse a la música. Sus padres no lo ven claro de momento, pero ellos sí. También actuarán en tardes de "brassería" con el trío de Tete Montoliu cobrando por ello... la merienda. Los chicos prometen.
primera grabación
Algunos profesionales de compañías de discos les oyen cantar en una de los salas de fiesta que ya les empiezan a contratar, y después de conversaciones y de varias pruebas, graban su primer disco en el otoño de 1959. Cuatro canciones (Little Darling, Cow-boy, Alone y Recordándote), forman un EP. que rápidamente alcanza gran difusión en la radio y casi inmediatamente, grandes ventas. Las máximas ventas posibles, ya que en la España pobre de final de los '50 no habían casi tocadiscos. En el 2º disco que graban, intentan la aventura de la composición: su canción "Linda muñeca",obtendrá el mismo éxito que otras canciones del disco. A partir de entonces, los nombres de De la Calva/Arcusa, ya como autores, figurarán en casi todos sus discos, tres años antes de que los famosos Beatles, Lennon y McCartney, irrumpieran en el mundo musical. Definen así de una forma completa con sus propias canciones el estilo único que los hace inconfundibles, imitados y a la vez bandera musical de una juventud que empieza a despertar como colectivo. El DD tiene que luchar contra los ejecutivos de su compañía discográfica para defender sus ideas, porque éstos no quieren grabaciones con grandes coros, grandes orquestas, ni un repertorio original que el Dúo propone. El DD, vence y convence con sus ideas y su éxito. (Ver Discografía años '60 )
fans
El fenómeno de las fans está latente en todo el mundo. Elvis y Paul Anka en EE.UU., y Cliff Richard en el Reino Unido, despiertan locura entre las chicas mas jóvenes. El Dúo tiene también suerte en eso. Cantan un tipo de canción con un estilo nuevo, casi revolucionario, dicen cosas para los jóvenes por primera vez en este país, su vestuario es informal, y los jóvenes se identifican con ellos. "Quince años tiene mi amor" hace estragos. Todas las "teenagers" del país tienen la fotografía o un póster del Dúo Dinámico en sus habitaciones. Los clubes de fans del DD se forman de una manera espontánea por toda la geografía, y allí por donde van a actuar, desatan las emociones de las colegialas y las iras de los padres, que no entienden lo que pasa. La mili, que también hacen juntos en la Base Aérea de Zaragoza, les servirá para hacer planes y prepararse para lo que les viene.
éxito
Más y más discos. Ocupan los primeros lugares de las listas de éxito con cada canción que graban. Salen en la portada de mas de 200 revistas. Una editorial de Barcelona, Bruguera, lanza un cómic con el D.D. de protagonista que alcanza la tirada de casi 100.000 ejemplares semanales. Giras por América. Actúan mano a mano con los grandes de entonces: con Los Platters, con Chubby Checker, con Luis Mariano, con Lucho Gatica... y filman cuatro películas como protagonistas. (Ver El Dúo en el cine)
festivales
El Dúo se hace imprescindible en los festivales de canción que se prodigan por toda España. En varios de ellos consiguen premios, ganando el Festival de la Canción del Mediterráneo en Barcelona con "Como ayer" cantada también por el trágicamente desaparecido Bruno Lomas, el Festival de la Costa Verde con "Somos jóvenes", y segundos premios en el Festival de Benidorm con "Quisiera ser" y en otra edición, también con "Amor amargo". El broche final lo consiguen como autores, ganando por primera vez para España el Festival de Eurovisión en 1968, con "La la la", cantada por Massiel. La hoy anécdota, es que esta canción iba a ser cantada por Juan Manuel Serrat, amigo de Manolo y Ramón por tener en aquel tiempo un manager común, José Mª Lasso de la Vega. Serrat, al final decidió ir solamente si la cantaba en catalán, creando un problema político de cierta importancia en aquel tiempo. (Si tienes interés en conocer la historia completa del La La La, visita: Historia del La La La ).
se retiran de la escena
Hacia 1972 el Dúo decide retirarse. El último disco grabado en Londres, con todos los medios posibles y hasta con la colaboración del productor de los Beatles, George Martin como asesor, no tiene el éxito de ventas al que estaban acostumbrados, y deciden marcharse sin grandes aspavientos. La música va por otros derroteros.
DYANGO BIOGRAFIA
José Gómez Romero, Dyango, se formó musicalmente en el Conservatorio de Música de Barcelona y junto a sus compañeros de estudios recorrió Europa durante dos años interpretando diversos tipos de música.
A pesar de que Dyango es un excelente interprete de violín y de trompeta, tras su primera experiencia musical decidió continuar explotando su magnifica voz cantando como solista, así, adoptó de Django Reindhart -el guitarrista de jazz gitano- el nombre artístico por el cuál le conocemos y debutó en el Festival de la Canción del Duero (1965).
Después de un breve paso por Zafiro, en 1974, Dyango firmó contrato discográfico con el grupo EMI.
Su primer álbum, grabado en 1975, tuvo gran éxito en Latinoamérica, en contraste con la escasa repercusión de su música en España, donde no obstante, su trabajo recibió una excelente acogida por parte de la crítica especializada.
A partir de la grabación del viejo tango 'Nostalgia', en 1976, Dyango comenzó su conquista del mercado español. Tras obtener en el mismo año el premio al mejor intérprete y a la mejor canción del Festival de Benidorm con el tema, 'Si yo fuera él', su carrera resultaría imparable tanto a nivel nacional como internacional.
Desde entonces, el repertorio de Dyango ha incluido los mejores boleros, tangos y rancheras, las viejas canciones de los guateques de los sesenta, decenas de éxitos propios y hasta piezas líricas. A lo largo de su carrera ha grabado dúos con artistas tan destacados como Celia Cruz, Oscar D'León, Sheena Easton, Roberto Goyeneche, Pimpinela y el tenor Jaume Aragall.
Dyango ha obtenido a lo largo de su carrera 55 discos de oro y 40 de platino, que le han sido concedidos tanto en España como en diversos países latinoamericanos e incluso en Estados Unidos. De entre todos ellos, cabe citar el doble disco de platino conseguido por el álbum 'A corazón Abierto'.
De entre su discografía destaca el álbum, 'Morir de Amor', que incluía el tema 'Espérame en el cielo' de Los Panchos, interpretado a dúo con Nana Mouskouri, y la canción 'Por eseHombre' junto a Pimpinela. También caben destacar los discos 'Quan l´amor és tan gran', grabado en catalán y en el que se incluye un dúo con Jaume Aragall, y 'Serenatas', que incluye rancheras y otros estilos musicales.
El penúltimo disco de Dyango, 'Vuela Conmigo' fue producido por el propio artista y grabado en Barcelona, Paris y Los Ángeles. El tema que da título al álbum fue elegido por la compañía Air Europa para su nueva campaña publicitaria.
'Himnos al amor' el anterior álbum de Dyango. Un disco concepto que incluía diez temas de siempre. Enormes canciones de amor que nos han acompañado a lo largo del tiempo, como 'Venecia sin ti', 'Dios cómo te amo', 'En Aranjuez con tu amor'. El álbum se grabó íntegramente en Miami en los mejores estudios: Castle Studios, The Gallery, Criteria.
Toda la producción, arreglos y dirección musical del proyecto fue realizada por Bebu Silvetti, sin duda uno de los grandes 'magos' de la música en estos momentos, artífice y responsable de discos de ventas millonarios de los mejores artistas españoles y latinos.
'A ti', el nuevo disco de José Gómez (Dyango), no es ni más ni menos que la continuación de 'Himnos al amor', tanto a nivel de concepto como artístico y estamos seguros que también lo será a nivel de éxito.
Si en 'Himnos al amor' se hacía un repaso, básicamente, a canciones francesas e italianas de gran éxito y popularidad en los 60's y 70's, en este nuevo disco se sigue la misma línea pudiendo decir que con esos dos discos uno puede tener en su discoteca lo mejor de lo mejor de las canciones de una época.
Temas como 'A ti' (Joe Dassin), 'Que voy a hacer' y 'Lo importante es la rosa' (Gilbert Becand), 'Mi canto libre' (Luccio Battisti), 'La Bohemia' (Charles Aznavour), 'La quiero a morir' (Francis Cabrel), 'Ciudad solitaria' (Mina), 'Ne me quitte pas' (Jacques Brel), etc, nunca han sonado en castellano y de forma tan espectacular como en las versiones de una de las, sin lugar a dudas, voces más importantes del mundo.
Comparable to Julio Iglesias and José José, Spanish superstar Dyango has been famous for lush, sentimental, romantic Latin pop since the '70s. Dyango is not the singer's real name; he was born José Gómez Romero in Barcelona, Spain, where he grew up. Dyango is a stage name that he adopted after deciding to pursue a career in music; the name Dyango was inspired by the great gypsy jazz guitarist Django Reinhardt, who is among Dyango's idols. But Dyango, unlike Reinhardt, is not a jazz instrumentalist -- Latin pop singing has long been his area of expertise. Dyango started performing live in the '60s, but it wasn't until 1974 that he signed his first recording contract. That year, Dyango signed with EMI's Latin division, and his debut album came out in 1975. After that, it didn't take him long to become a major star -- not only in his native Spain, but also, all over Latin America and in heavily Hispanic areas of the United States. Dyango went on to build a huge catalog at EMI and Capitol. He recorded frequently throughout the '80s and '90s, a decade that found him recording for the Latin divisions of RCA as well as Polygram. Along the way, Dyango had more than his share of major hits -- "Corazon Magico," "Esa Mujer," "La Radio," "A Donde Vas Amor," "Querer y Perder," "Hay Algo en Ella," and "Esta Noche Quiero Brandy" are among the countless hits that he is famous for in the Spanish-speaking world. In the early 2000s, Dyango maintained a busy schedule and continued to command a loyal following. ~ Alex Henderson, All Music Guide
lunes, 26 de noviembre de 2007
El Hoyo-Pelota
El “Hoyo-Pelota”
Dentro de la gran gama de juegos olvidados por los niños de hoy está el “hoyo-Pelota”. Y esta reflexión es especialmente para los cincuentones
Autor: Oscar Alfredo Mario (www.enplenitud.com)
“¿Te acordás en esas tardes templadas de abril cuando en las esquinas del barrio nos juntábamos a jugar al “Hoyo-Pelota?”. Como para olvidarlo...
Seguramente los lectores de la generación intermedia recuerdan con nostalgia aquellos momentos en que la destreza, la picardía y la velocidad eran fundamentales para zafar del “paredón” de “fusilamiento” a que era sometido el más remolón.
Cabe aclarar que los mayores de entonces lo definían como un juego violento, pero... esa violencia lejos estaba de las imágenes de muerte que nos transmite a diario la TV basura.
¿En qué consistía el juego?.
Eran necesarios varios participantes y una pelota de trapo. Se hacía un hoyo en la calle, necesariamente de tierra, lo más natural en los años ’60, alrededor del que se colocaban los participantes, generalmente a unos 5 o 6 metros de distancia.
Cada uno hacía rodar la pelota hacia el hoyo tratando de embocarla. El que lograba el objetivo, tenía el derecho de sacarla mientras el resto corría a ponerse a salvo del “pelotazo” que arrojaba el ganador. Quien recibía “la marca” de la pelota acumulaba una prenda en contra y a la suma de 3, debía resignarse al “paredón” (cualquier tapial del barrio), contra el que era “fusilado” por todos los participantes del juego.
Pero la “víctima” del “fusilamiento” tenía una posibilidad de salvarse, esquivando la mayor cantidad de golpes posibles.
El “Hoyo Pelota” fue uno de los tradicionales juegos de los niños de la década del ’60, que antes del invierno se reunían a jugarlo en las esquinas de cualquier barrio de la ciudad.
“¿Te acordás en esas tardes templadas de abril cuando en las esquinas del barrio nos juntábamos a jugar al “Hoyo-Pelota?”. Como para olvidarlo...
Seguramente los lectores de la generación intermedia recuerdan con nostalgia aquellos momentos en que la destreza, la picardía y la velocidad eran fundamentales para zafar del “paredón” de “fusilamiento” a que era sometido el más remolón.
Cabe aclarar que los mayores de entonces lo definían como un juego violento, pero... esa violencia lejos estaba de las imágenes de muerte que nos transmite a diario la TV basura.
¿En qué consistía el juego?.
Eran necesarios varios participantes y una pelota de trapo. Se hacía un hoyo en la calle, necesariamente de tierra, lo más natural en los años ’60, alrededor del que se colocaban los participantes, generalmente a unos 5 o 6 metros de distancia.
Cada uno hacía rodar la pelota hacia el hoyo tratando de embocarla. El que lograba el objetivo, tenía el derecho de sacarla mientras el resto corría a ponerse a salvo del “pelotazo” que arrojaba el ganador. Quien recibía “la marca” de la pelota acumulaba una prenda en contra y a la suma de 3, debía resignarse al “paredón” (cualquier tapial del barrio), contra el que era “fusilado” por todos los participantes del juego.
Pero la “víctima” del “fusilamiento” tenía una posibilidad de salvarse, esquivando la mayor cantidad de golpes posibles.
El “Hoyo Pelota” fue uno de los tradicionales juegos de los niños de la década del ’60, que antes del invierno se reunían a jugarlo en las esquinas de cualquier barrio de la ciudad.
Dentro de la gran gama de juegos olvidados por los niños de hoy está el “hoyo-Pelota”. Y esta reflexión es especialmente para los cincuentones
Autor: Oscar Alfredo Mario (www.enplenitud.com)
“¿Te acordás en esas tardes templadas de abril cuando en las esquinas del barrio nos juntábamos a jugar al “Hoyo-Pelota?”. Como para olvidarlo...
Seguramente los lectores de la generación intermedia recuerdan con nostalgia aquellos momentos en que la destreza, la picardía y la velocidad eran fundamentales para zafar del “paredón” de “fusilamiento” a que era sometido el más remolón.
Cabe aclarar que los mayores de entonces lo definían como un juego violento, pero... esa violencia lejos estaba de las imágenes de muerte que nos transmite a diario la TV basura.
¿En qué consistía el juego?.
Eran necesarios varios participantes y una pelota de trapo. Se hacía un hoyo en la calle, necesariamente de tierra, lo más natural en los años ’60, alrededor del que se colocaban los participantes, generalmente a unos 5 o 6 metros de distancia.
Cada uno hacía rodar la pelota hacia el hoyo tratando de embocarla. El que lograba el objetivo, tenía el derecho de sacarla mientras el resto corría a ponerse a salvo del “pelotazo” que arrojaba el ganador. Quien recibía “la marca” de la pelota acumulaba una prenda en contra y a la suma de 3, debía resignarse al “paredón” (cualquier tapial del barrio), contra el que era “fusilado” por todos los participantes del juego.
Pero la “víctima” del “fusilamiento” tenía una posibilidad de salvarse, esquivando la mayor cantidad de golpes posibles.
El “Hoyo Pelota” fue uno de los tradicionales juegos de los niños de la década del ’60, que antes del invierno se reunían a jugarlo en las esquinas de cualquier barrio de la ciudad.
“¿Te acordás en esas tardes templadas de abril cuando en las esquinas del barrio nos juntábamos a jugar al “Hoyo-Pelota?”. Como para olvidarlo...
Seguramente los lectores de la generación intermedia recuerdan con nostalgia aquellos momentos en que la destreza, la picardía y la velocidad eran fundamentales para zafar del “paredón” de “fusilamiento” a que era sometido el más remolón.
Cabe aclarar que los mayores de entonces lo definían como un juego violento, pero... esa violencia lejos estaba de las imágenes de muerte que nos transmite a diario la TV basura.
¿En qué consistía el juego?.
Eran necesarios varios participantes y una pelota de trapo. Se hacía un hoyo en la calle, necesariamente de tierra, lo más natural en los años ’60, alrededor del que se colocaban los participantes, generalmente a unos 5 o 6 metros de distancia.
Cada uno hacía rodar la pelota hacia el hoyo tratando de embocarla. El que lograba el objetivo, tenía el derecho de sacarla mientras el resto corría a ponerse a salvo del “pelotazo” que arrojaba el ganador. Quien recibía “la marca” de la pelota acumulaba una prenda en contra y a la suma de 3, debía resignarse al “paredón” (cualquier tapial del barrio), contra el que era “fusilado” por todos los participantes del juego.
Pero la “víctima” del “fusilamiento” tenía una posibilidad de salvarse, esquivando la mayor cantidad de golpes posibles.
El “Hoyo Pelota” fue uno de los tradicionales juegos de los niños de la década del ’60, que antes del invierno se reunían a jugarlo en las esquinas de cualquier barrio de la ciudad.
El Chavo del 8
El Chavo del 8 - Examen con los padres - parte 1
El Chavo del 8 - Examen con los padres - parte 2
El Chavo del 8 - Examen con los padres - parte 3
HISTORIA DE LA SERIE
Es muy apasionante conocer a fondo la historia completa de la Serie "El Chavo del Ocho", ya que a pesar de tener más de 30 años de permanencia, aun sigue haciendo historia en millones de hogares latinoamericanos. Pero empezaré contandoles ésta "no como pudo haber sido, sino como fue".
HISTORIA DEL CHAVO DEL OCHO
"Los Supergenios de la Mesa Cuadrada"Esta increible historia puede decirse que empieza en 1968 cuando a Chespirito se le da la gran oportunidad de tener su propia secuencia en televisión debido a sus grandes éxitos como guionista en años anteriores. Así, TIM (Televisión Independiente de México) le ofrece un segmento de treinta minutos, en los cuales don Roberto Gomez crea dos secuencias memorables: "Los Supergenios de la Mesa Cuadrada" y "el Ciudadano Gómez" al lado de Rubén Aguirre, el reconocido actor Ramón Valdez y una jovencísima María Antonieta de las Nieves, que en esa época se desempeñada como locutora en off del canal. Ese fue el punto de partida pues la secuencia ganó tanto éxito que se le dio por fin un programa propio "Chespirito" en 1970.
Es justamente "Chespirito" la cuna televisiva de los dos grandes y más exitosos productos de la empresa que tomó por nombre Televisa, y que tal como sus ejecutivos lo reconocen, "El Chapulín Colorado" (1970) y "El Chavo del Ocho" (1971) fueron los programas que sirvieron de catapulta a todas las producciones mexicanas, ya que las televisoras extranjeras empezaron a interesarse más por los productos hechos en México.
Antes de realizar estas producciones, Don Roberto debía contar con un elenco capaz de escenificar impecablemente los magníficos guiones que escribía. Y la selección debía ser muy acertada. Ya contaba con Rubén Aguirre, con quien trabajaba desde sus épocas de guionista en "Cómicos y Canciones" y "El Estudio de Pedro Vargas", con el inolvidable Ramón Valdez y la veinteañera María Antonieta de las Nieves, que jamás imaginó realizar una carrera actoral básicamente entregada a la comedia. A Carlos Villagrán lo conocería por intermedio de Aguirre, cuando lo vio hacer en su casa un sketch de ventrílocuo, donde Villagrán hacía de muñeco. A Bolaños le llamó la atención sus cachetes inflados, que serían el sello personal de "Quico". A Florinda Meza, la conoció viéndola ensayar un monólogo para un programa donde participaba como actriz. Curiosamente éste llevaba el nombre de "La Media naranja", nombre irónico sabiendo que contraerían matrimonio años después.
A Edgar Vivar, médico de profesión, pero entregado a una carrera actoral, lo contactó a través de un amigo común de ambos. Don Roberto Gómez, al ver por primera vez a Vivar, lo tomó inmediatamente. La actriz española Angelines Fernández, y gran estrella del cine de oro mexicano, fue una de las últimas en ingresar al elenco. Y a pesar que su personaje fue invitado enlas primeras temporadas, llegó a ser permanente. Llegaría después el hermano de Don Roberto, Horacio Gómez Bolaños, que se dedicaba inicialmente sólo al marketing y venta del programa, sin embargo un personaje le aguardaba y aunque al principio no lo tomó con mucho agrado, finalmente quedó para la posteridad su interpretación del relajado "Godinez". Este elenco fue el fundador de todo el suceso latinoamericano y mundial que significara el Chavo del Ocho años después. 1971 es el año que los televidentes mexicanos ven por primera vez al Chavo, a Don Ramón, a la Chilindrina. Estos personajes de niños interpretados por adultos, calan hondo en el gusto popular y rápidamente se convierten en los preferidos del Canal 8 de México. La prensa mexicana también se empieza a interesar por la insólita sintonía en este canal de antena fría y dedica sus primeros reportajes y críticas a Chespirito y su elenco, que ya empezaba a saborear un poco del éxito que años después se acrecentaría a niveles insospechados.
En los primeros años de los setentas, luego del suceso de los personajes de Roberto Gómez Bolaños, se fusionan las dos cadenas mexicanas: TIM que producía las series de Chespirito y el Canal 2, el llamado de las Estrellas y que ya gozaba de un gran prestigio. Asi es como producto de esta fusión nace la mega empresa de telecomunicaciones mexicana, Televisa S.A. La situación para Don Roberto fue incierta por un momento ya que tenía la duda sobre qué iba a pasar con sus series tan exitosas del canal 8. Asi Emilio Azcárraga Milmo, el gerente general de la nueva Televisa le propone no solo continuar con la serie sino que tanto el Chavo como el Chapulín tendrían un espacio propio, es decir un programa independiente cada uno. Pero aún quedaba una duda: el nombre del espacio, ya que "El Chavo del Ocho" se llamaba así porque se emitía por el canal 8. Chespirito cuenta que Azcárraga le sugirió que continúe asi ya que se había identificado con ese nombre. Es asi que en 1973, comienzan las emisiones semanales de "El Chavo del Ocho" y "El Chapulín Colorado", producidas por Televisa.
La serie "El Chavo del Ocho" rápidamente empieza a posicionarse en los primeros lugares del ranking de la televisión mexicana. Los actores empiezan asi a disfrutar del éxito. Y aunque a Roberto Gomez Bolaños le hubiese gustado que sea "El Chapulín Colorado" el personaje más exitoso, lo cierto es que fue "El Chavo" el que mantuvo pegado a la teleaudiencia, con impresionantes picos de sintonía de haste 60 puntos de rating televisivo. Los lunes a las 8pm. eran sagrados para la mayoría, y tanto niños y adultos dejaban todo para sentarse en familia y disfrutar juntos las ocurrencias del niño del barril y compañia. Con el transcurso de los años los personajes se fueron acentando en sus características y ahi es donde empiezan a destacar algunos más que otros. No es secreto que el personaje de "Don Ramón y el personaje de "Quico" acaparan la atención de una gran mayoría de seguidores, por sus características particulares y por su gran desenvolvimiento en pantalla. Y la serie, se vuelve objeto de culto ya no solo por el televidente mexicano sino por el latinoamericano, el europeo, y hasta el africano. A mediados de los setentas el Chavo del Ocho escapa de las pantallas para llegar a los hogares a través de diversos Souvenirs de la serie: muñecos, revistas, juguetes, disfraces, y mucho más. También la serie empieza a producir musicales y las canciones empiezan a llamar la atención tanto asi que también se empìezan a producir Material Discográfico con la música del Chavo del Ocho. Y las giras que realizaba la vecindad por diversos países y estados mexicanos constituían llenos totales.
Sin embargo todo el éxito que se veía por fuera no nos permitía observar los primeros roces entre Bolaños y Villagrán. Se dijo mucho sobre el distanciamiento entre ambos y se tejieron muchos rumores sobre su rivalidad detrás de cámaras. Los más recordados fueron la disputa por el amor de Florinda Meza y que Quico empezó a tener mayor atención que el mismo Chavo. La versión que se acepta es que Quico empezó a tener muchas propuestas fuera de la vecindad, hasta del mismo Azcárraga, pero que Villagrán rechazó porque no deseaba que sea supervisado por Chespirito, tal como se lo sugirió el "tigre" Azcárraga. Es así que es vetado de Televisa por el dueño y se aleja de la Vecindad. Los problemas con Bolaños se inician cuando Villagrán desea seguir usando el personaje de Quico, y Chespirito le comunica que no lo puede hacer porque los derechos son de él. Ese iba a ser solo el inicio de muchos años de disputas legales entre ambos virtuosos de la comedia. Finalmente en diciembre de 1978, la fogata en las arenas de Acapulco sería la última escena de "Quico" como parte de la vecindad del Chavo. Triste ironía del destino porque precisamente el Chavo canta en aquel ocaso de sol, el tema "Buenas Noches Vecindad" en el que dice "..hasta pronto compañero, otra vez regresarán los momentos placenteros para compartir el pan. Decir adiós sería tonto, un hasta pronto sólo será"
1979 fue un año que la serie tuvo cambios bastante drásticos ante la ausencia de un miembro del elenco clave como lo era "Quico". Bolaños nunca pensó en otro actor para personificar al niño de los cachetes porque sabía que Villagrán con su interpretación sería ireemplazable. Asi los libretos variaron con la entrada de la Popis en un desempeño más estelar y Ñoño, que tuvo mucha más participación en los episodios de la serie. Doña Florinda tuvo durante los primeros capitulos una participación bastante opaca, nunca se supo si fue por cuestiones del libreto, pero si se fijan bien se ve al personaje más apagado, como si viviera un tiempo de depresión producto del alejamiento de su hijo "que fue a vivir a casa de su tía la rica". La serie mantuvo el interés de la audiencia a pesar de todo, pero no pasó mucho tiempo antes que el elenco sufriera otra ausencia importantísima. Ramón Valdez, el recordado "Don Ramón" renunciaba a la serie debido a un jugoso contrato en Venezuela para trabajar en un programa de comedia al lado de Carlos Villagrán. Asi es el memorable capitulo de "Peluchín" el testigo de la despedida de Ramón Valdez de la serie. Fue exactamente un lunes 12 de marzo de 1979.
Ante la ausencia de Ramón Valdez y Carlos Villagrán, ingresan por la puerta grande dos nuevos personajes: Doña Nieves, la abuela de Don Ramón -que ya había aparecido anteriormente en el capítulo del album de fotos- y Jaimito el Cartero, que empezó con pequeñas apariciones hasta ser un personaje estable y tener su propio apartamento en la vecindad. Doña Nieves fue interpretada por Maria Antonieta de las Nieves quien se luce con doble papel y Jaimito el Cartero, encarnado por Raul "Chato" Padilla, que también ingresa como parte del elenco oficial de Chespirito a partir de ese año. 1979 sin embargo, sería el ultimo año del Chavo del Ocho como programa independiente, porque a partir de 1980 Televisa establece una nueva politica para su "Canal de las Estrellas" en la que desplaza a toda la programación de comedia dejando todo el espacio para las telenovelas que empezaban a significar ingresos importantes para la empresa. Asi el Chavo culmina su exitosa trayectoria como programa independiente con el episodio de la lavadora de Doña Florinda.
"Chespirito", el programa en que don Roberto Gomez Bolaños logra dar rienda suelta a toda su creatividad es el espacio perfecto para que sus personajes "El Chavo del Ocho" y "El Chapulín Colorado" puedan continuar con sus aventuras. En 1980 nuevamente se empiezan a producir gran cantidad de capitulos memorables y sobretodo originales del Chavo -recordemos que años antes se produjeron muchas versiones nuevas de capitulos emitidos anteriormente- entre los cuales destaca aquel en que el Dr. Chapatín acude a la vecindad a ofrecer sus servicios como médico y el Sr. Barriga termina en el hospital. Debido a este programa, el Chavo del Ocho pudo seguir con su éxito de siempre. Y la temporada 1981 no puede tener un inicio más auspicioso, ante el regreso de Ramón Valdez al elenco de Chespirito. Se supo que los resultados en Venezuela en materia de rating no fueron los mejores asi que Valdez decide regresar a México y continuar con su exitosa carrera en la vecindad. Asi tenemos uno de los capitulos más emotivos de toda la serie y es cuando se encuentra nuevamente con su hija Chilindrina, que había quedado todo este tiempo bajo la tutela de su "bizcabuela" Doña Nieves. Sin embargo Don Ramón sólo se quedaría por esa temporada, para renunciar definitivamente a fines de 1981. A partir de 1982 la serie regresa sin Don Ramón y con el regreso de Jaimito el Cartero en la vecindad.
Durante las décadas ochentas y noventas el Chavo del Ocho continuó, siendo la mayoría de episodios "remakes" de anteriores emisiones aunque con variantes importantes principalmente a nivel de personajes. Jaimito el Cartero empezó a tomar el papel que dejó Don Ramón y la Popis, el de Quico. En los primeros años de los noventas la escenografía de la vecindad cambió significativamente ya que no era la que anteriormente conocíamos y aunque se intentó reproducirla no se logró. Para don Roberto Gomez el Chavo poco a poco se convirtió en un dolor de cabeza pues ya le resultaba muy complicado crear nuevas situaciones ya que tal como explica él, el estar circunscrito a un mismo escenario y a los mismos personajes le limitaba su capacidad creadora. Asi, da por finalizado más de 25 años de emisión del Chavo del Ocho en 1992 cuando decide no producir más episodios de la vecindad.
Yo consideraría cerrar aquí la historia televisiva del Chavo del Ocho. Sin embargo ante las nuevas noticias acerca de la posible venta de los derechos del Chavo del Ocho a la transnacional Walt Disney Ltda. pueda ser que se abran nuevas páginas en la historia de este personaje. Aunque todos ustedes estarán de acuerdo que el Chavo del Ocho con sus personajes de carne y hueso fue la verdadera esencia de una maravilla de la televisión. El Chavo es quizá la serie de comedia más exitosa de todos los tiempos y tiene como virtudes el humor blanco, la capacidad de unir a la familia y la eliminación de la brecha generacional. Todos los que amamos esta serie hemos reido hasta morir, pero también hemos llorado más de una vez; alguna vez la vimos acompañados de un familiar que tal vez ya no esté con nosotros, pero con la seguridad que la veremos con un ser que aun no nace. Eso es lo hermoso del Chavo. Es un amigo que nunca dejará de existir. Te amamos Chavo.
EVOLUCIÓN DE LA SERIE
AÑO 1971-72
El Chavo del Ocho en sus inicios. Los personajes no estaban tan estructurados como los conocemos ahora. El comportamiento, las voces e incluso hasta la misma vecindad era diferente. Incluso en los primeros capítulos no existió el concepto de vecindad como tal. Con el transcurrir de los episodios nacería finalmente este complejo de viviendas estándar en todas las temporadas. En 1972 empezaron ya los personajes a acercarse al estereotipo que conocemos. Los vestuarios cambiaron y la vecindad también, aunque todavía los personajes no vivían en los dptos. con los que se hicieron famosos (como Don Ramón que tenía su casa en el lugar que conocemos hoy como la casa de Doña Florinda). Personajes que hacían sus primeras apariciones como el Señor Barriga fueron haciéndose un lugar importante aunque con perfiles diferentes. Por ejemplo éste último aún no era el dueño, sino un empleado que iba a cobrar la renta.
AÑO 1973
El Chavo del Ocho ya era un programa exitoso cuando llegó 1973. Cada personaje evolucionó bastante aunque aún eran diferentes. Quico tenía un gorro de colores blanco, azul y rojo y tenía una voz mucho más gangosa. La Chilindrina continuaba con su cabello largo y el Chavo hablaba un poco más grave, no tanto como niño. Doña Florinda aún no utilizaba los clásicos ruleros y el Señor Barriga que ya era el dueño de la vecindad se vestía con casaca de cuero. Las apariciones de Doña Cleotilde aún eran muy esporádicas asi como las del profesor Jirafales.
AÑO 1974
Este año marcó el alejamiento de María Antonieta de las Nieves de la serie por una oferta en el extranjero. Don Ramón se quedó sin su hija, llegando a su rescate su ahijada, Malicha (interpretado por Maria Luisa Alcalá) pero que no tuvo mayor trascendencia en la historia. Empezó a aparecer la Popis (con unz voz muy gangosa) y Ñoño para subsanar el hecho. También los niños empezaron a ir a la escuela con el Profesor Jirafales y Doña Florinda por fin instauró sus ruleros que serían inseparables.
AÑO 1975
Esta temporada significó el primer hito en la serie pues en toda la serie se hicieron cambios significativos. Las vestimentas de los personajes se establecieron para siempre (ya no veríamos jamás a Don Ramón alternar sus polos de colores) así como ciertos rasgos típicos de la historia (el recibir al Señor Barriga con golpes, los 14 meses de deuda, las frases repetitivas del Profesor Jirafales con Doña Florinda, etc.) Asimismo la calidad de la producción mejoró notablemente pues se veía un mejor trabajo en la escenografía y en la imagen. Se dio además el regreso de Maria Antonieta de las Nieves en su rol de "La Chilindrina".
AÑO 1976
La serie era ya todo un suceso en México y en los países donde se empezó a emitir como el caso de nuestro país. En esta temporada al parecer se quiso mantener la línea que había resultado muy exitosa en los años anteriores. No hubieron mayores cambios al contrario, se realizaron las segundas versiones de las temporadas anteriores, obviamente con cambios mínimos principalmente por el lado actoral, no del libreto. La escuela del profesor Jirafales adquirió mayor presencia y se empezaron a utilizar temas musicales en los capítulos.
AÑO 1977
El único personaje que sufrió varios cambios principalmente en el vestuario, fue la Chilindrina. En esta temporada ya utilizaba su chompa roja atada en la espalda y se le notaba su calzón larguísimo. La relación entre el profesor Jirafales y Doña Florinda parecía hacerse más fuerte en la mente de Quico y el Chavo finalmente hizo de Ñoño su mejor amigo. La vecindad lucía un poco diferente al ser el piso muy llamativo a comparación de los anteriores asi como los colores de las viviendas que eran mucho más definidos.
AÑO 1978
Quizá la mejor temporada a mi parecer pues tuvo los capítulos más entrañables de todos. Cuando llegó a 1978 el Chavo del Ocho ya era toda una institución el la televisión mundial. Las giras internacionales eran éxitos irrefutables y aquí en Perú la serie empezó ya a trasnmitirse en colores. Lo más resaltable en esta penúltima temporada fue que Chespirito incluyó muchos más de sus temas musicales aquí y se emitieron los famosísimos episodios del Chavo en Acapulco. Esta temporada fue la última de Quico.
AÑO 1979
Significó el alejamiento de otro de los personajes fundadores de la vecindad: Don Ramón (aunque regresaría en 1981). Este año surgieron personajes nuevos como Jaimito el Cartero y Doña Nieves quienes nacieron para completar la vecindad ya que la Chilindrina no podía quedarse sola y la Bruja no podía quedarse sin "un hombre". Doña Florinda adquirió un rol de mujer más activo al quedar al frente de su propio restaurante y el Chavo conoció lo que fue su primer trabajo como empleado. Esta temporada fue la última del Chavo del Ocho como programa de televisión ya que Televisa ordenaría su cancelación aún cuando el rating del programa estaba en sus picos más elevados. Grave error. Una pésima decisión de la que se arrepentirían años después.
AÑOS OCHENTAS
Sin embargo el Chavo no murió como personaje, pues las aventuras de la vecindad continuaron formando parte nuevamente del programa "Chespirito". Todos los personajes continuaron con sus enredos aunque en un periodo de 10 a 15 minutos en promedio. Don Ramón regresó en 1981 a grabar algunos capítulos. Su capacidad histriónica siguió siendo la misma, y la fórmula continuó gustando a pesar que la gran mayoría de mini-episodios fueron "remakes" de los que se grabaron años atrás. Los personajes sufrieron todos cambios significativos en sus personajes en lo que respecta a sus vestuarios. La Chilis con su cuello y bolsillo amarillo, Doña Cleotilde con sombrero rosa, el Chavo con colores más fuertes en sus suspensores y Ñoño con enterizo diferente.
AÑOS NOVENTAS
El Chavo del Ocho continuó como secuencia del exitoso programa "Chespirito". Estos años fueron quizás los más difíciles pues se tuvo que afrontar pérdidas irreparables que contribuyeron al ocaso de la serie. Los lamentables fallecimientos de Angelines Fernández y Raúl Padilla, asi como la estética del personaje del Chavo (Don Roberto manifestó que ya no era ético continuar asumiendo un rol de un niño de ocho años) dieron por concluido más de 20 años de "bonita vecindad". Don Roberto Gómez por decisión propia decidió poner punto final al Chavito en 1995. Continuó el programa "Chespirito" pero ya sin el alegre niño del barril.
El Chavo Del Ocho - El platillo volador
Primer Episodio del Chavo del Ocho
El Chavo del 8 - Examen con los padres - parte 2
El Chavo del 8 - Examen con los padres - parte 3
HISTORIA DE LA SERIE
Es muy apasionante conocer a fondo la historia completa de la Serie "El Chavo del Ocho", ya que a pesar de tener más de 30 años de permanencia, aun sigue haciendo historia en millones de hogares latinoamericanos. Pero empezaré contandoles ésta "no como pudo haber sido, sino como fue".
HISTORIA DEL CHAVO DEL OCHO
"Los Supergenios de la Mesa Cuadrada"Esta increible historia puede decirse que empieza en 1968 cuando a Chespirito se le da la gran oportunidad de tener su propia secuencia en televisión debido a sus grandes éxitos como guionista en años anteriores. Así, TIM (Televisión Independiente de México) le ofrece un segmento de treinta minutos, en los cuales don Roberto Gomez crea dos secuencias memorables: "Los Supergenios de la Mesa Cuadrada" y "el Ciudadano Gómez" al lado de Rubén Aguirre, el reconocido actor Ramón Valdez y una jovencísima María Antonieta de las Nieves, que en esa época se desempeñada como locutora en off del canal. Ese fue el punto de partida pues la secuencia ganó tanto éxito que se le dio por fin un programa propio "Chespirito" en 1970.
Es justamente "Chespirito" la cuna televisiva de los dos grandes y más exitosos productos de la empresa que tomó por nombre Televisa, y que tal como sus ejecutivos lo reconocen, "El Chapulín Colorado" (1970) y "El Chavo del Ocho" (1971) fueron los programas que sirvieron de catapulta a todas las producciones mexicanas, ya que las televisoras extranjeras empezaron a interesarse más por los productos hechos en México.
Antes de realizar estas producciones, Don Roberto debía contar con un elenco capaz de escenificar impecablemente los magníficos guiones que escribía. Y la selección debía ser muy acertada. Ya contaba con Rubén Aguirre, con quien trabajaba desde sus épocas de guionista en "Cómicos y Canciones" y "El Estudio de Pedro Vargas", con el inolvidable Ramón Valdez y la veinteañera María Antonieta de las Nieves, que jamás imaginó realizar una carrera actoral básicamente entregada a la comedia. A Carlos Villagrán lo conocería por intermedio de Aguirre, cuando lo vio hacer en su casa un sketch de ventrílocuo, donde Villagrán hacía de muñeco. A Bolaños le llamó la atención sus cachetes inflados, que serían el sello personal de "Quico". A Florinda Meza, la conoció viéndola ensayar un monólogo para un programa donde participaba como actriz. Curiosamente éste llevaba el nombre de "La Media naranja", nombre irónico sabiendo que contraerían matrimonio años después.
A Edgar Vivar, médico de profesión, pero entregado a una carrera actoral, lo contactó a través de un amigo común de ambos. Don Roberto Gómez, al ver por primera vez a Vivar, lo tomó inmediatamente. La actriz española Angelines Fernández, y gran estrella del cine de oro mexicano, fue una de las últimas en ingresar al elenco. Y a pesar que su personaje fue invitado enlas primeras temporadas, llegó a ser permanente. Llegaría después el hermano de Don Roberto, Horacio Gómez Bolaños, que se dedicaba inicialmente sólo al marketing y venta del programa, sin embargo un personaje le aguardaba y aunque al principio no lo tomó con mucho agrado, finalmente quedó para la posteridad su interpretación del relajado "Godinez". Este elenco fue el fundador de todo el suceso latinoamericano y mundial que significara el Chavo del Ocho años después. 1971 es el año que los televidentes mexicanos ven por primera vez al Chavo, a Don Ramón, a la Chilindrina. Estos personajes de niños interpretados por adultos, calan hondo en el gusto popular y rápidamente se convierten en los preferidos del Canal 8 de México. La prensa mexicana también se empieza a interesar por la insólita sintonía en este canal de antena fría y dedica sus primeros reportajes y críticas a Chespirito y su elenco, que ya empezaba a saborear un poco del éxito que años después se acrecentaría a niveles insospechados.
En los primeros años de los setentas, luego del suceso de los personajes de Roberto Gómez Bolaños, se fusionan las dos cadenas mexicanas: TIM que producía las series de Chespirito y el Canal 2, el llamado de las Estrellas y que ya gozaba de un gran prestigio. Asi es como producto de esta fusión nace la mega empresa de telecomunicaciones mexicana, Televisa S.A. La situación para Don Roberto fue incierta por un momento ya que tenía la duda sobre qué iba a pasar con sus series tan exitosas del canal 8. Asi Emilio Azcárraga Milmo, el gerente general de la nueva Televisa le propone no solo continuar con la serie sino que tanto el Chavo como el Chapulín tendrían un espacio propio, es decir un programa independiente cada uno. Pero aún quedaba una duda: el nombre del espacio, ya que "El Chavo del Ocho" se llamaba así porque se emitía por el canal 8. Chespirito cuenta que Azcárraga le sugirió que continúe asi ya que se había identificado con ese nombre. Es asi que en 1973, comienzan las emisiones semanales de "El Chavo del Ocho" y "El Chapulín Colorado", producidas por Televisa.
La serie "El Chavo del Ocho" rápidamente empieza a posicionarse en los primeros lugares del ranking de la televisión mexicana. Los actores empiezan asi a disfrutar del éxito. Y aunque a Roberto Gomez Bolaños le hubiese gustado que sea "El Chapulín Colorado" el personaje más exitoso, lo cierto es que fue "El Chavo" el que mantuvo pegado a la teleaudiencia, con impresionantes picos de sintonía de haste 60 puntos de rating televisivo. Los lunes a las 8pm. eran sagrados para la mayoría, y tanto niños y adultos dejaban todo para sentarse en familia y disfrutar juntos las ocurrencias del niño del barril y compañia. Con el transcurso de los años los personajes se fueron acentando en sus características y ahi es donde empiezan a destacar algunos más que otros. No es secreto que el personaje de "Don Ramón y el personaje de "Quico" acaparan la atención de una gran mayoría de seguidores, por sus características particulares y por su gran desenvolvimiento en pantalla. Y la serie, se vuelve objeto de culto ya no solo por el televidente mexicano sino por el latinoamericano, el europeo, y hasta el africano. A mediados de los setentas el Chavo del Ocho escapa de las pantallas para llegar a los hogares a través de diversos Souvenirs de la serie: muñecos, revistas, juguetes, disfraces, y mucho más. También la serie empieza a producir musicales y las canciones empiezan a llamar la atención tanto asi que también se empìezan a producir Material Discográfico con la música del Chavo del Ocho. Y las giras que realizaba la vecindad por diversos países y estados mexicanos constituían llenos totales.
Sin embargo todo el éxito que se veía por fuera no nos permitía observar los primeros roces entre Bolaños y Villagrán. Se dijo mucho sobre el distanciamiento entre ambos y se tejieron muchos rumores sobre su rivalidad detrás de cámaras. Los más recordados fueron la disputa por el amor de Florinda Meza y que Quico empezó a tener mayor atención que el mismo Chavo. La versión que se acepta es que Quico empezó a tener muchas propuestas fuera de la vecindad, hasta del mismo Azcárraga, pero que Villagrán rechazó porque no deseaba que sea supervisado por Chespirito, tal como se lo sugirió el "tigre" Azcárraga. Es así que es vetado de Televisa por el dueño y se aleja de la Vecindad. Los problemas con Bolaños se inician cuando Villagrán desea seguir usando el personaje de Quico, y Chespirito le comunica que no lo puede hacer porque los derechos son de él. Ese iba a ser solo el inicio de muchos años de disputas legales entre ambos virtuosos de la comedia. Finalmente en diciembre de 1978, la fogata en las arenas de Acapulco sería la última escena de "Quico" como parte de la vecindad del Chavo. Triste ironía del destino porque precisamente el Chavo canta en aquel ocaso de sol, el tema "Buenas Noches Vecindad" en el que dice "..hasta pronto compañero, otra vez regresarán los momentos placenteros para compartir el pan. Decir adiós sería tonto, un hasta pronto sólo será"
1979 fue un año que la serie tuvo cambios bastante drásticos ante la ausencia de un miembro del elenco clave como lo era "Quico". Bolaños nunca pensó en otro actor para personificar al niño de los cachetes porque sabía que Villagrán con su interpretación sería ireemplazable. Asi los libretos variaron con la entrada de la Popis en un desempeño más estelar y Ñoño, que tuvo mucha más participación en los episodios de la serie. Doña Florinda tuvo durante los primeros capitulos una participación bastante opaca, nunca se supo si fue por cuestiones del libreto, pero si se fijan bien se ve al personaje más apagado, como si viviera un tiempo de depresión producto del alejamiento de su hijo "que fue a vivir a casa de su tía la rica". La serie mantuvo el interés de la audiencia a pesar de todo, pero no pasó mucho tiempo antes que el elenco sufriera otra ausencia importantísima. Ramón Valdez, el recordado "Don Ramón" renunciaba a la serie debido a un jugoso contrato en Venezuela para trabajar en un programa de comedia al lado de Carlos Villagrán. Asi es el memorable capitulo de "Peluchín" el testigo de la despedida de Ramón Valdez de la serie. Fue exactamente un lunes 12 de marzo de 1979.
Ante la ausencia de Ramón Valdez y Carlos Villagrán, ingresan por la puerta grande dos nuevos personajes: Doña Nieves, la abuela de Don Ramón -que ya había aparecido anteriormente en el capítulo del album de fotos- y Jaimito el Cartero, que empezó con pequeñas apariciones hasta ser un personaje estable y tener su propio apartamento en la vecindad. Doña Nieves fue interpretada por Maria Antonieta de las Nieves quien se luce con doble papel y Jaimito el Cartero, encarnado por Raul "Chato" Padilla, que también ingresa como parte del elenco oficial de Chespirito a partir de ese año. 1979 sin embargo, sería el ultimo año del Chavo del Ocho como programa independiente, porque a partir de 1980 Televisa establece una nueva politica para su "Canal de las Estrellas" en la que desplaza a toda la programación de comedia dejando todo el espacio para las telenovelas que empezaban a significar ingresos importantes para la empresa. Asi el Chavo culmina su exitosa trayectoria como programa independiente con el episodio de la lavadora de Doña Florinda.
"Chespirito", el programa en que don Roberto Gomez Bolaños logra dar rienda suelta a toda su creatividad es el espacio perfecto para que sus personajes "El Chavo del Ocho" y "El Chapulín Colorado" puedan continuar con sus aventuras. En 1980 nuevamente se empiezan a producir gran cantidad de capitulos memorables y sobretodo originales del Chavo -recordemos que años antes se produjeron muchas versiones nuevas de capitulos emitidos anteriormente- entre los cuales destaca aquel en que el Dr. Chapatín acude a la vecindad a ofrecer sus servicios como médico y el Sr. Barriga termina en el hospital. Debido a este programa, el Chavo del Ocho pudo seguir con su éxito de siempre. Y la temporada 1981 no puede tener un inicio más auspicioso, ante el regreso de Ramón Valdez al elenco de Chespirito. Se supo que los resultados en Venezuela en materia de rating no fueron los mejores asi que Valdez decide regresar a México y continuar con su exitosa carrera en la vecindad. Asi tenemos uno de los capitulos más emotivos de toda la serie y es cuando se encuentra nuevamente con su hija Chilindrina, que había quedado todo este tiempo bajo la tutela de su "bizcabuela" Doña Nieves. Sin embargo Don Ramón sólo se quedaría por esa temporada, para renunciar definitivamente a fines de 1981. A partir de 1982 la serie regresa sin Don Ramón y con el regreso de Jaimito el Cartero en la vecindad.
Durante las décadas ochentas y noventas el Chavo del Ocho continuó, siendo la mayoría de episodios "remakes" de anteriores emisiones aunque con variantes importantes principalmente a nivel de personajes. Jaimito el Cartero empezó a tomar el papel que dejó Don Ramón y la Popis, el de Quico. En los primeros años de los noventas la escenografía de la vecindad cambió significativamente ya que no era la que anteriormente conocíamos y aunque se intentó reproducirla no se logró. Para don Roberto Gomez el Chavo poco a poco se convirtió en un dolor de cabeza pues ya le resultaba muy complicado crear nuevas situaciones ya que tal como explica él, el estar circunscrito a un mismo escenario y a los mismos personajes le limitaba su capacidad creadora. Asi, da por finalizado más de 25 años de emisión del Chavo del Ocho en 1992 cuando decide no producir más episodios de la vecindad.
Yo consideraría cerrar aquí la historia televisiva del Chavo del Ocho. Sin embargo ante las nuevas noticias acerca de la posible venta de los derechos del Chavo del Ocho a la transnacional Walt Disney Ltda. pueda ser que se abran nuevas páginas en la historia de este personaje. Aunque todos ustedes estarán de acuerdo que el Chavo del Ocho con sus personajes de carne y hueso fue la verdadera esencia de una maravilla de la televisión. El Chavo es quizá la serie de comedia más exitosa de todos los tiempos y tiene como virtudes el humor blanco, la capacidad de unir a la familia y la eliminación de la brecha generacional. Todos los que amamos esta serie hemos reido hasta morir, pero también hemos llorado más de una vez; alguna vez la vimos acompañados de un familiar que tal vez ya no esté con nosotros, pero con la seguridad que la veremos con un ser que aun no nace. Eso es lo hermoso del Chavo. Es un amigo que nunca dejará de existir. Te amamos Chavo.
EVOLUCIÓN DE LA SERIE
AÑO 1971-72
El Chavo del Ocho en sus inicios. Los personajes no estaban tan estructurados como los conocemos ahora. El comportamiento, las voces e incluso hasta la misma vecindad era diferente. Incluso en los primeros capítulos no existió el concepto de vecindad como tal. Con el transcurrir de los episodios nacería finalmente este complejo de viviendas estándar en todas las temporadas. En 1972 empezaron ya los personajes a acercarse al estereotipo que conocemos. Los vestuarios cambiaron y la vecindad también, aunque todavía los personajes no vivían en los dptos. con los que se hicieron famosos (como Don Ramón que tenía su casa en el lugar que conocemos hoy como la casa de Doña Florinda). Personajes que hacían sus primeras apariciones como el Señor Barriga fueron haciéndose un lugar importante aunque con perfiles diferentes. Por ejemplo éste último aún no era el dueño, sino un empleado que iba a cobrar la renta.
AÑO 1973
El Chavo del Ocho ya era un programa exitoso cuando llegó 1973. Cada personaje evolucionó bastante aunque aún eran diferentes. Quico tenía un gorro de colores blanco, azul y rojo y tenía una voz mucho más gangosa. La Chilindrina continuaba con su cabello largo y el Chavo hablaba un poco más grave, no tanto como niño. Doña Florinda aún no utilizaba los clásicos ruleros y el Señor Barriga que ya era el dueño de la vecindad se vestía con casaca de cuero. Las apariciones de Doña Cleotilde aún eran muy esporádicas asi como las del profesor Jirafales.
AÑO 1974
Este año marcó el alejamiento de María Antonieta de las Nieves de la serie por una oferta en el extranjero. Don Ramón se quedó sin su hija, llegando a su rescate su ahijada, Malicha (interpretado por Maria Luisa Alcalá) pero que no tuvo mayor trascendencia en la historia. Empezó a aparecer la Popis (con unz voz muy gangosa) y Ñoño para subsanar el hecho. También los niños empezaron a ir a la escuela con el Profesor Jirafales y Doña Florinda por fin instauró sus ruleros que serían inseparables.
AÑO 1975
Esta temporada significó el primer hito en la serie pues en toda la serie se hicieron cambios significativos. Las vestimentas de los personajes se establecieron para siempre (ya no veríamos jamás a Don Ramón alternar sus polos de colores) así como ciertos rasgos típicos de la historia (el recibir al Señor Barriga con golpes, los 14 meses de deuda, las frases repetitivas del Profesor Jirafales con Doña Florinda, etc.) Asimismo la calidad de la producción mejoró notablemente pues se veía un mejor trabajo en la escenografía y en la imagen. Se dio además el regreso de Maria Antonieta de las Nieves en su rol de "La Chilindrina".
AÑO 1976
La serie era ya todo un suceso en México y en los países donde se empezó a emitir como el caso de nuestro país. En esta temporada al parecer se quiso mantener la línea que había resultado muy exitosa en los años anteriores. No hubieron mayores cambios al contrario, se realizaron las segundas versiones de las temporadas anteriores, obviamente con cambios mínimos principalmente por el lado actoral, no del libreto. La escuela del profesor Jirafales adquirió mayor presencia y se empezaron a utilizar temas musicales en los capítulos.
AÑO 1977
El único personaje que sufrió varios cambios principalmente en el vestuario, fue la Chilindrina. En esta temporada ya utilizaba su chompa roja atada en la espalda y se le notaba su calzón larguísimo. La relación entre el profesor Jirafales y Doña Florinda parecía hacerse más fuerte en la mente de Quico y el Chavo finalmente hizo de Ñoño su mejor amigo. La vecindad lucía un poco diferente al ser el piso muy llamativo a comparación de los anteriores asi como los colores de las viviendas que eran mucho más definidos.
AÑO 1978
Quizá la mejor temporada a mi parecer pues tuvo los capítulos más entrañables de todos. Cuando llegó a 1978 el Chavo del Ocho ya era toda una institución el la televisión mundial. Las giras internacionales eran éxitos irrefutables y aquí en Perú la serie empezó ya a trasnmitirse en colores. Lo más resaltable en esta penúltima temporada fue que Chespirito incluyó muchos más de sus temas musicales aquí y se emitieron los famosísimos episodios del Chavo en Acapulco. Esta temporada fue la última de Quico.
AÑO 1979
Significó el alejamiento de otro de los personajes fundadores de la vecindad: Don Ramón (aunque regresaría en 1981). Este año surgieron personajes nuevos como Jaimito el Cartero y Doña Nieves quienes nacieron para completar la vecindad ya que la Chilindrina no podía quedarse sola y la Bruja no podía quedarse sin "un hombre". Doña Florinda adquirió un rol de mujer más activo al quedar al frente de su propio restaurante y el Chavo conoció lo que fue su primer trabajo como empleado. Esta temporada fue la última del Chavo del Ocho como programa de televisión ya que Televisa ordenaría su cancelación aún cuando el rating del programa estaba en sus picos más elevados. Grave error. Una pésima decisión de la que se arrepentirían años después.
AÑOS OCHENTAS
Sin embargo el Chavo no murió como personaje, pues las aventuras de la vecindad continuaron formando parte nuevamente del programa "Chespirito". Todos los personajes continuaron con sus enredos aunque en un periodo de 10 a 15 minutos en promedio. Don Ramón regresó en 1981 a grabar algunos capítulos. Su capacidad histriónica siguió siendo la misma, y la fórmula continuó gustando a pesar que la gran mayoría de mini-episodios fueron "remakes" de los que se grabaron años atrás. Los personajes sufrieron todos cambios significativos en sus personajes en lo que respecta a sus vestuarios. La Chilis con su cuello y bolsillo amarillo, Doña Cleotilde con sombrero rosa, el Chavo con colores más fuertes en sus suspensores y Ñoño con enterizo diferente.
AÑOS NOVENTAS
El Chavo del Ocho continuó como secuencia del exitoso programa "Chespirito". Estos años fueron quizás los más difíciles pues se tuvo que afrontar pérdidas irreparables que contribuyeron al ocaso de la serie. Los lamentables fallecimientos de Angelines Fernández y Raúl Padilla, asi como la estética del personaje del Chavo (Don Roberto manifestó que ya no era ético continuar asumiendo un rol de un niño de ocho años) dieron por concluido más de 20 años de "bonita vecindad". Don Roberto Gómez por decisión propia decidió poner punto final al Chavito en 1995. Continuó el programa "Chespirito" pero ya sin el alegre niño del barril.
El Chavo Del Ocho - El platillo volador
Primer Episodio del Chavo del Ocho
A-HA
A-HA - Hunting High And Low
BIOGRAFIA DE A-HA
Trío noruego formado a comienzos de los años 80 por Pal Waaktaar (guitarra y coros), Magne Furuholmen (teclados y coros) y Morten Harket (voz principal). En 1985, su primer single, "Take On Me" encabezó las listas de todo el mundo, apoyado por un original vídeo que todavía hoy se sigue recordando. En los siguientes años, A-ha se llevó a casa ocho premios MTV, consiguió otros 10 singles en el Top Ten de USA y el Reino Unido, aportó el tema central de la película de James Bond, "The Living Daylights" y actuó ante cifras de público que constituyen todo un récord como las 200.000 personas les vieron en Brasil, en el "Rock In Rio II". Tras un paréntesis de seis años, en el cada uno de los componentes del trío tomó caminos diferentes, se volvieron a reunir y regresaron en 2000 con el álbum "Minor Earth, Major Sky"
(25/06/2002)
Magne y Pal había tocado juntos desde pequeños y formaban parte de Spider Empire en 1977, banda influenciada por The Doors y Jimi Hendrix. En 1979 el grupo se convirtió en un cuarteto llamado Bridges y publicaron Fakkeltog (Torchlight Procession) un disco del que tan sólo se editaron 1.000 copias. Mientras trabajaban en un segundo disco conocieron a Morten Harket (14/9/1959), que había cantado con grupos como Souldier Blue. El trío decidió pasarse a una música más comercial y Bridges se disolvió.
El mercado noruego les pareció insuficiente y en 1982 decidieron marcharse a Gran Bretaña. Furuholmen acuñó el término de A-ha, ya que era una exclamación familiar en muchas lenguas y fácilmente memorizable. Una vez en Londres, alquilaron un apartamento en el que componían sus canciones. Una de ellas, "Lesson One", le gustó a John Ratcliff, mánager de los estudios Rendezvous en los que grababan sus demos. Ratcliff mostró el tema a Terry Slater, ejecutivo de una compañía discográfica y colaborador de los Everly Brothers, y se convirtió en su mánager. En diciembre de 1983 regresaron a Noruega con un contrato con Warner Bros Records bajo el brazo. En enero de 1984, el tema "Lesson One" re-escrito por los tres componentes del grupo como "Take On Me", se grabó en Londres con la producción de Tony Mansfield. Fue un éxito rotundo y encabezó las listas de todo el mundo. Pero eso sería tiempo después, ya que cuando se lanzó en el Reino Unido, solo vendió 300 copias.
En 1985, por iniciativa de Slater (su mánager), se incluyeron sintetizadores y Alan Tarney se encargó de la producción, pero el tema volvió a fracasar. Desilusionado, el trío regresó ese verano a Oslo. En Julio, US Warner apostó por "Take On Me" y decidió gastar cien mil dólares en grabar un vídeo semi-animado, que dirigió Steve Barron para apoyar su promoción. A-ha viajó a Los Angeles en una visita promocional y "Take on me" se lanzó por tercera vez en Gran Bretaña. En octubre de 1985, "Take On Me" llegó a la cima de las listas en Estados Unidos y por fin, en el mercado británico (a la tercera iba la vencida) el tema se situó en el nº 2, justo detrás de "The Power Of Love" de Jennifer Rush. En noviembre de ese mismo año el álbum Hunting High And Low llegó al nº 2 en el Reino Unido y al nº 15 en Estados Unidos. Siete de los diez temas del álbum estuvieron producidos por Mansfield. "The Sun Always Shines on TV" fue otro de los grandes éxitos de ese disco debú.
Al año siguiente, el trío se embarcó en una gira mundial de 120 conciertos y en la tercera edición de los Premios de Vídeos Musicales de la MTV "Take On Me" triunfó en las categorías de: Mejor Vídeo Conceptual, Mejor Vídeo de Artista Novel, Mejores Efectos Especiales, Mejor Dirección. Por otra parte, "The Sun Always Shines On TV" se llevó el premio como Mejor Edición y Mejor Vídeo Cinematográfico". En octubre de 1986 publicaron Scoundrel Days, un segundo álbum producido por ellos mismos y que incluía diez canciones, entre ellas "Cry Wolf" y "I've Been Losing You". Tras una gira mundial, A-ha participaron en la banda sonora de la película de James Bond The Living Daylights, grabando su tema central. La música era de John Barry la letra de Waaktaar.
En 1988 llegó su tercer disco, Stay On These Roads. Los diez temas que lo componían fueron escritos o co-escritos por Waaktaar. Los sencillos más destacados de dicho elepé fueron "Touchy!" y "Stay On These Roads", aunque también apareció una versión distinta de "The Living Daylights", diferente a la que estaba en la banda sonora de la película del mismo nombre. A finales de 1989 Harket protagonizó la película Kamilia And The Thief y en 1990 publicaron su cuarto álbum East Of The Sun, West Of The Moon, en el que se incluía una versión del clásico de 1962 de los Everly Brothers, "Crying In The Rain". En su mayor parte, las canciones estaban compuestas por Furuholmen y Waaktaar y Chris Neil junto a Ian Stanley se encargaron de la producción.
En 1991 se editó Headlines & Deadlines, The Hits Of A-ha, un álbum retrospectivo que recopilaba los éxitos conseguidos en sus seis años de carrera. En total fueron 16 grandes éxitos más un tema inédito: "Move To Memphis", que fue el single promocional de la antología.
En 1993, tras más de dos años sin grabar nada nuevo, el trío retornó con Memorial Beach. Sólo hubo un single de este álbum, "Dark is the Night".
Un año después, ya en 1994, Shapes That Go Together se convirtió en su último esfuerzo hasta el 2000.
En los años siguientes, el grupo tomó caminos diferentes: "Todos necesitábamos abrirnos nuestro propio camino en la vida. Sencillamente, nos saltamos los 90". Magne se dedicó enteramente a la pintura, exponiendo en todo el mundo. Pal creó un grupo, Savoy, junto a su mujer, y publicó Mary Is Coming. Morten Harket publicó un disco en solitario, Wild Seed, descubriendo y explorando áreas que antes había dejado para Magne y Pal.
En 1998 les llamaron para tocar en la ceremonia del Nobel de la Paz, y según recuerda Pal: "A todos nos sorprendió lo fácil que era volver a hacer música juntos". A principios de 1999, los tres se juntaron en Nueva York para explorar las posibilidades de colaborar juntos de nuevo. Un año después, ya en 2000, Minor Earth, Major Sky, estaba terminado. Algunas de sus canciones "las habíamos empezado justo después de nuestro disco del 93, sin embargo, al mismo tiempo, es un disco que tiene mucho que ver con lo que está ocurriendo ahora". Según Furuholmen, el cambio más drástico en la dinámica del grupo ha sido la transformación de Morten Harket en compositor, papel que antes estaba reservado para Pal y para Magne. A-ha se ha vuelto a unir ya que, según Magne: "Había asuntos sin concluir, todos sentíamos que había un enorme potencial en la interacción de nuestras personalidades. Algo que merecía ser investigado en profundidad".
En Abril de 2002 A-ha publicó el séptimo álbum de su carrera, Lifelines, y se embarcaron una gira mundial, que en su tramo europeo ha incluido lugares como Helsinki, Estocolmo, Copenhage, Utrecht, Bruselas, Paris y Londres. El dúo tiene previstas presentaciones en Barcelona (4 de octubre, Razzmataz) y en Madrid (5 de octubre, La Riviera), como también en Moscú y Minsk.
Trío noruego formado a comienzos de los años 80 por Pal Waaktaar (guitarra y coros), Magne Furuholmen (teclados y coros) y Morten Harket (voz principal). En 1985, su primer single, "Take On Me" encabezó las listas de todo el mundo, apoyado por un original vídeo que todavía hoy se sigue recordando. En los siguientes años, A-ha se llevó a casa ocho premios MTV, consiguió otros 10 singles en el Top Ten de USA y el Reino Unido, aportó el tema central de la película de James Bond, "The Living Daylights" y actuó ante cifras de público que constituyen todo un récord como las 200.000 personas les vieron en Brasil, en el "Rock In Rio II". Tras un paréntesis de seis años, en el cada uno de los componentes del trío tomó caminos diferentes, se volvieron a reunir y regresaron en 2000 con el álbum "Minor Earth, Major Sky"
(25/06/2002)
Magne y Pal había tocado juntos desde pequeños y formaban parte de Spider Empire en 1977, banda influenciada por The Doors y Jimi Hendrix. En 1979 el grupo se convirtió en un cuarteto llamado Bridges y publicaron Fakkeltog (Torchlight Procession) un disco del que tan sólo se editaron 1.000 copias. Mientras trabajaban en un segundo disco conocieron a Morten Harket (14/9/1959), que había cantado con grupos como Souldier Blue. El trío decidió pasarse a una música más comercial y Bridges se disolvió.
El mercado noruego les pareció insuficiente y en 1982 decidieron marcharse a Gran Bretaña. Furuholmen acuñó el término de A-ha, ya que era una exclamación familiar en muchas lenguas y fácilmente memorizable. Una vez en Londres, alquilaron un apartamento en el que componían sus canciones. Una de ellas, "Lesson One", le gustó a John Ratcliff, mánager de los estudios Rendezvous en los que grababan sus demos. Ratcliff mostró el tema a Terry Slater, ejecutivo de una compañía discográfica y colaborador de los Everly Brothers, y se convirtió en su mánager. En diciembre de 1983 regresaron a Noruega con un contrato con Warner Bros Records bajo el brazo. En enero de 1984, el tema "Lesson One" re-escrito por los tres componentes del grupo como "Take On Me", se grabó en Londres con la producción de Tony Mansfield. Fue un éxito rotundo y encabezó las listas de todo el mundo. Pero eso sería tiempo después, ya que cuando se lanzó en el Reino Unido, solo vendió 300 copias.
En 1985, por iniciativa de Slater (su mánager), se incluyeron sintetizadores y Alan Tarney se encargó de la producción, pero el tema volvió a fracasar. Desilusionado, el trío regresó ese verano a Oslo. En Julio, US Warner apostó por "Take On Me" y decidió gastar cien mil dólares en grabar un vídeo semi-animado, que dirigió Steve Barron para apoyar su promoción. A-ha viajó a Los Angeles en una visita promocional y "Take on me" se lanzó por tercera vez en Gran Bretaña. En octubre de 1985, "Take On Me" llegó a la cima de las listas en Estados Unidos y por fin, en el mercado británico (a la tercera iba la vencida) el tema se situó en el nº 2, justo detrás de "The Power Of Love" de Jennifer Rush. En noviembre de ese mismo año el álbum Hunting High And Low llegó al nº 2 en el Reino Unido y al nº 15 en Estados Unidos. Siete de los diez temas del álbum estuvieron producidos por Mansfield. "The Sun Always Shines on TV" fue otro de los grandes éxitos de ese disco debú.
Al año siguiente, el trío se embarcó en una gira mundial de 120 conciertos y en la tercera edición de los Premios de Vídeos Musicales de la MTV "Take On Me" triunfó en las categorías de: Mejor Vídeo Conceptual, Mejor Vídeo de Artista Novel, Mejores Efectos Especiales, Mejor Dirección. Por otra parte, "The Sun Always Shines On TV" se llevó el premio como Mejor Edición y Mejor Vídeo Cinematográfico". En octubre de 1986 publicaron Scoundrel Days, un segundo álbum producido por ellos mismos y que incluía diez canciones, entre ellas "Cry Wolf" y "I've Been Losing You". Tras una gira mundial, A-ha participaron en la banda sonora de la película de James Bond The Living Daylights, grabando su tema central. La música era de John Barry la letra de Waaktaar.
En 1988 llegó su tercer disco, Stay On These Roads. Los diez temas que lo componían fueron escritos o co-escritos por Waaktaar. Los sencillos más destacados de dicho elepé fueron "Touchy!" y "Stay On These Roads", aunque también apareció una versión distinta de "The Living Daylights", diferente a la que estaba en la banda sonora de la película del mismo nombre. A finales de 1989 Harket protagonizó la película Kamilia And The Thief y en 1990 publicaron su cuarto álbum East Of The Sun, West Of The Moon, en el que se incluía una versión del clásico de 1962 de los Everly Brothers, "Crying In The Rain". En su mayor parte, las canciones estaban compuestas por Furuholmen y Waaktaar y Chris Neil junto a Ian Stanley se encargaron de la producción.
En 1991 se editó Headlines & Deadlines, The Hits Of A-ha, un álbum retrospectivo que recopilaba los éxitos conseguidos en sus seis años de carrera. En total fueron 16 grandes éxitos más un tema inédito: "Move To Memphis", que fue el single promocional de la antología.
En 1993, tras más de dos años sin grabar nada nuevo, el trío retornó con Memorial Beach. Sólo hubo un single de este álbum, "Dark is the Night".
Un año después, ya en 1994, Shapes That Go Together se convirtió en su último esfuerzo hasta el 2000.
En los años siguientes, el grupo tomó caminos diferentes: "Todos necesitábamos abrirnos nuestro propio camino en la vida. Sencillamente, nos saltamos los 90". Magne se dedicó enteramente a la pintura, exponiendo en todo el mundo. Pal creó un grupo, Savoy, junto a su mujer, y publicó Mary Is Coming. Morten Harket publicó un disco en solitario, Wild Seed, descubriendo y explorando áreas que antes había dejado para Magne y Pal.
En 1998 les llamaron para tocar en la ceremonia del Nobel de la Paz, y según recuerda Pal: "A todos nos sorprendió lo fácil que era volver a hacer música juntos". A principios de 1999, los tres se juntaron en Nueva York para explorar las posibilidades de colaborar juntos de nuevo. Un año después, ya en 2000, Minor Earth, Major Sky, estaba terminado. Algunas de sus canciones "las habíamos empezado justo después de nuestro disco del 93, sin embargo, al mismo tiempo, es un disco que tiene mucho que ver con lo que está ocurriendo ahora". Según Furuholmen, el cambio más drástico en la dinámica del grupo ha sido la transformación de Morten Harket en compositor, papel que antes estaba reservado para Pal y para Magne. A-ha se ha vuelto a unir ya que, según Magne: "Había asuntos sin concluir, todos sentíamos que había un enorme potencial en la interacción de nuestras personalidades. Algo que merecía ser investigado en profundidad".
En Abril de 2002 A-ha publicó el séptimo álbum de su carrera, Lifelines, y se embarcaron una gira mundial, que en su tramo europeo ha incluido lugares como Helsinki, Estocolmo, Copenhage, Utrecht, Bruselas, Paris y Londres. El dúo tiene previstas presentaciones en Barcelona (4 de octubre, Razzmataz) y en Madrid (5 de octubre, La Riviera), como también en Moscú y Minsk.
a-ha Summer Moved On
A-ha - Crying in the rain
A-HA TRAIN OF THOUGHT
BIOGRAFIA DE A-HA
Trío noruego formado a comienzos de los años 80 por Pal Waaktaar (guitarra y coros), Magne Furuholmen (teclados y coros) y Morten Harket (voz principal). En 1985, su primer single, "Take On Me" encabezó las listas de todo el mundo, apoyado por un original vídeo que todavía hoy se sigue recordando. En los siguientes años, A-ha se llevó a casa ocho premios MTV, consiguió otros 10 singles en el Top Ten de USA y el Reino Unido, aportó el tema central de la película de James Bond, "The Living Daylights" y actuó ante cifras de público que constituyen todo un récord como las 200.000 personas les vieron en Brasil, en el "Rock In Rio II". Tras un paréntesis de seis años, en el cada uno de los componentes del trío tomó caminos diferentes, se volvieron a reunir y regresaron en 2000 con el álbum "Minor Earth, Major Sky"
(25/06/2002)
Magne y Pal había tocado juntos desde pequeños y formaban parte de Spider Empire en 1977, banda influenciada por The Doors y Jimi Hendrix. En 1979 el grupo se convirtió en un cuarteto llamado Bridges y publicaron Fakkeltog (Torchlight Procession) un disco del que tan sólo se editaron 1.000 copias. Mientras trabajaban en un segundo disco conocieron a Morten Harket (14/9/1959), que había cantado con grupos como Souldier Blue. El trío decidió pasarse a una música más comercial y Bridges se disolvió.
El mercado noruego les pareció insuficiente y en 1982 decidieron marcharse a Gran Bretaña. Furuholmen acuñó el término de A-ha, ya que era una exclamación familiar en muchas lenguas y fácilmente memorizable. Una vez en Londres, alquilaron un apartamento en el que componían sus canciones. Una de ellas, "Lesson One", le gustó a John Ratcliff, mánager de los estudios Rendezvous en los que grababan sus demos. Ratcliff mostró el tema a Terry Slater, ejecutivo de una compañía discográfica y colaborador de los Everly Brothers, y se convirtió en su mánager. En diciembre de 1983 regresaron a Noruega con un contrato con Warner Bros Records bajo el brazo. En enero de 1984, el tema "Lesson One" re-escrito por los tres componentes del grupo como "Take On Me", se grabó en Londres con la producción de Tony Mansfield. Fue un éxito rotundo y encabezó las listas de todo el mundo. Pero eso sería tiempo después, ya que cuando se lanzó en el Reino Unido, solo vendió 300 copias.
En 1985, por iniciativa de Slater (su mánager), se incluyeron sintetizadores y Alan Tarney se encargó de la producción, pero el tema volvió a fracasar. Desilusionado, el trío regresó ese verano a Oslo. En Julio, US Warner apostó por "Take On Me" y decidió gastar cien mil dólares en grabar un vídeo semi-animado, que dirigió Steve Barron para apoyar su promoción. A-ha viajó a Los Angeles en una visita promocional y "Take on me" se lanzó por tercera vez en Gran Bretaña. En octubre de 1985, "Take On Me" llegó a la cima de las listas en Estados Unidos y por fin, en el mercado británico (a la tercera iba la vencida) el tema se situó en el nº 2, justo detrás de "The Power Of Love" de Jennifer Rush. En noviembre de ese mismo año el álbum Hunting High And Low llegó al nº 2 en el Reino Unido y al nº 15 en Estados Unidos. Siete de los diez temas del álbum estuvieron producidos por Mansfield. "The Sun Always Shines on TV" fue otro de los grandes éxitos de ese disco debú.
Al año siguiente, el trío se embarcó en una gira mundial de 120 conciertos y en la tercera edición de los Premios de Vídeos Musicales de la MTV "Take On Me" triunfó en las categorías de: Mejor Vídeo Conceptual, Mejor Vídeo de Artista Novel, Mejores Efectos Especiales, Mejor Dirección. Por otra parte, "The Sun Always Shines On TV" se llevó el premio como Mejor Edición y Mejor Vídeo Cinematográfico". En octubre de 1986 publicaron Scoundrel Days, un segundo álbum producido por ellos mismos y que incluía diez canciones, entre ellas "Cry Wolf" y "I've Been Losing You". Tras una gira mundial, A-ha participaron en la banda sonora de la película de James Bond The Living Daylights, grabando su tema central. La música era de John Barry la letra de Waaktaar.
En 1988 llegó su tercer disco, Stay On These Roads. Los diez temas que lo componían fueron escritos o co-escritos por Waaktaar. Los sencillos más destacados de dicho elepé fueron "Touchy!" y "Stay On These Roads", aunque también apareció una versión distinta de "The Living Daylights", diferente a la que estaba en la banda sonora de la película del mismo nombre. A finales de 1989 Harket protagonizó la película Kamilia And The Thief y en 1990 publicaron su cuarto álbum East Of The Sun, West Of The Moon, en el que se incluía una versión del clásico de 1962 de los Everly Brothers, "Crying In The Rain". En su mayor parte, las canciones estaban compuestas por Furuholmen y Waaktaar y Chris Neil junto a Ian Stanley se encargaron de la producción.
En 1991 se editó Headlines & Deadlines, The Hits Of A-ha, un álbum retrospectivo que recopilaba los éxitos conseguidos en sus seis años de carrera. En total fueron 16 grandes éxitos más un tema inédito: "Move To Memphis", que fue el single promocional de la antología.
En 1993, tras más de dos años sin grabar nada nuevo, el trío retornó con Memorial Beach. Sólo hubo un single de este álbum, "Dark is the Night".
Un año después, ya en 1994, Shapes That Go Together se convirtió en su último esfuerzo hasta el 2000.
En los años siguientes, el grupo tomó caminos diferentes: "Todos necesitábamos abrirnos nuestro propio camino en la vida. Sencillamente, nos saltamos los 90". Magne se dedicó enteramente a la pintura, exponiendo en todo el mundo. Pal creó un grupo, Savoy, junto a su mujer, y publicó Mary Is Coming. Morten Harket publicó un disco en solitario, Wild Seed, descubriendo y explorando áreas que antes había dejado para Magne y Pal.
En 1998 les llamaron para tocar en la ceremonia del Nobel de la Paz, y según recuerda Pal: "A todos nos sorprendió lo fácil que era volver a hacer música juntos". A principios de 1999, los tres se juntaron en Nueva York para explorar las posibilidades de colaborar juntos de nuevo. Un año después, ya en 2000, Minor Earth, Major Sky, estaba terminado. Algunas de sus canciones "las habíamos empezado justo después de nuestro disco del 93, sin embargo, al mismo tiempo, es un disco que tiene mucho que ver con lo que está ocurriendo ahora". Según Furuholmen, el cambio más drástico en la dinámica del grupo ha sido la transformación de Morten Harket en compositor, papel que antes estaba reservado para Pal y para Magne. A-ha se ha vuelto a unir ya que, según Magne: "Había asuntos sin concluir, todos sentíamos que había un enorme potencial en la interacción de nuestras personalidades. Algo que merecía ser investigado en profundidad".
En Abril de 2002 A-ha publicó el séptimo álbum de su carrera, Lifelines, y se embarcaron una gira mundial, que en su tramo europeo ha incluido lugares como Helsinki, Estocolmo, Copenhage, Utrecht, Bruselas, Paris y Londres. El dúo tiene previstas presentaciones en Barcelona (4 de octubre, Razzmataz) y en Madrid (5 de octubre, La Riviera), como también en Moscú y Minsk.
Trío noruego formado a comienzos de los años 80 por Pal Waaktaar (guitarra y coros), Magne Furuholmen (teclados y coros) y Morten Harket (voz principal). En 1985, su primer single, "Take On Me" encabezó las listas de todo el mundo, apoyado por un original vídeo que todavía hoy se sigue recordando. En los siguientes años, A-ha se llevó a casa ocho premios MTV, consiguió otros 10 singles en el Top Ten de USA y el Reino Unido, aportó el tema central de la película de James Bond, "The Living Daylights" y actuó ante cifras de público que constituyen todo un récord como las 200.000 personas les vieron en Brasil, en el "Rock In Rio II". Tras un paréntesis de seis años, en el cada uno de los componentes del trío tomó caminos diferentes, se volvieron a reunir y regresaron en 2000 con el álbum "Minor Earth, Major Sky"
(25/06/2002)
Magne y Pal había tocado juntos desde pequeños y formaban parte de Spider Empire en 1977, banda influenciada por The Doors y Jimi Hendrix. En 1979 el grupo se convirtió en un cuarteto llamado Bridges y publicaron Fakkeltog (Torchlight Procession) un disco del que tan sólo se editaron 1.000 copias. Mientras trabajaban en un segundo disco conocieron a Morten Harket (14/9/1959), que había cantado con grupos como Souldier Blue. El trío decidió pasarse a una música más comercial y Bridges se disolvió.
El mercado noruego les pareció insuficiente y en 1982 decidieron marcharse a Gran Bretaña. Furuholmen acuñó el término de A-ha, ya que era una exclamación familiar en muchas lenguas y fácilmente memorizable. Una vez en Londres, alquilaron un apartamento en el que componían sus canciones. Una de ellas, "Lesson One", le gustó a John Ratcliff, mánager de los estudios Rendezvous en los que grababan sus demos. Ratcliff mostró el tema a Terry Slater, ejecutivo de una compañía discográfica y colaborador de los Everly Brothers, y se convirtió en su mánager. En diciembre de 1983 regresaron a Noruega con un contrato con Warner Bros Records bajo el brazo. En enero de 1984, el tema "Lesson One" re-escrito por los tres componentes del grupo como "Take On Me", se grabó en Londres con la producción de Tony Mansfield. Fue un éxito rotundo y encabezó las listas de todo el mundo. Pero eso sería tiempo después, ya que cuando se lanzó en el Reino Unido, solo vendió 300 copias.
En 1985, por iniciativa de Slater (su mánager), se incluyeron sintetizadores y Alan Tarney se encargó de la producción, pero el tema volvió a fracasar. Desilusionado, el trío regresó ese verano a Oslo. En Julio, US Warner apostó por "Take On Me" y decidió gastar cien mil dólares en grabar un vídeo semi-animado, que dirigió Steve Barron para apoyar su promoción. A-ha viajó a Los Angeles en una visita promocional y "Take on me" se lanzó por tercera vez en Gran Bretaña. En octubre de 1985, "Take On Me" llegó a la cima de las listas en Estados Unidos y por fin, en el mercado británico (a la tercera iba la vencida) el tema se situó en el nº 2, justo detrás de "The Power Of Love" de Jennifer Rush. En noviembre de ese mismo año el álbum Hunting High And Low llegó al nº 2 en el Reino Unido y al nº 15 en Estados Unidos. Siete de los diez temas del álbum estuvieron producidos por Mansfield. "The Sun Always Shines on TV" fue otro de los grandes éxitos de ese disco debú.
Al año siguiente, el trío se embarcó en una gira mundial de 120 conciertos y en la tercera edición de los Premios de Vídeos Musicales de la MTV "Take On Me" triunfó en las categorías de: Mejor Vídeo Conceptual, Mejor Vídeo de Artista Novel, Mejores Efectos Especiales, Mejor Dirección. Por otra parte, "The Sun Always Shines On TV" se llevó el premio como Mejor Edición y Mejor Vídeo Cinematográfico". En octubre de 1986 publicaron Scoundrel Days, un segundo álbum producido por ellos mismos y que incluía diez canciones, entre ellas "Cry Wolf" y "I've Been Losing You". Tras una gira mundial, A-ha participaron en la banda sonora de la película de James Bond The Living Daylights, grabando su tema central. La música era de John Barry la letra de Waaktaar.
En 1988 llegó su tercer disco, Stay On These Roads. Los diez temas que lo componían fueron escritos o co-escritos por Waaktaar. Los sencillos más destacados de dicho elepé fueron "Touchy!" y "Stay On These Roads", aunque también apareció una versión distinta de "The Living Daylights", diferente a la que estaba en la banda sonora de la película del mismo nombre. A finales de 1989 Harket protagonizó la película Kamilia And The Thief y en 1990 publicaron su cuarto álbum East Of The Sun, West Of The Moon, en el que se incluía una versión del clásico de 1962 de los Everly Brothers, "Crying In The Rain". En su mayor parte, las canciones estaban compuestas por Furuholmen y Waaktaar y Chris Neil junto a Ian Stanley se encargaron de la producción.
En 1991 se editó Headlines & Deadlines, The Hits Of A-ha, un álbum retrospectivo que recopilaba los éxitos conseguidos en sus seis años de carrera. En total fueron 16 grandes éxitos más un tema inédito: "Move To Memphis", que fue el single promocional de la antología.
En 1993, tras más de dos años sin grabar nada nuevo, el trío retornó con Memorial Beach. Sólo hubo un single de este álbum, "Dark is the Night".
Un año después, ya en 1994, Shapes That Go Together se convirtió en su último esfuerzo hasta el 2000.
En los años siguientes, el grupo tomó caminos diferentes: "Todos necesitábamos abrirnos nuestro propio camino en la vida. Sencillamente, nos saltamos los 90". Magne se dedicó enteramente a la pintura, exponiendo en todo el mundo. Pal creó un grupo, Savoy, junto a su mujer, y publicó Mary Is Coming. Morten Harket publicó un disco en solitario, Wild Seed, descubriendo y explorando áreas que antes había dejado para Magne y Pal.
En 1998 les llamaron para tocar en la ceremonia del Nobel de la Paz, y según recuerda Pal: "A todos nos sorprendió lo fácil que era volver a hacer música juntos". A principios de 1999, los tres se juntaron en Nueva York para explorar las posibilidades de colaborar juntos de nuevo. Un año después, ya en 2000, Minor Earth, Major Sky, estaba terminado. Algunas de sus canciones "las habíamos empezado justo después de nuestro disco del 93, sin embargo, al mismo tiempo, es un disco que tiene mucho que ver con lo que está ocurriendo ahora". Según Furuholmen, el cambio más drástico en la dinámica del grupo ha sido la transformación de Morten Harket en compositor, papel que antes estaba reservado para Pal y para Magne. A-ha se ha vuelto a unir ya que, según Magne: "Había asuntos sin concluir, todos sentíamos que había un enorme potencial en la interacción de nuestras personalidades. Algo que merecía ser investigado en profundidad".
En Abril de 2002 A-ha publicó el séptimo álbum de su carrera, Lifelines, y se embarcaron una gira mundial, que en su tramo europeo ha incluido lugares como Helsinki, Estocolmo, Copenhage, Utrecht, Bruselas, Paris y Londres. El dúo tiene previstas presentaciones en Barcelona (4 de octubre, Razzmataz) y en Madrid (5 de octubre, La Riviera), como también en Moscú y Minsk.
a-ha Summer Moved On
A-ha - Crying in the rain
A-HA TRAIN OF THOUGHT
domingo, 25 de noviembre de 2007
GIT
GIT - la calle es su lugar
El trío GIT, bautizado a partir de las iniciales de los apellidos de sus integrantes, fue la consecuencia de varios años de trabajo juntos, pero tocando para otros compositores. Pablo Guyot y Willy Iturri, por ejemplo, habían acompañado durante varios años al baladista César Banana Pueyrredón, y se unieron a Alfredo Toth cuando los convocó Raúl Porchetto en 1980. Hacia 1982, ya estaban en contacto con Charly García, que había grabado su primer disco solista con Iturri en la batería, y que luego los invitó a integrar su banda del año siguiente. En el medio, Guyot grabó con Miguel Mateos, y Toth estuvo en el grupo Prema, de Piero.
A esta altura, el trío ya tenía temas propios y había grabado un demo con un par de canciones, pero la oferta de Charly era demasiado tentadora, e incluía la posibilidad de mostrar sus temas durante el intervalo de algunos recitales. En 1984, finalmente les llega la oportunidad de hacer su álbum propio, y cuentan con el mismísimo García como productor artístico. El resultado arroja hits como “Viento loco” y “La calle es su lugar (Ana)”. Actúan en vivo mientras siguen con Charly García en la etapa de su disco Piano bar.
GIT se independizó del todo con la edición de su segundo trabajo, comunmente llamado “el disco negro”, realizado con producción de Gustavo Santaolalla y con un original sonido de batería. Los simples de éxito son “Siempre fuiste mi amor” y “Aire de todos”, que los llevaron a ser populares a nivel masivo en Argentina, Chile y Perú. Esta etapa se cerró con el álbum Primera sangre, ya cuando el desgaste interno es grande, y al poco tiempo se separan.
En 1992, GIT sorprendió al panorama local con un importante contrato discográfico, un disco nuevo con muchos músicos invitados y una gira que hasta incluye shows en Japón.
Volvieron a separarse y nunca más han llegado a tocar juntos, aunque actualmente el nombre lo utiliza Willy Iturri con bastante repercusión en Chile, donde incluso grabó un nuevo trabajo con músicos chilenos en el 2004, combinando viejo y nuevo repertorio.
GIT SIEMPRE FUISTE MI AMOR
GIT AIRE DE TODOS
GIT NO HIERAS MI CORAZON
GIT VIENTO LOCO
El trío GIT, bautizado a partir de las iniciales de los apellidos de sus integrantes, fue la consecuencia de varios años de trabajo juntos, pero tocando para otros compositores. Pablo Guyot y Willy Iturri, por ejemplo, habían acompañado durante varios años al baladista César Banana Pueyrredón, y se unieron a Alfredo Toth cuando los convocó Raúl Porchetto en 1980. Hacia 1982, ya estaban en contacto con Charly García, que había grabado su primer disco solista con Iturri en la batería, y que luego los invitó a integrar su banda del año siguiente. En el medio, Guyot grabó con Miguel Mateos, y Toth estuvo en el grupo Prema, de Piero.
A esta altura, el trío ya tenía temas propios y había grabado un demo con un par de canciones, pero la oferta de Charly era demasiado tentadora, e incluía la posibilidad de mostrar sus temas durante el intervalo de algunos recitales. En 1984, finalmente les llega la oportunidad de hacer su álbum propio, y cuentan con el mismísimo García como productor artístico. El resultado arroja hits como “Viento loco” y “La calle es su lugar (Ana)”. Actúan en vivo mientras siguen con Charly García en la etapa de su disco Piano bar.
GIT se independizó del todo con la edición de su segundo trabajo, comunmente llamado “el disco negro”, realizado con producción de Gustavo Santaolalla y con un original sonido de batería. Los simples de éxito son “Siempre fuiste mi amor” y “Aire de todos”, que los llevaron a ser populares a nivel masivo en Argentina, Chile y Perú. Esta etapa se cerró con el álbum Primera sangre, ya cuando el desgaste interno es grande, y al poco tiempo se separan.
En 1992, GIT sorprendió al panorama local con un importante contrato discográfico, un disco nuevo con muchos músicos invitados y una gira que hasta incluye shows en Japón.
Volvieron a separarse y nunca más han llegado a tocar juntos, aunque actualmente el nombre lo utiliza Willy Iturri con bastante repercusión en Chile, donde incluso grabó un nuevo trabajo con músicos chilenos en el 2004, combinando viejo y nuevo repertorio.
GIT SIEMPRE FUISTE MI AMOR
GIT AIRE DE TODOS
GIT NO HIERAS MI CORAZON
GIT VIENTO LOCO
Virus
Me Puedo Programar - VIRUS
Virus
Formación inicial
Enrique Mugetti: bajo
Federico Moura: voz
Julio Moura: guitarra
Marcelo Moura: teclados
Mario Serra: batería
Ricardo Serra: guitarra
Roberto Jacoby: letrista
Virus es la máxima expresión de la modernidad en el rock nacional. Esta banda platense, que en muchos aspectos lideró el panorama local de la década, despuntó en 1981 con una actitud muy frontal en un momento de acartonamiento generalizado. Sobre el escenario se ponía en funcionamiento un juego de seducción que atraía o alejaba, sin término medio. Desde el comienzo, Virus resultó tan emblemático como Luca Prodan, de Sumo, o Soda Stereo. «Quizás nada retrate mejor a los Moura que su destiempo. Fueron irónicos cuando reinaba la solemnidad en el rock argentino. Fueron románticos cuando reinaba el desencato dark. Grabaron su primer disco cuando su líder tenía 30 años, la misma edad en la que Charly disolvía Serú Girán» (Eduardo Berti en Riera / Sánchez, pág 11/12).
Virus nació de la fusión de Marabunta con Los Violetas, dos bandas de City Bell en las cuales tocaban los hermanos Moura. En un primer momento se llamaban "Duro" y la cantante era Laura Gallegos, que terminó siendo invitada a participar de los coros del primer álbum. Cuando Federico ocupa el lugar de la vocalista (11 de enero de 1981) ya se rebautizan Virus.
Ya en la primera presentación masiva (Ezeiza, 21/09/81), Federico Moura desplegó su habitual provocación y, mientras jugueteaba con las naranjas que el público le arrojaba, les arengó: "a ver si levantan esos culos y bailan un poquito". Hacía dos años que ensayaban todos los días y tocaban en pequeños pubs. Una semana después de Ezeiza, entraban a grabar en la CBS.
"Wadu-Wadu" (1981), el primer LP, contiene 15 temas, con una duración promedio de 2'30 cada uno. En una época en la cual el Rock se ocupaba de temas sociales y "serios", fueron acusados de frívolos, por la música bailable con letras irónicas. «Hay quienes piensan que las letras de ustedes no están hechas para pensar...», sugiere el periodista. «Pero no es tan complicado, nuestras letars son simples. El que no las pesca es porque no piensa», responde Federico (Revista Twist y Gritos, 1982).
"Soy moderno, no fumo" y "Wadu wadu" fueron elegidos como cortes de difusión, que lograron tal propósito gracias a Lalo Mir, que conducía "9PM" por Radio del Plata y Alejandro Pont Lezica, de Rividavia.
En la presentación del disco (18/12/81 en el teatro Astral) debutó como músico el periodista Roberto Pettinato, que por entonces dirigía la revista El Expreso Imaginario y que también apoyaba bastante a Virus.
La imagen ambigua del grupo motivaba reacciones adversas de parte del público y comentarios prejuiciosos de la prensa. Al respecto, Marcelo Moura explica: «Federico era homosexual, entonces naturalmente su estética era así. No es que quisiese promover o valorizar eso, simplemente actuaba como era. Y como Federico era el cantante, el que hacía las notas y el que más aparecía en televisión, era la imagen que representaba al grupo» (D.Riera / F.Sánchez, pág 70).
Federico y Jacoby se ocuparon del vestuario y de la puesta en escena de los shows que realizaron durante la Guerra de Malvinas. Al comenzar, un ciego sintonizaba una radio a galena que colgaba de su cuello y de fondo se escuchaba "Entra en movimiento". Luego el grupo entero subía al escenario disfrazado de anciano, mientras en una pantalla se proyectaban imágenes de una manifestación en la Plaza de Mayo, con el tema "Todo este tiempo perdido".
Para ese entonces, el Poder Ejecutivo convocó a los productores más importantes para que organizaran el Festival de la Solidaridad Latinoamericana. La fecha elegida fue el 16 de mayo de 1982 y se hicieron presentes todos los músicos importantes: Charly, Spinetta, Gieco, Porchetto, Litto Nebbia... A Virus también les llegó la invitación, pero fue inmediatamente rechazada. Para la ocasión, compusieron el tema "El banquete", que incluyeron en "Recrudece" (1982), el segundo disco.
"Agujero Interior" fue el primer disco masivo de Virus. Con la producción artística de Danny y Michel Peyronel, salió a la venta en diciembre de 1983, juntamente con la asunción de Raúl Alfonsín y el final de la dictadura militar. Ese año Los Twist lograron editar su primer trabajo, "La dicha en movimiento" que, en parte, compartía la ironía de los Virus, aunque en un estilo pop-rock más "divertido". Este trabajo sería editado en CD recién en 1995.
Por entonces, varios sectores de la sociedad declararon estar "avergonzados y escandalizados" por estos músicos. «La situación me parece muy buena - comenta Federico - Creo que alguien cuestiona un hecho cuando realmente le molesta. (...) Y me parece muy bien, porque estás golpeando puertas. No estás planeando golpearlas, las estás golpeando y le estás creando preguntas a alguien. Estamos movilizando, estamos tocando estímulos más fuertes, y por eso la gente se adhiere o te rechaza, pero siempre con fuerza» (G.Guerrero, pág 57).
A mediados de 1984 se separa de la banda Ricardo Serra, por diferencias internas: «Jacoby escribía letras y cobraba una fortuna de guita cada seis meses, mientras que nosotros no cobrábamos un mango. Un grupo no puede funcionar jamás así. (...) Lo que hizo Roberto yo no lo haría ni mamado: cobrar, por ejemplo, 25.000 dólares y no tener un gesto, son cosas medio bravas... Nosotros cobrábamos por los shows y por el Sindicato de Músicos, pero yo de Sadaic nunca cobré nada.» (D.Riera / F.Sanchez, pág 108). Su reemplazante fue Daniel Sbarra.
En un estilo pop más tecno, grabaron el siguiente trabajo, "Relax" (1984), con muchos más teclados y sintetizadores, en parte para suplir el espacio del guirtarrista alejado. Se utilizó una tecnología novedosa para la época, como las baterías electrónicas y los Midis para utilizar bases secuenciadas. "Desesperado secuencia uno", "Me puedo programar" y "Amor descartable" son los ejemplos más salientes.
"Locura" (1985) se grabó en Nueva York y vendió más de 200.000 copias (hasta ese momento, el disco más exitoso había sido "Relax", con 40.000). Es el disco preferido de Federico y el más sexual de todos. "Una luna de miel en la mano" es un homenaje a la masturbación; "Sin disfraz" trata sobre un taxi-boy; "Pronta entrega" es una valorización de las relaciones sexuales...
Como consagración de una extensa y exitosa gira por todo el interior, Virus graba "En Vivo" en el Estadio Obras, los días 15, 16 y 17 de mayo de 1986. Para la ocasión prepararon versiones nuevas de todos los temas, ya que la crítica coincidía en calificarlos de "muy profesionales, pero un poco fríos". Si a esto se le sumaba el hecho de ser una recopilación, el disco redundaría en una repetición de los éxitos anteriores. Continuaron luego con una gira por latinoamérica, que los llevó a Perú (70.000 personas en 3 shows) y a Chile (20.000 espectadores en 3 presentaciones).
"Superficies de placer" fue grabado en Río de Janeiro, entre abril y mayo del '87. Este es un álbum más individualista: los temas eran compuestos sin la intervención del resto del grupo, como ocurría antes. La grabación se dificultó por una intensa neumonía de Federico, que lo tuvo 15 días en cama, casi sin poder comer. El tercer médico que lo atendió le recomendó realizarse el test del HIV, una enfermedad de la cual todavía se desconocía casi todo. Dio positivo.
«Nos shockeó, fue como una patada al hígado. - recuerda Marcelo - Se armó como una onda de desazón general. Lo que había sido un plan antiestrés (grabar en Brasil), terminó siendo lo más estresante del mundo. Terminamos el disco a las patadas; todos los valores se cambiaron de un día para el otro» (D.Riera / F.Sánchez, pág 163).
A casi 9 meses del último show en Buenos Aires, Virus presentó el nuevo material en dos recitales en el Teatro Opera. Era un período en el cual nadie tenía ánimos para seguir, con excepción del propio Federico: cuando ninguno sabía si podría aguantar el trajín de los ensayos y los shows, Federico insistió para que se realizara.
"Tierra del fuego" (1989) es el primer LP sin su participación. Federico concurrió al estudio los dos primeros días, pero no pudo continuar. Había participado en únicamente dos temas: "Un amor inhabitado" y "Lanzo y escucho". La banda quiso abandonar la grabación. Federico ordenó que continuaran y le pidió a Marcelo que ocupara su lugar.
Federico Moura murió de Sida el 21 de diciembre de 1988. A un año de la muerte de Luca Prodan y a nueve meses de la de Miguel Abuelo, se cerraba así la década de los '80, musicalmente hablando.
«En honor a la estética personal que siempre caracterizó a Federico, algunos periodistas que sabíamos hace tres o cuatro meses que estaba condenado a muerte, nos organizamos en una conspiración de silencio, y quizás también de esperanza en un milagro de esos que rara vez se producen. No fue casual que la mayoría de los integrantes de esa conspiración perteneciéramos a la misma generación de Jorge y Federico. Nos unió la solidaridad hacia alguien que respetamos profundamente y la conciencia de que, según parece, serán muy pocos los de nuestra generación que logren morirse de viejo» (Gabriela Borgna en Página/12, 22/12/88).
La presentación oficial de "Tierra del Fuego" fue, en realidad, un homenaje a Federico. Luis Alberto Spinetta, Charly García, Andrés Calamaro, Gustavo Cerati, Patricia Sosa y Fito Páez son algunos de los músicos que, espontáneamente, concurrieron al show y cantaron como invitados.
Luego de mucho ensayar con la nueva formación, Virus salió de gira por todo el país (en la campaña presidencial del candidato radical Eduardo Angeloz) y luego por el exterior. Sin embargo, ya no existía la disciplina interna y no había forma de restablecer las rutinas de ensayos y composición. Daniel Sbarra y Enrique Mugetti ya habían tomado la decisión de alejarse de la banda, aunque ofrecieron seguir tocando hasta que les enconrtraran reemplazantes. Disolvieron el contrato con la discográfica y realizaron algunos shows en forma independiente, pero sin éxito. El recital despedida fue el 29 de septiembre en el estadio de River, como teloneros de David Bowie y Bryan Adams.
En marzo de 1994 se juntaron para la nostalgia, en un pub de Lanús. Volvieron a los escenarios para el 112º aniversario de la ciudad que los vio nacer: La Plata. Alrededor de 120.000 personas los aclamaron como en sus mejores épocas. «No nos gusta de hablar de regreso -comentó Marcelo- porque de hecho siempre seguimos en actividad, aunque sea en proyectos paralelos, y nunca estuvimos alejados definitivamente». En diciembre del año siguiente se presentaron en la discoteca The Roxy, «sin intenciones de editar un nuevo disco, sin giras que promocionar ni nada, solamente por el gusto de tocar» (Télam, 09/10/95). Por "cuestiones internas", Mario Serra no participó del reencuentro y fue reemplazado por Aitor Graña, el baterista de Juana La Loca.
Marcelo Moura encabezó un nuevo renacimiento de esta banda, acompañado en esta oportunidad por Julio Moura y Daniel Sbarra en guitarras, Enrique Muguetti en bajo, Aitor Graña en batería y Patricio Fontana en teclados. El disco se llamó "Nueve" y tuvo un anticipo con el tema "América fatal" y una versión dance de "Amor descartable".
Como festejo de su 25º aniversario, Virus realizó en el 2004 una serie de recitales en el Teatro ND Ateneo. Cada noche, la banda presentó un repertorio distinto: "Virus es canción" (con clásicos unplugged y adelantos de su próximo CD); "Virus es pop" y "Virus es rock". "Es un delirio, porque tocamos setenta temas en tres días. Pero ese tipo de desafíos siempre nos moviliza. No nos gusta mirar atrás, queremos estar siempre en movimiento", comentó Julio Moura. La formación de la banda para la ocasión era los hermanos Moura, Enrique Muggeti (bajo, guitarra y coros); Daniel Sbarra (guitarra y coros); Aitor Graña (batería y programación) y Patricio Fontana (teclados).
El 1º de junio de 2006 la banda volvió a presentarse en vivo en el Teatro Coliseo, donde registraron "Caja negra", editado en CD y en DVD. El show tuvo como invitados a Ale Sergi (de Miranda!), Adrián Dárgelos (de Babasónicos, Pity Alvarez (de Intoxicados) y Ciro Pertusi (de Attaque 77). El primer corte difusión fue la nueva versión de "Luna de miel en la mano".
Discografía
Wadu Wadu, 1981
Recrudece, 1982
Agujero interior, 1983
Relax, 1984
Locura, 1985
Vivo volumen 2, 1986
Virus vivo, 1986
Grandes éxitos, 1987
Superficies de placer, 1987
Tierra del fuego, 1989
Nueve, 1998
Obras cumbres, 2000
Caja negra, 2006
Website oficial:
http://www.virusenconcierto.com.ar/
Notas relacionadas
Virus presentó su "Caja Negra"
“Exploramos siempre en la música porque en esto nunca hay un final”
Como Abuelo y Luca Prodan, Federico Moura tendrá su nombre en una calle de La Falda
La luna de miel de Moura y Ale Sergi
Virus grabará su primer DVD en vivo
"Nuestro motor fue siempre el desafío"
Se destapó el Quilmes Rock
Virus: regreso al pop
Amor Descartable - VIRUS
Virus - Pronta entrega
Virus - Luna de Miel
Virus
Formación inicial
Enrique Mugetti: bajo
Federico Moura: voz
Julio Moura: guitarra
Marcelo Moura: teclados
Mario Serra: batería
Ricardo Serra: guitarra
Roberto Jacoby: letrista
Virus es la máxima expresión de la modernidad en el rock nacional. Esta banda platense, que en muchos aspectos lideró el panorama local de la década, despuntó en 1981 con una actitud muy frontal en un momento de acartonamiento generalizado. Sobre el escenario se ponía en funcionamiento un juego de seducción que atraía o alejaba, sin término medio. Desde el comienzo, Virus resultó tan emblemático como Luca Prodan, de Sumo, o Soda Stereo. «Quizás nada retrate mejor a los Moura que su destiempo. Fueron irónicos cuando reinaba la solemnidad en el rock argentino. Fueron románticos cuando reinaba el desencato dark. Grabaron su primer disco cuando su líder tenía 30 años, la misma edad en la que Charly disolvía Serú Girán» (Eduardo Berti en Riera / Sánchez, pág 11/12).
Virus nació de la fusión de Marabunta con Los Violetas, dos bandas de City Bell en las cuales tocaban los hermanos Moura. En un primer momento se llamaban "Duro" y la cantante era Laura Gallegos, que terminó siendo invitada a participar de los coros del primer álbum. Cuando Federico ocupa el lugar de la vocalista (11 de enero de 1981) ya se rebautizan Virus.
Ya en la primera presentación masiva (Ezeiza, 21/09/81), Federico Moura desplegó su habitual provocación y, mientras jugueteaba con las naranjas que el público le arrojaba, les arengó: "a ver si levantan esos culos y bailan un poquito". Hacía dos años que ensayaban todos los días y tocaban en pequeños pubs. Una semana después de Ezeiza, entraban a grabar en la CBS.
"Wadu-Wadu" (1981), el primer LP, contiene 15 temas, con una duración promedio de 2'30 cada uno. En una época en la cual el Rock se ocupaba de temas sociales y "serios", fueron acusados de frívolos, por la música bailable con letras irónicas. «Hay quienes piensan que las letras de ustedes no están hechas para pensar...», sugiere el periodista. «Pero no es tan complicado, nuestras letars son simples. El que no las pesca es porque no piensa», responde Federico (Revista Twist y Gritos, 1982).
"Soy moderno, no fumo" y "Wadu wadu" fueron elegidos como cortes de difusión, que lograron tal propósito gracias a Lalo Mir, que conducía "9PM" por Radio del Plata y Alejandro Pont Lezica, de Rividavia.
En la presentación del disco (18/12/81 en el teatro Astral) debutó como músico el periodista Roberto Pettinato, que por entonces dirigía la revista El Expreso Imaginario y que también apoyaba bastante a Virus.
La imagen ambigua del grupo motivaba reacciones adversas de parte del público y comentarios prejuiciosos de la prensa. Al respecto, Marcelo Moura explica: «Federico era homosexual, entonces naturalmente su estética era así. No es que quisiese promover o valorizar eso, simplemente actuaba como era. Y como Federico era el cantante, el que hacía las notas y el que más aparecía en televisión, era la imagen que representaba al grupo» (D.Riera / F.Sánchez, pág 70).
Federico y Jacoby se ocuparon del vestuario y de la puesta en escena de los shows que realizaron durante la Guerra de Malvinas. Al comenzar, un ciego sintonizaba una radio a galena que colgaba de su cuello y de fondo se escuchaba "Entra en movimiento". Luego el grupo entero subía al escenario disfrazado de anciano, mientras en una pantalla se proyectaban imágenes de una manifestación en la Plaza de Mayo, con el tema "Todo este tiempo perdido".
Para ese entonces, el Poder Ejecutivo convocó a los productores más importantes para que organizaran el Festival de la Solidaridad Latinoamericana. La fecha elegida fue el 16 de mayo de 1982 y se hicieron presentes todos los músicos importantes: Charly, Spinetta, Gieco, Porchetto, Litto Nebbia... A Virus también les llegó la invitación, pero fue inmediatamente rechazada. Para la ocasión, compusieron el tema "El banquete", que incluyeron en "Recrudece" (1982), el segundo disco.
"Agujero Interior" fue el primer disco masivo de Virus. Con la producción artística de Danny y Michel Peyronel, salió a la venta en diciembre de 1983, juntamente con la asunción de Raúl Alfonsín y el final de la dictadura militar. Ese año Los Twist lograron editar su primer trabajo, "La dicha en movimiento" que, en parte, compartía la ironía de los Virus, aunque en un estilo pop-rock más "divertido". Este trabajo sería editado en CD recién en 1995.
Por entonces, varios sectores de la sociedad declararon estar "avergonzados y escandalizados" por estos músicos. «La situación me parece muy buena - comenta Federico - Creo que alguien cuestiona un hecho cuando realmente le molesta. (...) Y me parece muy bien, porque estás golpeando puertas. No estás planeando golpearlas, las estás golpeando y le estás creando preguntas a alguien. Estamos movilizando, estamos tocando estímulos más fuertes, y por eso la gente se adhiere o te rechaza, pero siempre con fuerza» (G.Guerrero, pág 57).
A mediados de 1984 se separa de la banda Ricardo Serra, por diferencias internas: «Jacoby escribía letras y cobraba una fortuna de guita cada seis meses, mientras que nosotros no cobrábamos un mango. Un grupo no puede funcionar jamás así. (...) Lo que hizo Roberto yo no lo haría ni mamado: cobrar, por ejemplo, 25.000 dólares y no tener un gesto, son cosas medio bravas... Nosotros cobrábamos por los shows y por el Sindicato de Músicos, pero yo de Sadaic nunca cobré nada.» (D.Riera / F.Sanchez, pág 108). Su reemplazante fue Daniel Sbarra.
En un estilo pop más tecno, grabaron el siguiente trabajo, "Relax" (1984), con muchos más teclados y sintetizadores, en parte para suplir el espacio del guirtarrista alejado. Se utilizó una tecnología novedosa para la época, como las baterías electrónicas y los Midis para utilizar bases secuenciadas. "Desesperado secuencia uno", "Me puedo programar" y "Amor descartable" son los ejemplos más salientes.
"Locura" (1985) se grabó en Nueva York y vendió más de 200.000 copias (hasta ese momento, el disco más exitoso había sido "Relax", con 40.000). Es el disco preferido de Federico y el más sexual de todos. "Una luna de miel en la mano" es un homenaje a la masturbación; "Sin disfraz" trata sobre un taxi-boy; "Pronta entrega" es una valorización de las relaciones sexuales...
Como consagración de una extensa y exitosa gira por todo el interior, Virus graba "En Vivo" en el Estadio Obras, los días 15, 16 y 17 de mayo de 1986. Para la ocasión prepararon versiones nuevas de todos los temas, ya que la crítica coincidía en calificarlos de "muy profesionales, pero un poco fríos". Si a esto se le sumaba el hecho de ser una recopilación, el disco redundaría en una repetición de los éxitos anteriores. Continuaron luego con una gira por latinoamérica, que los llevó a Perú (70.000 personas en 3 shows) y a Chile (20.000 espectadores en 3 presentaciones).
"Superficies de placer" fue grabado en Río de Janeiro, entre abril y mayo del '87. Este es un álbum más individualista: los temas eran compuestos sin la intervención del resto del grupo, como ocurría antes. La grabación se dificultó por una intensa neumonía de Federico, que lo tuvo 15 días en cama, casi sin poder comer. El tercer médico que lo atendió le recomendó realizarse el test del HIV, una enfermedad de la cual todavía se desconocía casi todo. Dio positivo.
«Nos shockeó, fue como una patada al hígado. - recuerda Marcelo - Se armó como una onda de desazón general. Lo que había sido un plan antiestrés (grabar en Brasil), terminó siendo lo más estresante del mundo. Terminamos el disco a las patadas; todos los valores se cambiaron de un día para el otro» (D.Riera / F.Sánchez, pág 163).
A casi 9 meses del último show en Buenos Aires, Virus presentó el nuevo material en dos recitales en el Teatro Opera. Era un período en el cual nadie tenía ánimos para seguir, con excepción del propio Federico: cuando ninguno sabía si podría aguantar el trajín de los ensayos y los shows, Federico insistió para que se realizara.
"Tierra del fuego" (1989) es el primer LP sin su participación. Federico concurrió al estudio los dos primeros días, pero no pudo continuar. Había participado en únicamente dos temas: "Un amor inhabitado" y "Lanzo y escucho". La banda quiso abandonar la grabación. Federico ordenó que continuaran y le pidió a Marcelo que ocupara su lugar.
Federico Moura murió de Sida el 21 de diciembre de 1988. A un año de la muerte de Luca Prodan y a nueve meses de la de Miguel Abuelo, se cerraba así la década de los '80, musicalmente hablando.
«En honor a la estética personal que siempre caracterizó a Federico, algunos periodistas que sabíamos hace tres o cuatro meses que estaba condenado a muerte, nos organizamos en una conspiración de silencio, y quizás también de esperanza en un milagro de esos que rara vez se producen. No fue casual que la mayoría de los integrantes de esa conspiración perteneciéramos a la misma generación de Jorge y Federico. Nos unió la solidaridad hacia alguien que respetamos profundamente y la conciencia de que, según parece, serán muy pocos los de nuestra generación que logren morirse de viejo» (Gabriela Borgna en Página/12, 22/12/88).
La presentación oficial de "Tierra del Fuego" fue, en realidad, un homenaje a Federico. Luis Alberto Spinetta, Charly García, Andrés Calamaro, Gustavo Cerati, Patricia Sosa y Fito Páez son algunos de los músicos que, espontáneamente, concurrieron al show y cantaron como invitados.
Luego de mucho ensayar con la nueva formación, Virus salió de gira por todo el país (en la campaña presidencial del candidato radical Eduardo Angeloz) y luego por el exterior. Sin embargo, ya no existía la disciplina interna y no había forma de restablecer las rutinas de ensayos y composición. Daniel Sbarra y Enrique Mugetti ya habían tomado la decisión de alejarse de la banda, aunque ofrecieron seguir tocando hasta que les enconrtraran reemplazantes. Disolvieron el contrato con la discográfica y realizaron algunos shows en forma independiente, pero sin éxito. El recital despedida fue el 29 de septiembre en el estadio de River, como teloneros de David Bowie y Bryan Adams.
En marzo de 1994 se juntaron para la nostalgia, en un pub de Lanús. Volvieron a los escenarios para el 112º aniversario de la ciudad que los vio nacer: La Plata. Alrededor de 120.000 personas los aclamaron como en sus mejores épocas. «No nos gusta de hablar de regreso -comentó Marcelo- porque de hecho siempre seguimos en actividad, aunque sea en proyectos paralelos, y nunca estuvimos alejados definitivamente». En diciembre del año siguiente se presentaron en la discoteca The Roxy, «sin intenciones de editar un nuevo disco, sin giras que promocionar ni nada, solamente por el gusto de tocar» (Télam, 09/10/95). Por "cuestiones internas", Mario Serra no participó del reencuentro y fue reemplazado por Aitor Graña, el baterista de Juana La Loca.
Marcelo Moura encabezó un nuevo renacimiento de esta banda, acompañado en esta oportunidad por Julio Moura y Daniel Sbarra en guitarras, Enrique Muguetti en bajo, Aitor Graña en batería y Patricio Fontana en teclados. El disco se llamó "Nueve" y tuvo un anticipo con el tema "América fatal" y una versión dance de "Amor descartable".
Como festejo de su 25º aniversario, Virus realizó en el 2004 una serie de recitales en el Teatro ND Ateneo. Cada noche, la banda presentó un repertorio distinto: "Virus es canción" (con clásicos unplugged y adelantos de su próximo CD); "Virus es pop" y "Virus es rock". "Es un delirio, porque tocamos setenta temas en tres días. Pero ese tipo de desafíos siempre nos moviliza. No nos gusta mirar atrás, queremos estar siempre en movimiento", comentó Julio Moura. La formación de la banda para la ocasión era los hermanos Moura, Enrique Muggeti (bajo, guitarra y coros); Daniel Sbarra (guitarra y coros); Aitor Graña (batería y programación) y Patricio Fontana (teclados).
El 1º de junio de 2006 la banda volvió a presentarse en vivo en el Teatro Coliseo, donde registraron "Caja negra", editado en CD y en DVD. El show tuvo como invitados a Ale Sergi (de Miranda!), Adrián Dárgelos (de Babasónicos, Pity Alvarez (de Intoxicados) y Ciro Pertusi (de Attaque 77). El primer corte difusión fue la nueva versión de "Luna de miel en la mano".
Discografía
Wadu Wadu, 1981
Recrudece, 1982
Agujero interior, 1983
Relax, 1984
Locura, 1985
Vivo volumen 2, 1986
Virus vivo, 1986
Grandes éxitos, 1987
Superficies de placer, 1987
Tierra del fuego, 1989
Nueve, 1998
Obras cumbres, 2000
Caja negra, 2006
Website oficial:
http://www.virusenconcierto.com.ar/
Notas relacionadas
Virus presentó su "Caja Negra"
“Exploramos siempre en la música porque en esto nunca hay un final”
Como Abuelo y Luca Prodan, Federico Moura tendrá su nombre en una calle de La Falda
La luna de miel de Moura y Ale Sergi
Virus grabará su primer DVD en vivo
"Nuestro motor fue siempre el desafío"
Se destapó el Quilmes Rock
Virus: regreso al pop
Amor Descartable - VIRUS
Virus - Pronta entrega
Virus - Luna de Miel
Robotech
Robotech es una serie animada de ciencia ficción de 85 episodios basada a su vez en tres series de animación japonesa sin ninguna relación entre ellas. Lanzada por la corporación estadounidense Harmony Gold en 1985, Robotech fue quizás la primera serie de anime en despertar el interés por este estilo de animación en Occidente, además de ser una de las primeras en difundirse masivamente a nivel mundial. Se reconoce como creador de Robotech a Carl Macek.
Robotech fusionó el trabajo de animación original de tres series distintas: Super Dimensional Fortress Macross, Super Dimensional Cavalry Southern Cross y Genesis Climber Mospeada. Reeditó las líneas arguméntales, reeditó los capítulos, rehizo las bandas sonoras originales, y reescribió buena parte de los diálogos para darle algo de coherencia a la nueva historia. La razón de esta fusión se debe a que las emisoras de televisión en los Estados Unidos exigían un mínimo de 65 episodios para poder transmitir programas de animación cinco días a la semana, y ninguna de estas tres series llegaba a ese número individualmente (Macross tenía 36, Southern Cross 23 y Mospeada 25). Para llegar a un número de episodios divisible por cinco, Harmony Gold compiló un capítulo con clips de Macross y de Southern Cross (capítulo 37, Dana´s Story) que vincularía la primera y la segunda parte de la serie. Además, para poder ser emitida en los Estados Unidos, la serie sufrió la censura de algunas escenas consideradas como inapropiadas para una serie infantil. La serie popularizó el género de los mecha transformables en todo el mundo, al mostrar vehículos cuyas transformaciones en robots eran coherentes.
El resultado de esta combinación es una historia sobre las sucesivas guerras que mantiene la humanidad con tres razas extraterrestres a lo largo de tres generaciones por el control de una fuente de energía llamada Protocultura. El trabajo de integrar las historias de tres series que originalmente no tenían relación fue complejo y por un lado permitió fortalecer la historia de cada una de las tres series originales dándole un sabor épico, pero por el otro dejó numerosas inconsistencias y cuestiones sin resolver.
Existe además una serie de novelas de Robotech, escritas durante la década de los 80 por "Jack McKinney", seudónimo de los escritores Brian Daley y James Luceno. Las novelas desarrollaron en más detalle la historia que se veía en la serie y vincularon mejor las tres generaciones, además de relatar historias que transcurrieron entre las tres distintas series y que no existían en el material original. Sin embargo, muchos fans de Robotech critican el desarrollo de la historia que hacen las novelas de McKinney, señalando discrepancias con la serie original, inconsistencias y una inclinación hacia un misticismo irrelevante en las novelas que cubren el final de la saga.
Harmony Gold intentó producir una secuela de Robotech con animación original titulada Robotech II: The Sentinels, pero el proyecto fue cancelado en 1986 por problemas con el merchandising y la reevaluación del yen frente al dólar.
La editorial Palladium Books publicó una serie de guías para juegos de rol de Robotech.
En 2004 Harmony Gold anunció el lanzamiento de una producción de OVA (Original Video Animation) llamada Robotech: The Shadow Chronicles en 2005, la cual estará unida a las series originales mediante una serie de comics llamados Prelude to the Shadow Chronicles editados por DC Comics.
Robotech: La Saga de Macross Cap1[1-3] español
Robotech: La Saga de Macross Cap1[2-3] español
Robotech: La Saga de Macross Cap1[3-3] español
Super Hijitus
Super Hijitus - El boxitracio parte 1
Super Hijitus - El boxitracio parte 2
Creado por el dibujante Argentino García Ferre, llego a la tele en la década del 60. Este dibujito fue un autentico clásico en la Argentina, a tal punto que competía y derrotaba en el Raiting a los Cartoons Americanos y al conocido Astroboy. El programa cuenta la vida de un chico pobre que tiene un sombrero tipo galera, pero, al pasar por dentro de este se convierte en un Súper Héroe. Hijitus vivía en un tubo en las afueras de la ciudad de Trulala junto a su fiel perro Pichichus. Entre los personajes también encontramos a Oaki, un pequeño chico hijo de un millonario que tenia dos revólveres dentro de su ropa y estaba enamorado de su vecina de enfrente. También estaba Larguirucho, un personaje que si bien estaba entre los malos muchas veces acompañaba en sus aventuras a Hijitus y Oaki. Y podríamos estar horas nombrando mas personajes como El Boxitracio y La Bruja Cachavacha con su búho. En fin, el mejor Cartoon Argentino que afortunadamente no se ha olvidado, porque en el 2006 volvió a la pantalla para alegrar las mañanas de miles de chicos.
Super Hijitus - El boxitracio parte 2
Creado por el dibujante Argentino García Ferre, llego a la tele en la década del 60. Este dibujito fue un autentico clásico en la Argentina, a tal punto que competía y derrotaba en el Raiting a los Cartoons Americanos y al conocido Astroboy. El programa cuenta la vida de un chico pobre que tiene un sombrero tipo galera, pero, al pasar por dentro de este se convierte en un Súper Héroe. Hijitus vivía en un tubo en las afueras de la ciudad de Trulala junto a su fiel perro Pichichus. Entre los personajes también encontramos a Oaki, un pequeño chico hijo de un millonario que tenia dos revólveres dentro de su ropa y estaba enamorado de su vecina de enfrente. También estaba Larguirucho, un personaje que si bien estaba entre los malos muchas veces acompañaba en sus aventuras a Hijitus y Oaki. Y podríamos estar horas nombrando mas personajes como El Boxitracio y La Bruja Cachavacha con su búho. En fin, el mejor Cartoon Argentino que afortunadamente no se ha olvidado, porque en el 2006 volvió a la pantalla para alegrar las mañanas de miles de chicos.
Suscribirse a:
Entradas (Atom)