Dentro de la gran gama de juegos olvidados por los niños de hoy está el “hoyo-Pelota”. Y esta reflexión es especialmente para los cincuentones Autor: Oscar Alfredo Mario (www.enplenitud.com)
“¿Te acordás en esas tardes templadas de abril cuando en las esquinas del barrio nos juntábamos a jugar al “Hoyo-Pelota?”. Como para olvidarlo...
Seguramente los lectores de la generación intermedia recuerdan con nostalgia aquellos momentos en que la destreza, la picardía y la velocidad eran fundamentales para zafar del “paredón” de “fusilamiento” a que era sometido el más remolón.
Cabe aclarar que los mayores de entonces lo definían como un juego violento, pero... esa violencia lejos estaba de las imágenes de muerte que nos transmite a diario la TV basura.
¿En qué consistía el juego?.
Eran necesarios varios participantes y una pelota de trapo. Se hacía un hoyo en la calle, necesariamente de tierra, lo más natural en los años ’60, alrededor del que se colocaban los participantes, generalmente a unos 5 o 6 metros de distancia.
Cada uno hacía rodar la pelota hacia el hoyo tratando de embocarla. El que lograba el objetivo, tenía el derecho de sacarla mientras el resto corría a ponerse a salvo del “pelotazo” que arrojaba el ganador. Quien recibía “la marca” de la pelota acumulaba una prenda en contra y a la suma de 3, debía resignarse al “paredón” (cualquier tapial del barrio), contra el que era “fusilado” por todos los participantes del juego.
Pero la “víctima” del “fusilamiento” tenía una posibilidad de salvarse, esquivando la mayor cantidad de golpes posibles.
El “Hoyo Pelota” fue uno de los tradicionales juegos de los niños de la década del ’60, que antes del invierno se reunían a jugarlo en las esquinas de cualquier barrio de la ciudad.
“¿Te acordás en esas tardes templadas de abril cuando en las esquinas del barrio nos juntábamos a jugar al “Hoyo-Pelota?”. Como para olvidarlo...
Seguramente los lectores de la generación intermedia recuerdan con nostalgia aquellos momentos en que la destreza, la picardía y la velocidad eran fundamentales para zafar del “paredón” de “fusilamiento” a que era sometido el más remolón.
Cabe aclarar que los mayores de entonces lo definían como un juego violento, pero... esa violencia lejos estaba de las imágenes de muerte que nos transmite a diario la TV basura.
¿En qué consistía el juego?.
Eran necesarios varios participantes y una pelota de trapo. Se hacía un hoyo en la calle, necesariamente de tierra, lo más natural en los años ’60, alrededor del que se colocaban los participantes, generalmente a unos 5 o 6 metros de distancia.
Cada uno hacía rodar la pelota hacia el hoyo tratando de embocarla. El que lograba el objetivo, tenía el derecho de sacarla mientras el resto corría a ponerse a salvo del “pelotazo” que arrojaba el ganador. Quien recibía “la marca” de la pelota acumulaba una prenda en contra y a la suma de 3, debía resignarse al “paredón” (cualquier tapial del barrio), contra el que era “fusilado” por todos los participantes del juego.
Pero la “víctima” del “fusilamiento” tenía una posibilidad de salvarse, esquivando la mayor cantidad de golpes posibles.
El “Hoyo Pelota” fue uno de los tradicionales juegos de los niños de la década del ’60, que antes del invierno se reunían a jugarlo en las esquinas de cualquier barrio de la ciudad.
HISTORIA DE LA SERIE Es muy apasionante conocer a fondo la historia completa de la Serie "El Chavo del Ocho", ya que a pesar de tener más de 30 años de permanencia, aun sigue haciendo historia en millones de hogares latinoamericanos. Pero empezaré contandoles ésta "no como pudo haber sido, sino como fue". HISTORIA DEL CHAVO DEL OCHO "Los Supergenios de la Mesa Cuadrada"Esta increible historia puede decirse que empieza en 1968 cuando a Chespirito se le da la gran oportunidad de tener su propia secuencia en televisión debido a sus grandes éxitos como guionista en años anteriores. Así, TIM (Televisión Independiente de México) le ofrece un segmento de treinta minutos, en los cuales don Roberto Gomez crea dos secuencias memorables: "Los Supergenios de la Mesa Cuadrada" y "el Ciudadano Gómez" al lado de Rubén Aguirre, el reconocido actor Ramón Valdez y una jovencísima María Antonieta de las Nieves, que en esa época se desempeñada como locutora en off del canal. Ese fue el punto de partida pues la secuencia ganó tanto éxito que se le dio por fin un programa propio "Chespirito" en 1970. Es justamente "Chespirito" la cuna televisiva de los dos grandes y más exitosos productos de la empresa que tomó por nombre Televisa, y que tal como sus ejecutivos lo reconocen, "El Chapulín Colorado" (1970) y "El Chavo del Ocho" (1971) fueron los programas que sirvieron de catapulta a todas las producciones mexicanas, ya que las televisoras extranjeras empezaron a interesarse más por los productos hechos en México. Antes de realizar estas producciones, Don Roberto debía contar con un elenco capaz de escenificar impecablemente los magníficos guiones que escribía. Y la selección debía ser muy acertada. Ya contaba con Rubén Aguirre, con quien trabajaba desde sus épocas de guionista en "Cómicos y Canciones" y "El Estudio de Pedro Vargas", con el inolvidable Ramón Valdez y la veinteañera María Antonieta de las Nieves, que jamás imaginó realizar una carrera actoral básicamente entregada a la comedia. A Carlos Villagrán lo conocería por intermedio de Aguirre, cuando lo vio hacer en su casa un sketch de ventrílocuo, donde Villagrán hacía de muñeco. A Bolaños le llamó la atención sus cachetes inflados, que serían el sello personal de "Quico". A Florinda Meza, la conoció viéndola ensayar un monólogo para un programa donde participaba como actriz. Curiosamente éste llevaba el nombre de "La Media naranja", nombre irónico sabiendo que contraerían matrimonio años después. A Edgar Vivar, médico de profesión, pero entregado a una carrera actoral, lo contactó a través de un amigo común de ambos. Don Roberto Gómez, al ver por primera vez a Vivar, lo tomó inmediatamente. La actriz española Angelines Fernández, y gran estrella del cine de oro mexicano, fue una de las últimas en ingresar al elenco. Y a pesar que su personaje fue invitado enlas primeras temporadas, llegó a ser permanente. Llegaría después el hermano de Don Roberto, Horacio Gómez Bolaños, que se dedicaba inicialmente sólo al marketing y venta del programa, sin embargo un personaje le aguardaba y aunque al principio no lo tomó con mucho agrado, finalmente quedó para la posteridad su interpretación del relajado "Godinez". Este elenco fue el fundador de todo el suceso latinoamericano y mundial que significara el Chavo del Ocho años después. 1971 es el año que los televidentes mexicanos ven por primera vez al Chavo, a Don Ramón, a la Chilindrina. Estos personajes de niños interpretados por adultos, calan hondo en el gusto popular y rápidamente se convierten en los preferidos del Canal 8 de México. La prensa mexicana también se empieza a interesar por la insólita sintonía en este canal de antena fría y dedica sus primeros reportajes y críticas a Chespirito y su elenco, que ya empezaba a saborear un poco del éxito que años después se acrecentaría a niveles insospechados. En los primeros años de los setentas, luego del suceso de los personajes de Roberto Gómez Bolaños, se fusionan las dos cadenas mexicanas: TIM que producía las series de Chespirito y el Canal 2, el llamado de las Estrellas y que ya gozaba de un gran prestigio. Asi es como producto de esta fusión nace la mega empresa de telecomunicaciones mexicana, Televisa S.A. La situación para Don Roberto fue incierta por un momento ya que tenía la duda sobre qué iba a pasar con sus series tan exitosas del canal 8. Asi Emilio Azcárraga Milmo, el gerente general de la nueva Televisa le propone no solo continuar con la serie sino que tanto el Chavo como el Chapulín tendrían un espacio propio, es decir un programa independiente cada uno. Pero aún quedaba una duda: el nombre del espacio, ya que "El Chavo del Ocho" se llamaba así porque se emitía por el canal 8. Chespirito cuenta que Azcárraga le sugirió que continúe asi ya que se había identificado con ese nombre. Es asi que en 1973, comienzan las emisiones semanales de "El Chavo del Ocho" y "El Chapulín Colorado", producidas por Televisa. La serie "El Chavo del Ocho" rápidamente empieza a posicionarse en los primeros lugares del ranking de la televisión mexicana. Los actores empiezan asi a disfrutar del éxito. Y aunque a Roberto Gomez Bolaños le hubiese gustado que sea "El Chapulín Colorado" el personaje más exitoso, lo cierto es que fue "El Chavo" el que mantuvo pegado a la teleaudiencia, con impresionantes picos de sintonía de haste 60 puntos de rating televisivo. Los lunes a las 8pm. eran sagrados para la mayoría, y tanto niños y adultos dejaban todo para sentarse en familia y disfrutar juntos las ocurrencias del niño del barril y compañia. Con el transcurso de los años los personajes se fueron acentando en sus características y ahi es donde empiezan a destacar algunos más que otros. No es secreto que el personaje de "Don Ramón y el personaje de "Quico" acaparan la atención de una gran mayoría de seguidores, por sus características particulares y por su gran desenvolvimiento en pantalla. Y la serie, se vuelve objeto de culto ya no solo por el televidente mexicano sino por el latinoamericano, el europeo, y hasta el africano. A mediados de los setentas el Chavo del Ocho escapa de las pantallas para llegar a los hogares a través de diversos Souvenirs de la serie: muñecos, revistas, juguetes, disfraces, y mucho más. También la serie empieza a producir musicales y las canciones empiezan a llamar la atención tanto asi que también se empìezan a producir Material Discográfico con la música del Chavo del Ocho. Y las giras que realizaba la vecindad por diversos países y estados mexicanos constituían llenos totales. Sin embargo todo el éxito que se veía por fuera no nos permitía observar los primeros roces entre Bolaños y Villagrán. Se dijo mucho sobre el distanciamiento entre ambos y se tejieron muchos rumores sobre su rivalidad detrás de cámaras. Los más recordados fueron la disputa por el amor de Florinda Meza y que Quico empezó a tener mayor atención que el mismo Chavo. La versión que se acepta es que Quico empezó a tener muchas propuestas fuera de la vecindad, hasta del mismo Azcárraga, pero que Villagrán rechazó porque no deseaba que sea supervisado por Chespirito, tal como se lo sugirió el "tigre" Azcárraga. Es así que es vetado de Televisa por el dueño y se aleja de la Vecindad. Los problemas con Bolaños se inician cuando Villagrán desea seguir usando el personaje de Quico, y Chespirito le comunica que no lo puede hacer porque los derechos son de él. Ese iba a ser solo el inicio de muchos años de disputas legales entre ambos virtuosos de la comedia. Finalmente en diciembre de 1978, la fogata en las arenas de Acapulco sería la última escena de "Quico" como parte de la vecindad del Chavo. Triste ironía del destino porque precisamente el Chavo canta en aquel ocaso de sol, el tema "Buenas Noches Vecindad" en el que dice "..hasta pronto compañero, otra vez regresarán los momentos placenteros para compartir el pan. Decir adiós sería tonto, un hasta pronto sólo será" 1979 fue un año que la serie tuvo cambios bastante drásticos ante la ausencia de un miembro del elenco clave como lo era "Quico". Bolaños nunca pensó en otro actor para personificar al niño de los cachetes porque sabía que Villagrán con su interpretación sería ireemplazable. Asi los libretos variaron con la entrada de la Popis en un desempeño más estelar y Ñoño, que tuvo mucha más participación en los episodios de la serie. Doña Florinda tuvo durante los primeros capitulos una participación bastante opaca, nunca se supo si fue por cuestiones del libreto, pero si se fijan bien se ve al personaje más apagado, como si viviera un tiempo de depresión producto del alejamiento de su hijo "que fue a vivir a casa de su tía la rica". La serie mantuvo el interés de la audiencia a pesar de todo, pero no pasó mucho tiempo antes que el elenco sufriera otra ausencia importantísima. Ramón Valdez, el recordado "Don Ramón" renunciaba a la serie debido a un jugoso contrato en Venezuela para trabajar en un programa de comedia al lado de Carlos Villagrán. Asi es el memorable capitulo de "Peluchín" el testigo de la despedida de Ramón Valdez de la serie. Fue exactamente un lunes 12 de marzo de 1979. Ante la ausencia de Ramón Valdez y Carlos Villagrán, ingresan por la puerta grande dos nuevos personajes: Doña Nieves, la abuela de Don Ramón -que ya había aparecido anteriormente en el capítulo del album de fotos- y Jaimito el Cartero, que empezó con pequeñas apariciones hasta ser un personaje estable y tener su propio apartamento en la vecindad. Doña Nieves fue interpretada por Maria Antonieta de las Nieves quien se luce con doble papel y Jaimito el Cartero, encarnado por Raul "Chato" Padilla, que también ingresa como parte del elenco oficial de Chespirito a partir de ese año. 1979 sin embargo, sería el ultimo año del Chavo del Ocho como programa independiente, porque a partir de 1980 Televisa establece una nueva politica para su "Canal de las Estrellas" en la que desplaza a toda la programación de comedia dejando todo el espacio para las telenovelas que empezaban a significar ingresos importantes para la empresa. Asi el Chavo culmina su exitosa trayectoria como programa independiente con el episodio de la lavadora de Doña Florinda. "Chespirito", el programa en que don Roberto Gomez Bolaños logra dar rienda suelta a toda su creatividad es el espacio perfecto para que sus personajes "El Chavo del Ocho" y "El Chapulín Colorado" puedan continuar con sus aventuras. En 1980 nuevamente se empiezan a producir gran cantidad de capitulos memorables y sobretodo originales del Chavo -recordemos que años antes se produjeron muchas versiones nuevas de capitulos emitidos anteriormente- entre los cuales destaca aquel en que el Dr. Chapatín acude a la vecindad a ofrecer sus servicios como médico y el Sr. Barriga termina en el hospital. Debido a este programa, el Chavo del Ocho pudo seguir con su éxito de siempre. Y la temporada 1981 no puede tener un inicio más auspicioso, ante el regreso de Ramón Valdez al elenco de Chespirito. Se supo que los resultados en Venezuela en materia de rating no fueron los mejores asi que Valdez decide regresar a México y continuar con su exitosa carrera en la vecindad. Asi tenemos uno de los capitulos más emotivos de toda la serie y es cuando se encuentra nuevamente con su hija Chilindrina, que había quedado todo este tiempo bajo la tutela de su "bizcabuela" Doña Nieves. Sin embargo Don Ramón sólo se quedaría por esa temporada, para renunciar definitivamente a fines de 1981. A partir de 1982 la serie regresa sin Don Ramón y con el regreso de Jaimito el Cartero en la vecindad. Durante las décadas ochentas y noventas el Chavo del Ocho continuó, siendo la mayoría de episodios "remakes" de anteriores emisiones aunque con variantes importantes principalmente a nivel de personajes. Jaimito el Cartero empezó a tomar el papel que dejó Don Ramón y la Popis, el de Quico. En los primeros años de los noventas la escenografía de la vecindad cambió significativamente ya que no era la que anteriormente conocíamos y aunque se intentó reproducirla no se logró. Para don Roberto Gomez el Chavo poco a poco se convirtió en un dolor de cabeza pues ya le resultaba muy complicado crear nuevas situaciones ya que tal como explica él, el estar circunscrito a un mismo escenario y a los mismos personajes le limitaba su capacidad creadora. Asi, da por finalizado más de 25 años de emisión del Chavo del Ocho en 1992 cuando decide no producir más episodios de la vecindad. Yo consideraría cerrar aquí la historia televisiva del Chavo del Ocho. Sin embargo ante las nuevas noticias acerca de la posible venta de los derechos del Chavo del Ocho a la transnacional Walt Disney Ltda. pueda ser que se abran nuevas páginas en la historia de este personaje. Aunque todos ustedes estarán de acuerdo que el Chavo del Ocho con sus personajes de carne y hueso fue la verdadera esencia de una maravilla de la televisión. El Chavo es quizá la serie de comedia más exitosa de todos los tiempos y tiene como virtudes el humor blanco, la capacidad de unir a la familia y la eliminación de la brecha generacional. Todos los que amamos esta serie hemos reido hasta morir, pero también hemos llorado más de una vez; alguna vez la vimos acompañados de un familiar que tal vez ya no esté con nosotros, pero con la seguridad que la veremos con un ser que aun no nace. Eso es lo hermoso del Chavo. Es un amigo que nunca dejará de existir. Te amamos Chavo.
EVOLUCIÓN DE LA SERIE AÑO 1971-72 El Chavo del Ocho en sus inicios. Los personajes no estaban tan estructurados como los conocemos ahora. El comportamiento, las voces e incluso hasta la misma vecindad era diferente. Incluso en los primeros capítulos no existió el concepto de vecindad como tal. Con el transcurrir de los episodios nacería finalmente este complejo de viviendas estándar en todas las temporadas. En 1972 empezaron ya los personajes a acercarse al estereotipo que conocemos. Los vestuarios cambiaron y la vecindad también, aunque todavía los personajes no vivían en los dptos. con los que se hicieron famosos (como Don Ramón que tenía su casa en el lugar que conocemos hoy como la casa de Doña Florinda). Personajes que hacían sus primeras apariciones como el Señor Barriga fueron haciéndose un lugar importante aunque con perfiles diferentes. Por ejemplo éste último aún no era el dueño, sino un empleado que iba a cobrar la renta. AÑO 1973 El Chavo del Ocho ya era un programa exitoso cuando llegó 1973. Cada personaje evolucionó bastante aunque aún eran diferentes. Quico tenía un gorro de colores blanco, azul y rojo y tenía una voz mucho más gangosa. La Chilindrina continuaba con su cabello largo y el Chavo hablaba un poco más grave, no tanto como niño. Doña Florinda aún no utilizaba los clásicos ruleros y el Señor Barriga que ya era el dueño de la vecindad se vestía con casaca de cuero. Las apariciones de Doña Cleotilde aún eran muy esporádicas asi como las del profesor Jirafales. AÑO 1974 Este año marcó el alejamiento de María Antonieta de las Nieves de la serie por una oferta en el extranjero. Don Ramón se quedó sin su hija, llegando a su rescate su ahijada, Malicha (interpretado por Maria Luisa Alcalá) pero que no tuvo mayor trascendencia en la historia. Empezó a aparecer la Popis (con unz voz muy gangosa) y Ñoño para subsanar el hecho. También los niños empezaron a ir a la escuela con el Profesor Jirafales y Doña Florinda por fin instauró sus ruleros que serían inseparables. AÑO 1975 Esta temporada significó el primer hito en la serie pues en toda la serie se hicieron cambios significativos. Las vestimentas de los personajes se establecieron para siempre (ya no veríamos jamás a Don Ramón alternar sus polos de colores) así como ciertos rasgos típicos de la historia (el recibir al Señor Barriga con golpes, los 14 meses de deuda, las frases repetitivas del Profesor Jirafales con Doña Florinda, etc.) Asimismo la calidad de la producción mejoró notablemente pues se veía un mejor trabajo en la escenografía y en la imagen. Se dio además el regreso de Maria Antonieta de las Nieves en su rol de "La Chilindrina". AÑO 1976 La serie era ya todo un suceso en México y en los países donde se empezó a emitir como el caso de nuestro país. En esta temporada al parecer se quiso mantener la línea que había resultado muy exitosa en los años anteriores. No hubieron mayores cambios al contrario, se realizaron las segundas versiones de las temporadas anteriores, obviamente con cambios mínimos principalmente por el lado actoral, no del libreto. La escuela del profesor Jirafales adquirió mayor presencia y se empezaron a utilizar temas musicales en los capítulos. AÑO 1977 El único personaje que sufrió varios cambios principalmente en el vestuario, fue la Chilindrina. En esta temporada ya utilizaba su chompa roja atada en la espalda y se le notaba su calzón larguísimo. La relación entre el profesor Jirafales y Doña Florinda parecía hacerse más fuerte en la mente de Quico y el Chavo finalmente hizo de Ñoño su mejor amigo. La vecindad lucía un poco diferente al ser el piso muy llamativo a comparación de los anteriores asi como los colores de las viviendas que eran mucho más definidos. AÑO 1978 Quizá la mejor temporada a mi parecer pues tuvo los capítulos más entrañables de todos. Cuando llegó a 1978 el Chavo del Ocho ya era toda una institución el la televisión mundial. Las giras internacionales eran éxitos irrefutables y aquí en Perú la serie empezó ya a trasnmitirse en colores. Lo más resaltable en esta penúltima temporada fue que Chespirito incluyó muchos más de sus temas musicales aquí y se emitieron los famosísimos episodios del Chavo en Acapulco. Esta temporada fue la última de Quico. AÑO 1979 Significó el alejamiento de otro de los personajes fundadores de la vecindad: Don Ramón (aunque regresaría en 1981). Este año surgieron personajes nuevos como Jaimito el Cartero y Doña Nieves quienes nacieron para completar la vecindad ya que la Chilindrina no podía quedarse sola y la Bruja no podía quedarse sin "un hombre". Doña Florinda adquirió un rol de mujer más activo al quedar al frente de su propio restaurante y el Chavo conoció lo que fue su primer trabajo como empleado. Esta temporada fue la última del Chavo del Ocho como programa de televisión ya que Televisa ordenaría su cancelación aún cuando el rating del programa estaba en sus picos más elevados. Grave error. Una pésima decisión de la que se arrepentirían años después. AÑOS OCHENTAS Sin embargo el Chavo no murió como personaje, pues las aventuras de la vecindad continuaron formando parte nuevamente del programa "Chespirito". Todos los personajes continuaron con sus enredos aunque en un periodo de 10 a 15 minutos en promedio. Don Ramón regresó en 1981 a grabar algunos capítulos. Su capacidad histriónica siguió siendo la misma, y la fórmula continuó gustando a pesar que la gran mayoría de mini-episodios fueron "remakes" de los que se grabaron años atrás. Los personajes sufrieron todos cambios significativos en sus personajes en lo que respecta a sus vestuarios. La Chilis con su cuello y bolsillo amarillo, Doña Cleotilde con sombrero rosa, el Chavo con colores más fuertes en sus suspensores y Ñoño con enterizo diferente. AÑOS NOVENTAS El Chavo del Ocho continuó como secuencia del exitoso programa "Chespirito". Estos años fueron quizás los más difíciles pues se tuvo que afrontar pérdidas irreparables que contribuyeron al ocaso de la serie. Los lamentables fallecimientos de Angelines Fernández y Raúl Padilla, asi como la estética del personaje del Chavo (Don Roberto manifestó que ya no era ético continuar asumiendo un rol de un niño de ocho años) dieron por concluido más de 20 años de "bonita vecindad". Don Roberto Gómez por decisión propia decidió poner punto final al Chavito en 1995. Continuó el programa "Chespirito" pero ya sin el alegre niño del barril.
BIOGRAFIA DE A-HA Trío noruego formado a comienzos de los años 80 por Pal Waaktaar (guitarra y coros), Magne Furuholmen (teclados y coros) y Morten Harket (voz principal). En 1985, su primer single, "Take On Me" encabezó las listas de todo el mundo, apoyado por un original vídeo que todavía hoy se sigue recordando. En los siguientes años, A-ha se llevó a casa ocho premios MTV, consiguió otros 10 singles en el Top Ten de USA y el Reino Unido, aportó el tema central de la película de James Bond, "The Living Daylights" y actuó ante cifras de público que constituyen todo un récord como las 200.000 personas les vieron en Brasil, en el "Rock In Rio II". Tras un paréntesis de seis años, en el cada uno de los componentes del trío tomó caminos diferentes, se volvieron a reunir y regresaron en 2000 con el álbum "Minor Earth, Major Sky" (25/06/2002)
Magne y Pal había tocado juntos desde pequeños y formaban parte de Spider Empire en 1977, banda influenciada por The Doors y Jimi Hendrix. En 1979 el grupo se convirtió en un cuarteto llamado Bridges y publicaron Fakkeltog (Torchlight Procession) un disco del que tan sólo se editaron 1.000 copias. Mientras trabajaban en un segundo disco conocieron a Morten Harket (14/9/1959), que había cantado con grupos como Souldier Blue. El trío decidió pasarse a una música más comercial y Bridges se disolvió.
El mercado noruego les pareció insuficiente y en 1982 decidieron marcharse a Gran Bretaña. Furuholmen acuñó el término de A-ha, ya que era una exclamación familiar en muchas lenguas y fácilmente memorizable. Una vez en Londres, alquilaron un apartamento en el que componían sus canciones. Una de ellas, "Lesson One", le gustó a John Ratcliff, mánager de los estudios Rendezvous en los que grababan sus demos. Ratcliff mostró el tema a Terry Slater, ejecutivo de una compañía discográfica y colaborador de los Everly Brothers, y se convirtió en su mánager. En diciembre de 1983 regresaron a Noruega con un contrato con Warner Bros Records bajo el brazo. En enero de 1984, el tema "Lesson One" re-escrito por los tres componentes del grupo como "Take On Me", se grabó en Londres con la producción de Tony Mansfield. Fue un éxito rotundo y encabezó las listas de todo el mundo. Pero eso sería tiempo después, ya que cuando se lanzó en el Reino Unido, solo vendió 300 copias.
En 1985, por iniciativa de Slater (su mánager), se incluyeron sintetizadores y Alan Tarney se encargó de la producción, pero el tema volvió a fracasar. Desilusionado, el trío regresó ese verano a Oslo. En Julio, US Warner apostó por "Take On Me" y decidió gastar cien mil dólares en grabar un vídeo semi-animado, que dirigió Steve Barron para apoyar su promoción. A-ha viajó a Los Angeles en una visita promocional y "Take on me" se lanzó por tercera vez en Gran Bretaña. En octubre de 1985, "Take On Me" llegó a la cima de las listas en Estados Unidos y por fin, en el mercado británico (a la tercera iba la vencida) el tema se situó en el nº 2, justo detrás de "The Power Of Love" de Jennifer Rush. En noviembre de ese mismo año el álbum Hunting High And Low llegó al nº 2 en el Reino Unido y al nº 15 en Estados Unidos. Siete de los diez temas del álbum estuvieron producidos por Mansfield. "The Sun Always Shines on TV" fue otro de los grandes éxitos de ese disco debú.
Al año siguiente, el trío se embarcó en una gira mundial de 120 conciertos y en la tercera edición de los Premios de Vídeos Musicales de la MTV "Take On Me" triunfó en las categorías de: Mejor Vídeo Conceptual, Mejor Vídeo de Artista Novel, Mejores Efectos Especiales, Mejor Dirección. Por otra parte, "The Sun Always Shines On TV" se llevó el premio como Mejor Edición y Mejor Vídeo Cinematográfico". En octubre de 1986 publicaron Scoundrel Days, un segundo álbum producido por ellos mismos y que incluía diez canciones, entre ellas "Cry Wolf" y "I've Been Losing You". Tras una gira mundial, A-ha participaron en la banda sonora de la película de James Bond The Living Daylights, grabando su tema central. La música era de John Barry la letra de Waaktaar.
En 1988 llegó su tercer disco, Stay On These Roads. Los diez temas que lo componían fueron escritos o co-escritos por Waaktaar. Los sencillos más destacados de dicho elepé fueron "Touchy!" y "Stay On These Roads", aunque también apareció una versión distinta de "The Living Daylights", diferente a la que estaba en la banda sonora de la película del mismo nombre. A finales de 1989 Harket protagonizó la película Kamilia And The Thief y en 1990 publicaron su cuarto álbum East Of The Sun, West Of The Moon, en el que se incluía una versión del clásico de 1962 de los Everly Brothers, "Crying In The Rain". En su mayor parte, las canciones estaban compuestas por Furuholmen y Waaktaar y Chris Neil junto a Ian Stanley se encargaron de la producción.
En 1991 se editó Headlines & Deadlines, The Hits Of A-ha, un álbum retrospectivo que recopilaba los éxitos conseguidos en sus seis años de carrera. En total fueron 16 grandes éxitos más un tema inédito: "Move To Memphis", que fue el single promocional de la antología.
En 1993, tras más de dos años sin grabar nada nuevo, el trío retornó con Memorial Beach. Sólo hubo un single de este álbum, "Dark is the Night".
Un año después, ya en 1994, Shapes That Go Together se convirtió en su último esfuerzo hasta el 2000.
En los años siguientes, el grupo tomó caminos diferentes: "Todos necesitábamos abrirnos nuestro propio camino en la vida. Sencillamente, nos saltamos los 90". Magne se dedicó enteramente a la pintura, exponiendo en todo el mundo. Pal creó un grupo, Savoy, junto a su mujer, y publicó Mary Is Coming. Morten Harket publicó un disco en solitario, Wild Seed, descubriendo y explorando áreas que antes había dejado para Magne y Pal.
En 1998 les llamaron para tocar en la ceremonia del Nobel de la Paz, y según recuerda Pal: "A todos nos sorprendió lo fácil que era volver a hacer música juntos". A principios de 1999, los tres se juntaron en Nueva York para explorar las posibilidades de colaborar juntos de nuevo. Un año después, ya en 2000, Minor Earth, Major Sky, estaba terminado. Algunas de sus canciones "las habíamos empezado justo después de nuestro disco del 93, sin embargo, al mismo tiempo, es un disco que tiene mucho que ver con lo que está ocurriendo ahora". Según Furuholmen, el cambio más drástico en la dinámica del grupo ha sido la transformación de Morten Harket en compositor, papel que antes estaba reservado para Pal y para Magne. A-ha se ha vuelto a unir ya que, según Magne: "Había asuntos sin concluir, todos sentíamos que había un enorme potencial en la interacción de nuestras personalidades. Algo que merecía ser investigado en profundidad".
En Abril de 2002 A-ha publicó el séptimo álbum de su carrera, Lifelines, y se embarcaron una gira mundial, que en su tramo europeo ha incluido lugares como Helsinki, Estocolmo, Copenhage, Utrecht, Bruselas, Paris y Londres. El dúo tiene previstas presentaciones en Barcelona (4 de octubre, Razzmataz) y en Madrid (5 de octubre, La Riviera), como también en Moscú y Minsk. Trío noruego formado a comienzos de los años 80 por Pal Waaktaar (guitarra y coros), Magne Furuholmen (teclados y coros) y Morten Harket (voz principal). En 1985, su primer single, "Take On Me" encabezó las listas de todo el mundo, apoyado por un original vídeo que todavía hoy se sigue recordando. En los siguientes años, A-ha se llevó a casa ocho premios MTV, consiguió otros 10 singles en el Top Ten de USA y el Reino Unido, aportó el tema central de la película de James Bond, "The Living Daylights" y actuó ante cifras de público que constituyen todo un récord como las 200.000 personas les vieron en Brasil, en el "Rock In Rio II". Tras un paréntesis de seis años, en el cada uno de los componentes del trío tomó caminos diferentes, se volvieron a reunir y regresaron en 2000 con el álbum "Minor Earth, Major Sky" (25/06/2002)
Magne y Pal había tocado juntos desde pequeños y formaban parte de Spider Empire en 1977, banda influenciada por The Doors y Jimi Hendrix. En 1979 el grupo se convirtió en un cuarteto llamado Bridges y publicaron Fakkeltog (Torchlight Procession) un disco del que tan sólo se editaron 1.000 copias. Mientras trabajaban en un segundo disco conocieron a Morten Harket (14/9/1959), que había cantado con grupos como Souldier Blue. El trío decidió pasarse a una música más comercial y Bridges se disolvió.
El mercado noruego les pareció insuficiente y en 1982 decidieron marcharse a Gran Bretaña. Furuholmen acuñó el término de A-ha, ya que era una exclamación familiar en muchas lenguas y fácilmente memorizable. Una vez en Londres, alquilaron un apartamento en el que componían sus canciones. Una de ellas, "Lesson One", le gustó a John Ratcliff, mánager de los estudios Rendezvous en los que grababan sus demos. Ratcliff mostró el tema a Terry Slater, ejecutivo de una compañía discográfica y colaborador de los Everly Brothers, y se convirtió en su mánager. En diciembre de 1983 regresaron a Noruega con un contrato con Warner Bros Records bajo el brazo. En enero de 1984, el tema "Lesson One" re-escrito por los tres componentes del grupo como "Take On Me", se grabó en Londres con la producción de Tony Mansfield. Fue un éxito rotundo y encabezó las listas de todo el mundo. Pero eso sería tiempo después, ya que cuando se lanzó en el Reino Unido, solo vendió 300 copias.
En 1985, por iniciativa de Slater (su mánager), se incluyeron sintetizadores y Alan Tarney se encargó de la producción, pero el tema volvió a fracasar. Desilusionado, el trío regresó ese verano a Oslo. En Julio, US Warner apostó por "Take On Me" y decidió gastar cien mil dólares en grabar un vídeo semi-animado, que dirigió Steve Barron para apoyar su promoción. A-ha viajó a Los Angeles en una visita promocional y "Take on me" se lanzó por tercera vez en Gran Bretaña. En octubre de 1985, "Take On Me" llegó a la cima de las listas en Estados Unidos y por fin, en el mercado británico (a la tercera iba la vencida) el tema se situó en el nº 2, justo detrás de "The Power Of Love" de Jennifer Rush. En noviembre de ese mismo año el álbum Hunting High And Low llegó al nº 2 en el Reino Unido y al nº 15 en Estados Unidos. Siete de los diez temas del álbum estuvieron producidos por Mansfield. "The Sun Always Shines on TV" fue otro de los grandes éxitos de ese disco debú.
Al año siguiente, el trío se embarcó en una gira mundial de 120 conciertos y en la tercera edición de los Premios de Vídeos Musicales de la MTV "Take On Me" triunfó en las categorías de: Mejor Vídeo Conceptual, Mejor Vídeo de Artista Novel, Mejores Efectos Especiales, Mejor Dirección. Por otra parte, "The Sun Always Shines On TV" se llevó el premio como Mejor Edición y Mejor Vídeo Cinematográfico". En octubre de 1986 publicaron Scoundrel Days, un segundo álbum producido por ellos mismos y que incluía diez canciones, entre ellas "Cry Wolf" y "I've Been Losing You". Tras una gira mundial, A-ha participaron en la banda sonora de la película de James Bond The Living Daylights, grabando su tema central. La música era de John Barry la letra de Waaktaar.
En 1988 llegó su tercer disco, Stay On These Roads. Los diez temas que lo componían fueron escritos o co-escritos por Waaktaar. Los sencillos más destacados de dicho elepé fueron "Touchy!" y "Stay On These Roads", aunque también apareció una versión distinta de "The Living Daylights", diferente a la que estaba en la banda sonora de la película del mismo nombre. A finales de 1989 Harket protagonizó la película Kamilia And The Thief y en 1990 publicaron su cuarto álbum East Of The Sun, West Of The Moon, en el que se incluía una versión del clásico de 1962 de los Everly Brothers, "Crying In The Rain". En su mayor parte, las canciones estaban compuestas por Furuholmen y Waaktaar y Chris Neil junto a Ian Stanley se encargaron de la producción.
En 1991 se editó Headlines & Deadlines, The Hits Of A-ha, un álbum retrospectivo que recopilaba los éxitos conseguidos en sus seis años de carrera. En total fueron 16 grandes éxitos más un tema inédito: "Move To Memphis", que fue el single promocional de la antología.
En 1993, tras más de dos años sin grabar nada nuevo, el trío retornó con Memorial Beach. Sólo hubo un single de este álbum, "Dark is the Night".
Un año después, ya en 1994, Shapes That Go Together se convirtió en su último esfuerzo hasta el 2000.
En los años siguientes, el grupo tomó caminos diferentes: "Todos necesitábamos abrirnos nuestro propio camino en la vida. Sencillamente, nos saltamos los 90". Magne se dedicó enteramente a la pintura, exponiendo en todo el mundo. Pal creó un grupo, Savoy, junto a su mujer, y publicó Mary Is Coming. Morten Harket publicó un disco en solitario, Wild Seed, descubriendo y explorando áreas que antes había dejado para Magne y Pal.
En 1998 les llamaron para tocar en la ceremonia del Nobel de la Paz, y según recuerda Pal: "A todos nos sorprendió lo fácil que era volver a hacer música juntos". A principios de 1999, los tres se juntaron en Nueva York para explorar las posibilidades de colaborar juntos de nuevo. Un año después, ya en 2000, Minor Earth, Major Sky, estaba terminado. Algunas de sus canciones "las habíamos empezado justo después de nuestro disco del 93, sin embargo, al mismo tiempo, es un disco que tiene mucho que ver con lo que está ocurriendo ahora". Según Furuholmen, el cambio más drástico en la dinámica del grupo ha sido la transformación de Morten Harket en compositor, papel que antes estaba reservado para Pal y para Magne. A-ha se ha vuelto a unir ya que, según Magne: "Había asuntos sin concluir, todos sentíamos que había un enorme potencial en la interacción de nuestras personalidades. Algo que merecía ser investigado en profundidad".
En Abril de 2002 A-ha publicó el séptimo álbum de su carrera, Lifelines, y se embarcaron una gira mundial, que en su tramo europeo ha incluido lugares como Helsinki, Estocolmo, Copenhage, Utrecht, Bruselas, Paris y Londres. El dúo tiene previstas presentaciones en Barcelona (4 de octubre, Razzmataz) y en Madrid (5 de octubre, La Riviera), como también en Moscú y Minsk.
El trío GIT, bautizado a partir de las iniciales de los apellidos de sus integrantes, fue la consecuencia de varios años de trabajo juntos, pero tocando para otros compositores. Pablo Guyot y Willy Iturri, por ejemplo, habían acompañado durante varios años al baladista César Banana Pueyrredón, y se unieron a Alfredo Toth cuando los convocó Raúl Porchetto en 1980. Hacia 1982, ya estaban en contacto con Charly García, que había grabado su primer disco solista con Iturri en la batería, y que luego los invitó a integrar su banda del año siguiente. En el medio, Guyot grabó con Miguel Mateos, y Toth estuvo en el grupo Prema, de Piero.
A esta altura, el trío ya tenía temas propios y había grabado un demo con un par de canciones, pero la oferta de Charly era demasiado tentadora, e incluía la posibilidad de mostrar sus temas durante el intervalo de algunos recitales. En 1984, finalmente les llega la oportunidad de hacer su álbum propio, y cuentan con el mismísimo García como productor artístico. El resultado arroja hits como “Viento loco” y “La calle es su lugar (Ana)”. Actúan en vivo mientras siguen con Charly García en la etapa de su disco Piano bar.
GIT se independizó del todo con la edición de su segundo trabajo, comunmente llamado “el disco negro”, realizado con producción de Gustavo Santaolalla y con un original sonido de batería. Los simples de éxito son “Siempre fuiste mi amor” y “Aire de todos”, que los llevaron a ser populares a nivel masivo en Argentina, Chile y Perú. Esta etapa se cerró con el álbum Primera sangre, ya cuando el desgaste interno es grande, y al poco tiempo se separan.
En 1992, GIT sorprendió al panorama local con un importante contrato discográfico, un disco nuevo con muchos músicos invitados y una gira que hasta incluye shows en Japón.
Volvieron a separarse y nunca más han llegado a tocar juntos, aunque actualmente el nombre lo utiliza Willy Iturri con bastante repercusión en Chile, donde incluso grabó un nuevo trabajo con músicos chilenos en el 2004, combinando viejo y nuevo repertorio.
Formación inicial Enrique Mugetti: bajo Federico Moura: voz Julio Moura: guitarra Marcelo Moura: teclados Mario Serra: batería Ricardo Serra: guitarra Roberto Jacoby: letrista
Virus es la máxima expresión de la modernidad en el rock nacional. Esta banda platense, que en muchos aspectos lideró el panorama local de la década, despuntó en 1981 con una actitud muy frontal en un momento de acartonamiento generalizado. Sobre el escenario se ponía en funcionamiento un juego de seducción que atraía o alejaba, sin término medio. Desde el comienzo, Virus resultó tan emblemático como Luca Prodan, de Sumo, o Soda Stereo. «Quizás nada retrate mejor a los Moura que su destiempo. Fueron irónicos cuando reinaba la solemnidad en el rock argentino. Fueron románticos cuando reinaba el desencato dark. Grabaron su primer disco cuando su líder tenía 30 años, la misma edad en la que Charly disolvía Serú Girán» (Eduardo Berti en Riera / Sánchez, pág 11/12).
Virus nació de la fusión de Marabunta con Los Violetas, dos bandas de City Bell en las cuales tocaban los hermanos Moura. En un primer momento se llamaban "Duro" y la cantante era Laura Gallegos, que terminó siendo invitada a participar de los coros del primer álbum. Cuando Federico ocupa el lugar de la vocalista (11 de enero de 1981) ya se rebautizan Virus.
Ya en la primera presentación masiva (Ezeiza, 21/09/81), Federico Moura desplegó su habitual provocación y, mientras jugueteaba con las naranjas que el público le arrojaba, les arengó: "a ver si levantan esos culos y bailan un poquito". Hacía dos años que ensayaban todos los días y tocaban en pequeños pubs. Una semana después de Ezeiza, entraban a grabar en la CBS.
"Wadu-Wadu" (1981), el primer LP, contiene 15 temas, con una duración promedio de 2'30 cada uno. En una época en la cual el Rock se ocupaba de temas sociales y "serios", fueron acusados de frívolos, por la música bailable con letras irónicas. «Hay quienes piensan que las letras de ustedes no están hechas para pensar...», sugiere el periodista. «Pero no es tan complicado, nuestras letars son simples. El que no las pesca es porque no piensa», responde Federico (Revista Twist y Gritos, 1982).
"Soy moderno, no fumo" y "Wadu wadu" fueron elegidos como cortes de difusión, que lograron tal propósito gracias a Lalo Mir, que conducía "9PM" por Radio del Plata y Alejandro Pont Lezica, de Rividavia.
En la presentación del disco (18/12/81 en el teatro Astral) debutó como músico el periodista Roberto Pettinato, que por entonces dirigía la revista El Expreso Imaginario y que también apoyaba bastante a Virus.
La imagen ambigua del grupo motivaba reacciones adversas de parte del público y comentarios prejuiciosos de la prensa. Al respecto, Marcelo Moura explica: «Federico era homosexual, entonces naturalmente su estética era así. No es que quisiese promover o valorizar eso, simplemente actuaba como era. Y como Federico era el cantante, el que hacía las notas y el que más aparecía en televisión, era la imagen que representaba al grupo» (D.Riera / F.Sánchez, pág 70).
Federico y Jacoby se ocuparon del vestuario y de la puesta en escena de los shows que realizaron durante la Guerra de Malvinas. Al comenzar, un ciego sintonizaba una radio a galena que colgaba de su cuello y de fondo se escuchaba "Entra en movimiento". Luego el grupo entero subía al escenario disfrazado de anciano, mientras en una pantalla se proyectaban imágenes de una manifestación en la Plaza de Mayo, con el tema "Todo este tiempo perdido".
Para ese entonces, el Poder Ejecutivo convocó a los productores más importantes para que organizaran el Festival de la Solidaridad Latinoamericana. La fecha elegida fue el 16 de mayo de 1982 y se hicieron presentes todos los músicos importantes: Charly, Spinetta, Gieco, Porchetto, Litto Nebbia... A Virus también les llegó la invitación, pero fue inmediatamente rechazada. Para la ocasión, compusieron el tema "El banquete", que incluyeron en "Recrudece" (1982), el segundo disco.
"Agujero Interior" fue el primer disco masivo de Virus. Con la producción artística de Danny y Michel Peyronel, salió a la venta en diciembre de 1983, juntamente con la asunción de Raúl Alfonsín y el final de la dictadura militar. Ese año Los Twist lograron editar su primer trabajo, "La dicha en movimiento" que, en parte, compartía la ironía de los Virus, aunque en un estilo pop-rock más "divertido". Este trabajo sería editado en CD recién en 1995.
Por entonces, varios sectores de la sociedad declararon estar "avergonzados y escandalizados" por estos músicos. «La situación me parece muy buena - comenta Federico - Creo que alguien cuestiona un hecho cuando realmente le molesta. (...) Y me parece muy bien, porque estás golpeando puertas. No estás planeando golpearlas, las estás golpeando y le estás creando preguntas a alguien. Estamos movilizando, estamos tocando estímulos más fuertes, y por eso la gente se adhiere o te rechaza, pero siempre con fuerza» (G.Guerrero, pág 57).
A mediados de 1984 se separa de la banda Ricardo Serra, por diferencias internas: «Jacoby escribía letras y cobraba una fortuna de guita cada seis meses, mientras que nosotros no cobrábamos un mango. Un grupo no puede funcionar jamás así. (...) Lo que hizo Roberto yo no lo haría ni mamado: cobrar, por ejemplo, 25.000 dólares y no tener un gesto, son cosas medio bravas... Nosotros cobrábamos por los shows y por el Sindicato de Músicos, pero yo de Sadaic nunca cobré nada.» (D.Riera / F.Sanchez, pág 108). Su reemplazante fue Daniel Sbarra.
En un estilo pop más tecno, grabaron el siguiente trabajo, "Relax" (1984), con muchos más teclados y sintetizadores, en parte para suplir el espacio del guirtarrista alejado. Se utilizó una tecnología novedosa para la época, como las baterías electrónicas y los Midis para utilizar bases secuenciadas. "Desesperado secuencia uno", "Me puedo programar" y "Amor descartable" son los ejemplos más salientes.
"Locura" (1985) se grabó en Nueva York y vendió más de 200.000 copias (hasta ese momento, el disco más exitoso había sido "Relax", con 40.000). Es el disco preferido de Federico y el más sexual de todos. "Una luna de miel en la mano" es un homenaje a la masturbación; "Sin disfraz" trata sobre un taxi-boy; "Pronta entrega" es una valorización de las relaciones sexuales...
Como consagración de una extensa y exitosa gira por todo el interior, Virus graba "En Vivo" en el Estadio Obras, los días 15, 16 y 17 de mayo de 1986. Para la ocasión prepararon versiones nuevas de todos los temas, ya que la crítica coincidía en calificarlos de "muy profesionales, pero un poco fríos". Si a esto se le sumaba el hecho de ser una recopilación, el disco redundaría en una repetición de los éxitos anteriores. Continuaron luego con una gira por latinoamérica, que los llevó a Perú (70.000 personas en 3 shows) y a Chile (20.000 espectadores en 3 presentaciones).
"Superficies de placer" fue grabado en Río de Janeiro, entre abril y mayo del '87. Este es un álbum más individualista: los temas eran compuestos sin la intervención del resto del grupo, como ocurría antes. La grabación se dificultó por una intensa neumonía de Federico, que lo tuvo 15 días en cama, casi sin poder comer. El tercer médico que lo atendió le recomendó realizarse el test del HIV, una enfermedad de la cual todavía se desconocía casi todo. Dio positivo.
«Nos shockeó, fue como una patada al hígado. - recuerda Marcelo - Se armó como una onda de desazón general. Lo que había sido un plan antiestrés (grabar en Brasil), terminó siendo lo más estresante del mundo. Terminamos el disco a las patadas; todos los valores se cambiaron de un día para el otro» (D.Riera / F.Sánchez, pág 163).
A casi 9 meses del último show en Buenos Aires, Virus presentó el nuevo material en dos recitales en el Teatro Opera. Era un período en el cual nadie tenía ánimos para seguir, con excepción del propio Federico: cuando ninguno sabía si podría aguantar el trajín de los ensayos y los shows, Federico insistió para que se realizara.
"Tierra del fuego" (1989) es el primer LP sin su participación. Federico concurrió al estudio los dos primeros días, pero no pudo continuar. Había participado en únicamente dos temas: "Un amor inhabitado" y "Lanzo y escucho". La banda quiso abandonar la grabación. Federico ordenó que continuaran y le pidió a Marcelo que ocupara su lugar.
Federico Moura murió de Sida el 21 de diciembre de 1988. A un año de la muerte de Luca Prodan y a nueve meses de la de Miguel Abuelo, se cerraba así la década de los '80, musicalmente hablando.
«En honor a la estética personal que siempre caracterizó a Federico, algunos periodistas que sabíamos hace tres o cuatro meses que estaba condenado a muerte, nos organizamos en una conspiración de silencio, y quizás también de esperanza en un milagro de esos que rara vez se producen. No fue casual que la mayoría de los integrantes de esa conspiración perteneciéramos a la misma generación de Jorge y Federico. Nos unió la solidaridad hacia alguien que respetamos profundamente y la conciencia de que, según parece, serán muy pocos los de nuestra generación que logren morirse de viejo» (Gabriela Borgna en Página/12, 22/12/88).
La presentación oficial de "Tierra del Fuego" fue, en realidad, un homenaje a Federico. Luis Alberto Spinetta, Charly García, Andrés Calamaro, Gustavo Cerati, Patricia Sosa y Fito Páez son algunos de los músicos que, espontáneamente, concurrieron al show y cantaron como invitados.
Luego de mucho ensayar con la nueva formación, Virus salió de gira por todo el país (en la campaña presidencial del candidato radical Eduardo Angeloz) y luego por el exterior. Sin embargo, ya no existía la disciplina interna y no había forma de restablecer las rutinas de ensayos y composición. Daniel Sbarra y Enrique Mugetti ya habían tomado la decisión de alejarse de la banda, aunque ofrecieron seguir tocando hasta que les enconrtraran reemplazantes. Disolvieron el contrato con la discográfica y realizaron algunos shows en forma independiente, pero sin éxito. El recital despedida fue el 29 de septiembre en el estadio de River, como teloneros de David Bowie y Bryan Adams.
En marzo de 1994 se juntaron para la nostalgia, en un pub de Lanús. Volvieron a los escenarios para el 112º aniversario de la ciudad que los vio nacer: La Plata. Alrededor de 120.000 personas los aclamaron como en sus mejores épocas. «No nos gusta de hablar de regreso -comentó Marcelo- porque de hecho siempre seguimos en actividad, aunque sea en proyectos paralelos, y nunca estuvimos alejados definitivamente». En diciembre del año siguiente se presentaron en la discoteca The Roxy, «sin intenciones de editar un nuevo disco, sin giras que promocionar ni nada, solamente por el gusto de tocar» (Télam, 09/10/95). Por "cuestiones internas", Mario Serra no participó del reencuentro y fue reemplazado por Aitor Graña, el baterista de Juana La Loca.
Marcelo Moura encabezó un nuevo renacimiento de esta banda, acompañado en esta oportunidad por Julio Moura y Daniel Sbarra en guitarras, Enrique Muguetti en bajo, Aitor Graña en batería y Patricio Fontana en teclados. El disco se llamó "Nueve" y tuvo un anticipo con el tema "América fatal" y una versión dance de "Amor descartable".
Como festejo de su 25º aniversario, Virus realizó en el 2004 una serie de recitales en el Teatro ND Ateneo. Cada noche, la banda presentó un repertorio distinto: "Virus es canción" (con clásicos unplugged y adelantos de su próximo CD); "Virus es pop" y "Virus es rock". "Es un delirio, porque tocamos setenta temas en tres días. Pero ese tipo de desafíos siempre nos moviliza. No nos gusta mirar atrás, queremos estar siempre en movimiento", comentó Julio Moura. La formación de la banda para la ocasión era los hermanos Moura, Enrique Muggeti (bajo, guitarra y coros); Daniel Sbarra (guitarra y coros); Aitor Graña (batería y programación) y Patricio Fontana (teclados).
El 1º de junio de 2006 la banda volvió a presentarse en vivo en el Teatro Coliseo, donde registraron "Caja negra", editado en CD y en DVD. El show tuvo como invitados a Ale Sergi (de Miranda!), Adrián Dárgelos (de Babasónicos, Pity Alvarez (de Intoxicados) y Ciro Pertusi (de Attaque 77). El primer corte difusión fue la nueva versión de "Luna de miel en la mano".
Discografía Wadu Wadu, 1981 Recrudece, 1982 Agujero interior, 1983 Relax, 1984 Locura, 1985 Vivo volumen 2, 1986 Virus vivo, 1986 Grandes éxitos, 1987 Superficies de placer, 1987 Tierra del fuego, 1989 Nueve, 1998 Obras cumbres, 2000 Caja negra, 2006
Notas relacionadas Virus presentó su "Caja Negra" “Exploramos siempre en la música porque en esto nunca hay un final” Como Abuelo y Luca Prodan, Federico Moura tendrá su nombre en una calle de La Falda La luna de miel de Moura y Ale Sergi Virus grabará su primer DVD en vivo "Nuestro motor fue siempre el desafío" Se destapó el Quilmes Rock Virus: regreso al pop
Robotech es una serie animada de ciencia ficción de 85 episodios basada a su vez en tres series de animación japonesa sin ninguna relación entre ellas. Lanzada por la corporación estadounidense Harmony Gold en 1985, Robotech fue quizás la primera serie de anime en despertar el interés por este estilo de animación en Occidente, además de ser una de las primeras en difundirse masivamente a nivel mundial. Se reconoce como creador de Robotech a Carl Macek.
Robotech fusionó el trabajo de animación original de tres series distintas: Super Dimensional Fortress Macross, Super Dimensional Cavalry Southern Cross y Genesis Climber Mospeada. Reeditó las líneas arguméntales, reeditó los capítulos, rehizo las bandas sonoras originales, y reescribió buena parte de los diálogos para darle algo de coherencia a la nueva historia. La razón de esta fusión se debe a que las emisoras de televisión en los Estados Unidos exigían un mínimo de 65 episodios para poder transmitir programas de animación cinco días a la semana, y ninguna de estas tres series llegaba a ese número individualmente (Macross tenía 36, Southern Cross 23 y Mospeada 25). Para llegar a un número de episodios divisible por cinco, Harmony Gold compiló un capítulo con clips de Macross y de Southern Cross (capítulo 37, Dana´s Story) que vincularía la primera y la segunda parte de la serie. Además, para poder ser emitida en los Estados Unidos, la serie sufrió la censura de algunas escenas consideradas como inapropiadas para una serie infantil. La serie popularizó el género de los mecha transformables en todo el mundo, al mostrar vehículos cuyas transformaciones en robots eran coherentes.
El resultado de esta combinación es una historia sobre las sucesivas guerras que mantiene la humanidad con tres razas extraterrestres a lo largo de tres generaciones por el control de una fuente de energía llamada Protocultura. El trabajo de integrar las historias de tres series que originalmente no tenían relación fue complejo y por un lado permitió fortalecer la historia de cada una de las tres series originales dándole un sabor épico, pero por el otro dejó numerosas inconsistencias y cuestiones sin resolver.
Existe además una serie de novelas de Robotech, escritas durante la década de los 80 por "Jack McKinney", seudónimo de los escritores Brian Daley y James Luceno. Las novelas desarrollaron en más detalle la historia que se veía en la serie y vincularon mejor las tres generaciones, además de relatar historias que transcurrieron entre las tres distintas series y que no existían en el material original. Sin embargo, muchos fans de Robotech critican el desarrollo de la historia que hacen las novelas de McKinney, señalando discrepancias con la serie original, inconsistencias y una inclinación hacia un misticismo irrelevante en las novelas que cubren el final de la saga.
Harmony Gold intentó producir una secuela de Robotech con animación original titulada Robotech II: The Sentinels, pero el proyecto fue cancelado en 1986 por problemas con el merchandising y la reevaluación del yen frente al dólar.
La editorial Palladium Books publicó una serie de guías para juegos de rol de Robotech.
En 2004 Harmony Gold anunció el lanzamiento de una producción de OVA (Original Video Animation) llamada Robotech: The Shadow Chronicles en 2005, la cual estará unida a las series originales mediante una serie de comics llamados Prelude to the Shadow Chronicles editados por DC Comics. Robotech: La Saga de Macross Cap1[1-3] español
Creado por el dibujante Argentino García Ferre, llego a la tele en la década del 60. Este dibujito fue un autentico clásico en la Argentina, a tal punto que competía y derrotaba en el Raiting a los Cartoons Americanos y al conocido Astroboy. El programa cuenta la vida de un chico pobre que tiene un sombrero tipo galera, pero, al pasar por dentro de este se convierte en un Súper Héroe. Hijitus vivía en un tubo en las afueras de la ciudad de Trulala junto a su fiel perro Pichichus. Entre los personajes también encontramos a Oaki, un pequeño chico hijo de un millonario que tenia dos revólveres dentro de su ropa y estaba enamorado de su vecina de enfrente. También estaba Larguirucho, un personaje que si bien estaba entre los malos muchas veces acompañaba en sus aventuras a Hijitus y Oaki. Y podríamos estar horas nombrando mas personajes como El Boxitracio y La Bruja Cachavacha con su búho. En fin, el mejor Cartoon Argentino que afortunadamente no se ha olvidado, porque en el 2006 volvió a la pantalla para alegrar las mañanas de miles de chicos.
La Serie: La idea original para el Hombre Nuclear fue tomada de "Cyborg", una novela de Martin Caidin (que había conseguido un éxito enorme con "Marooned", otra novela de ciencia ficción). La trama mostraba el drama de un Steve Austin, piloto de pruebas y astronauta que sufría un terrible accidente de trabajo durante un vuelo experimental. Los doctores se vieron obligados a amputarle ambas piernas y el brazo derecho. Steve también pierde la visión del ojo derecho. Pero el Dr. Rudy Wells, amigo de Steve, se encontraba trabajando en un proyecto secreto llamado Biónica (mezcla de BIOlogía y electrÓNICA). En tal situación Rudy fue autorizado por el gobierno a reemplazar los miembros amputados con partes biónicas, que costaron seis millones de dólares. Estas nuevas partes biónicas le dieron a Steve una fuerza enorme, además de una velocidad y una visión envidiable. Para compensar a sus benefactores, Steve se convierte en agente y debe cumplir peligrosas misiones. Originalmente Caidin había solicitado al actor Monte Markham para el papel protagónico, pero los productores decidieron que Lee Majors era el actor más conveninete, puesto que era mucho más popular para las audiencias. Eventualmente Monte participó en la serie como Barney Miller, el hombre de 7 millones de dólares, un ser humano con transplantes biónicos que le han generado una locura crónica y una necesidad por cometer crímenes.
Primera Temporada: Luego del estreno y el éxito rotundo de tres telefilmes del personaje, la ABC produjo una serie a partir de enero de 1974. Caidin se mostró disconforme con el cariz que tomaron las historias pues mayormente convertían a su criatura en un aventurero al estilo James Bond pero biónico. Pero cuando la serie comenzó el personaje cambió (gracias a un retoque de Harve Bennett, el productor ejecutivo de la serie) se recuperó una cierta credibilidad y sensatez. Hasta Caidin estuvo conforme y pidió que su nombre reapareciese en los títulos de crédito. Durante esa primera temporada se desarrollaron los cliches que seguirían durante toda la serie. Por ejemplo, las escenas en las que el héroe corría eran siempre mostradas en cámara lenta (supuestamente corría a una gran velocidad y el público perpetuamente lo veía en cámara lenta, una interesante ironía). Otro aspecto particular era el de la vista biónica (que incluía una grilla que permitía ajustar el foco), todo esto con el peculiar sonido biónico que se hizo famoso entre los chicos de todo el mundo. Con el comienzo de la serie el personaje de Oliver Spencer (Darren McGavin), que era el jefe de OSI (Oficina de Información Estratégica), fue reemplazado por el de Oscar Goldman (Richard Anderson). En cuanto al personaje de Rudy Wells se mantuvo, aunque el actor (Martin Balsam) fue reemplazado por Alan Oppenheimer. Sus caracteres fueron más deshumanizados y Austin fue mostrado como un tipo sencillo y convencido de sus ideales. Además las historias solían enfrentarlo a peligros de potencias enemigas y conspiraciones internacionales. Curiosamente el ráting no fue lo esperado y ese año la serie no se ubicó en los primeros 25 puestos del ranking.
Segunda Temporada: A mediados de la segunda temporada (1975-76) los productores dieron la nota en la tecla y comenzaron a dotar las historias con más La Pareja Biónicaciencia ficción y monstruos (que era lo que el público quería ver, pero lo poco de credibilidad que quedaba en los argumentos se fue al tacho). Durante esta temporada hizo su primer ataque Barney Miller, el Hombre de 7 Millones de Dólares (Monte Markham), que había sido un campeón automovilístico antes de sufrir un terrible accidente. Pero Oscar Goldman autorizó el reemplazo biónico, pero Barney queda mentalmente inestable y se convence de que debe ser el único hombre biónico. Este primer combate biónico no fue el último (Miller regresó en la tercer temporada). Sin embargo este no fue el único agregado biónico. Al final de la temporada se presentó en el episodio doble The Bionic Woman la historia de Jamie Sommers (Lindsay Wagner), antigua novia de Steve con quien planea casarse hasta que un severo accidente de ski acuático deja a Jamie al borde de la muerte. Al final, previsiblemente, se produce el reemplazo biónico, pero víctima del rechazo biológico, Jamie fallece (o eso es lo que Steve y el público creen). El capítulo tuvo el mayor ráting de la temporada y el público respondió en masa ante tal injusticia, enviando cientos de cartas que bogaban por la continuidad de Jamie. Los telespectadores querían que Jamie se salvase y querían a Lindsay en el papel, no aceptarían a otra mujer biónica en su reemplazo. Así que gracias a la magia de la televisión, Jamie fue revivida a comienzos de la tercera temporada. En el primer episodio (The Return of the Bionic Woman) se reveló que Jamie no murió sino que fue mantenida en animación suspendida por el Dr. Michael Marchetti (asistente de Rudy Wells). Habiéndose recuperado, Jamie sufre amnesia y no recuerda nada de su relación con Steve. Es notable ver un "crossing" (raros en TV) ya que el episodio doble Welcome Home, Jamie dio origen a la serie de la Mujer Biónica en enero de 1976.
Steve Austin & Sasquatch (Ted Cassidy): dos tipos de cuidadoTercera Temporada: Los rátings habían comenzado a subir precipitadamente (la serie se ubicó en el puesto 7 del Ranking Nielsen durante la temporada 1975-76 y 1976-77). El éxito de la Mujer Biónica como personaje de la serie, la catapultó a su propia serie, seguida por millones de televidentes (que la ubicaron por encima del ráting del Hombre Nuclear en un principio). Las historias de ciencia ficción fueron marcando una decadencia de la que jamás se llegó a recuperar. Durante las temporadas finales las historias fueron en general mediocres y los guionistas debían esmerarse con episodios dobles para levantar el nivel. En uno de estos apareció el personaje de Bigfoot o Sasquatch (Piegrande, interpretado por Ted Cassidy, Largo de Los Locos Addams), que era un extraterrestre que asediaba a los protagonistas en varios episodios. También cruzaban episodios de ambas series, con el objeto de atrapar las diversas audiencias. En esta temporada también el actor Martin E. Brooks (más recordado) reemplazo a Oppenheimer en el papel de Rudy Wells.
Últimas Temporadas: Al principio de la cuarta temporada, en el episodio doble The Bionic Boy, se introdujo otro personaje biónico (interpretado por Vincent Van Patten), que era un chico parapléjico que busca vengar la muerte de sus padres luego del consabido implante biónico. Durante la última temporada los episodios mediocres eran salteados con episodios dobles que no generaron mayor interés. Sin embargo hubo algunos episodios con historias realmente buenas, el final ya estaba decretado. La nueva generación de efectos especiales (como los de Superman o La Guerra de las Galaxias) reducían los de las series biónicas a trucos fuera de moda. El último episodio se emitió en marzo de 1978 y el espacio (domingos a las 20 hs.) fue reemplazado con otra serie más volcada a lo que el público quería: Battlestar Galactica (Galáctica). Lee Majors: Nacido como Harvey Lee Yeary el 23 de Abril de 1939 en Wyandotte, Minnesota, su padre murió en un accidente de trabajo cuando aún no había nacido. La desgracia quiso que su madre también muriese en un accidente vial, al primer año de vida del pequeño Lee. Tan lamentables circunstancias forzaron que el niño fuese adoptado por sus tíos, Harvey y Mildred Yeary, mudándose a Middlesboro, Kentucky. Allí vivió normalmente hasta los 12 años en que se enteró que era adoptado, viéndose profundamente afectado. Se encaminó en los deportes y se graduó en la Middlesboro High School en 1957, ganando varias competencias en sus años en la Universidad de Indiana.
Luego de dos años en dicha Universidad, Lee fue transferido a la Eastern Kentucky University, en Richmond. Pero luego de una pelea que se desató en la sede de una fraternidad universitaria, Lee fue expulsado. Por esos tiempos sufriió una lesión en la espalda durante un partido de football, que le tuvo postrado durante dos semanas. En 1962 Lee finalizó su carrera obteniendo una licenciatura en Historia y el profesorado en Educación Física. Durante esta época Lee se casó con Kathy Robinson (1961) y tuvo a su hijo Lee II (1962). Imposibilitado de continuar su carrera deportiva se volcó a la actuación y ganó un rol en la obra 7 Husbands en la Pioneer Playhose de Dansville, junto a su esposa Kathy.
Luego de graduarse Lee recibió una oferta del equipo de St.Louis Cardinal para probarse, pero, teniendo una familia que mantener optó por una oferta para trabajar en Los Angeles, adonde se mudó en 1963, para convertirse en director de recreación del Parque de North Hollywood. Estando ocupado en tal labor, Lee conoció a muchos actores y gente del espectáculo. Uno de ellos fue Dick Clayton (quien fuera agente de James Dean), quien más tarde le ayudaría a obtener trabajos como actor. Lee comenzó estudiando (alentado por amigos actores) en la escuela de teatro de la MGM junto a Estelle Harmon (una respetable profesora). Luego de un año de estudio, Lee tuvo su primer rol en una película llamada Straight-Jacket (Chaqueta de Fuerza, 1964), protagonizada por Joan Crawford, en la que obviamente interpretaba un pequeño papel (moría asesinado luego de los primeros cinco minutos). Luego el flamante actor comenzó a aparecer en algunos episodios de series como Alfred Hitchcock Presenta y Gunsmoke (La Ley del Revólver). Desafortunadamente por aquella época su matrimonio entró en crisis y Kathy se marchó de su lado llevándose consigo al pequeño Lee II, de vuelta a Kentucky.
Ese mismo año Lee logró su primer gran triunfo laboral siendo elegido de entre centenares de actores (incluídos Burt Reynolds) para el papel de Heath Barkley, uno de los coprotagonistas de una serie ambientada en el oeste titulada The Big Valley (Valle de Pasiones, 1965-69), protagonizada por Barbara Stanwyck., quien se convertiría en amiga y consejera profesional del actor. En reparto también figuraban Richard Long, Peter Breck y Linda Evans. Durante las varias temporadas que duró la serie Lee aprendió el oficio, y de cierta manera se convirtió en una cara conocida para miles de televidentes. Así fue como en 1968 tuvo su primer gran papel en el cine, en Will Penny, un western protagonizado por Charlton Heston, quien al principio no estaba muy convencido de trabajar junto a un actor televisivo. Más tarde, a pesar de que el filme no anduvo muy bien en la boletería, fue aceptado por la crítica y se convirtió en uno de los favoritos de Mr. Heston.
El Hombre Nuclear y sus mujeresEse mismo año Lee conoció a una rubia tejana llamada Farrah Fawcett. Luego de ver su fotografía en la oficina de su agente, Lee quedó prendado y la llamó por teléfono dejándole un mensaje diciendo que "Lee Majors la llevará a cenar a las 7:30". En un principio Farrah no estuvo muy feliz con la descarada propuesta, ya que había llegado hacía dos semanas a la ciudad y no conocía a mucha gente. Pero aún así decidió salir con Lee, cuando apareció y pidió disculpas por la llamada. Durante los 10 minutos que tardaron en llegar al restaurant ninguno de los dos habló hasta que Lee finalmente dijo "Tú eres la chica más bonita que jamás he visto". Al llegar al local Farrah pidió un trago y luego se sintió mal y pasó al baño, en donde se quedó la siguiente media hora. Al día siguiente Lee envió una docena de rosas amarillas a Farrah. Más tarde volvieron a salir y al fin de cuentas se encariñaron. Pronto Farrah comenzó a conseguir trabajos como modelo y logró varios papeles en series televisivas.
Luego de la cancelación de la serie en 1969, Lee logró el rol de Roy Tate, un misterioso jornalero con un pasado brumoso en The Men from Shiloh (El Virginiano, 1969-), que fue protagonizada por James Drury y Doug McClure. En realidad este fue el título de la última temporada de The Virginian (que venía siendo emitida por NBC desde 1962). Además de Majors, se sumó al reparto una leyenda del cine, Stewart Granger, como el Coronel Alan MacKenzie. Pero luego de una temporada, la serie fue cancelada. En 1971 Lee fue elegido para el rol de Jess Brandon, un joven abogado que trabaja para el abogado interpretado por Arthur Hill en Owen Marshall, Counselor at Law (Owen Marshall, 1971-74), quienes ejercían en Santa Barbara. Esta serie judicial le hizo progresar mucho a Lee, quien se estaba encasillando sin darse cuenta en los roles de cowboy.
Sería 1973 el año en que cambiaría la vida de Lee Majors, que pasó de convertirse de una cara conocida de la TV y el cine a una estrella televisiva de celebridad mundial. Ese año recibió el papel protagónico de una película de la semana de ABC (the ABC Suspense Movie) titulada The Six Million Dollar Man. Se emitió el 7 de Marzo de 1973, con un rating notable (tanto como para superar el Especial de Bob Hope). La historia era la de un astronauta que, luego de un accidente, tenía que sufrir el reemplazo de sus miembros afectados por partes biónicas, que lo hacían mucho más fuerte y rápido que un hombre común y corriente. El éxito llevó a ABC a ordenar dos películas más del mismo personaje para ser emitidas en el mismo ciclo. Como la popularidad de los filmes se mantuvo, ABC decidió producir junto con Universal Television, una serie que comenzó a emitirse a partir de enero de 1974. El reparto también incluía a Richard Anderson (Richard y Lee habían trabajado en Valle de Pasiones y se habían hecho amigos). La serie se convirtió en un éxito rotundo (durante los '70s era común ver a los chicos norteamericanos correr en cámara lenta y hacer el sonido biónico), y Lee abandonó Owen Marshall (su personaje fue reemplazado por Reni Santoni).
1973 fue también el año en que Lee se casó con Farrah, justamente en el quinto aniversario de su primera cita. Aún la carrera de Farrah no había despegado y solo tenía en su haber roles de actriz invitada en las series de Lee (Owen Marshall y más adelante en cuatro episodios de El Hombre Nuclear). Ella comenzó a notarse realmente en 1975 con un rol secundario en la película de ciencia ficción Logan's Run (hay varios títulos en castellano de este filme: La Ciudad de los Domos, La Fuga de Logan y Fuga en el Siglo XXIII) y al año siguiente consiguió uno de los tres roles principales en Charlie Angels (Los Angeles de Charlie). En 1975 el show biónico era un éxito y el público demandaba más seres biónicos. Así es como los productores agregaron ese año otro personaje: Jamie Sommers, la Mujer Biónica, interpretada por Lindsay Wagner, quien también tuvo su propia serie The Bionic Woman (La Mujer Biónica, 1976-1978).
Luego de la cancelación del show biónico (la fórmula se gastó y los efectos especiales ya no eran novedad), Lee se volcó a las películas, pero con tan mala suerte que no llegó a participar en ninguna película del calibre de Will Penny. The Norsemen (Los Normandos, 1978) fue una película de aventuras con un Cornel Wilde un poco viejo para correr en calzas por la playa; Killer Fish (Pirañas Asesinas, 1979) se convirtió en una aventura de bajo presupuesto en el Amazonas con James Franciscus como villano principal; High Noon II: The Return of Will Kane (1980) fue la continuación de High Noon (A la Hora Señalada, 1952) con Lee tomando el papel del sheriff que Gary Cooper encarnó en la película original. A diferencia de Psicosis (todo el mundo sabe que tuvo una continuación veinte años después), esta película pasó desapercibida y fue una más del montón. La carrera fílmica de Majors no cuajó. Para peor en julio de 1979 Farrah anunció su separación con Majors (luego de seis años de matrimonio). Ella se quejó que Lee no le dejaba tomar sus propias decisiones y no le dejaba respirar. En cambio Lee dijo que las separaciones por compromisos fílmicos habían mellado su relación de pareja. Para el otoño de ese año Farrah comenzó a salir con Ryan O'Neal, que se suponía gran amigo de Lee. Ese año Lee fue a filmar a Toronto y Ryan le pidió que cuide a Tatum O'Neil (la hija de Ryan con un matrimonio anterior) que estaba filmando en esa ciudad. Lee le contestó que se consideraría más que feliz si pudiese cuidar a Tatum, solo si Ryan le confiriera también un favor. Lee pensó que Farrah se podía sentir un poco solitaria y le pidió a Ryan que también pusiese el ojo en ella. Ryan y Farrah iniciaron un romance que amargó profundamente a Lee, quien se divorció recién en 1982.
Luego que Lee tuvo claro que no tendría una carrera cinematográfica rentable (sus películas no solo eran malas sino que también fracasaban en la taquilla), se volcó nuevamente a la TV, medio en el que comenzó en 1981 una nueva serie: The Fall Guy (Profesión Peligro, 1981-86) en la que encarnaba al doble de riesgo Colt Seavers, que vivía peligrosas aventuras en las que siempre debía incurrir en algún peligroso salto o caída. Uno de los aspectos que influyeron en el éxito de la serie fue la notable categoría de los actores invitados: Richard Burton, Milton Berle, Robert Wagner y Roy Rogers fueron algunos. La serie fue un gran éxito (no aquel éxito biónico, a nivel mundial) y permitió a Lee tal dominio que se dio el lujo de invitar a una larga lista de actores y actrices con quienes trabajo en series anteriores: Peter Breck, Linda Evans, Doug McClure, James Drury, Stewart Granger, Richard Anderson, Jennifer Darling y Lindsay Wagner.
Habiendo sido cancelada la serie en 1986, la vida de Lee se alumbró con conoció a Karen Velez, con quien formó una feliz pareja y fue padre de Nikki Loren en 1988 y de dos gemelos (Dane Luke y Trey Kulley) en 1992. Lee vendió ese mismo año su mansión en Malibu y se mudó con su familia a Fort Lauerdale, Florida, en donde decidió asentarse para estar lejos del oropel y el glamour de Hollywood. Pero la estabilidad no duró mucho y el nuevo matrimonio se disolvió en 1994. La actividad laboral de Lee no fue muy fluída luego del final de Profesión Peligro. En 1990 apareció en 5 episodios de Tour of Duty (Nam, Primer Pelotón) la serie protagonizada por Terence Knox.
Lee Majors viejo como coprotagonista de una serie de los 90Raven: Lee protagonizó una nueva serie titulada Raven (1992-93), en la que interpretaba a un ex agente del servicio secreto. Se emitieron siete episodios entre junio y octubre de 1992, sin resultados arrasadores. Una segunda temporada comenzó a emitirse en enero de 1993, pero el bajo rating decretó su final en abril, luego de 12 episodios, quedando un decimotercer episodio sin estrenar.
La fama que había conseguido con El Hombre Nuclear fue su mayor gloria, y como el público lo recordaba, en 1987 se filmó un telefilme titulado The Return of the Six Million Dollar Man and the Bionic Woman que reunió al reparto completo. En 1989 se filmó una segunda película titulada Bionic Showdown. En 1994 la última de las películas se llamó Bionic Ever After? y mostró el casamiento entre Steve Austin y Jamie Sommers. A pesar de que las películas biónicas han sido más beneficiadas por el ráting que por la calidad, se ha hablado de una versión cinematográfica para 1999 o para el 2000. Incluso se ha rumoreado de un telefilme reunión de Valle de Pasiones. Por lo visto la agenda de Lee se mantendrá ocupada.
Richard Anderson: La carrera de Richard Anderson atravesó varias etapas. Durante los años '50 era uno de los más ocupados actores de reparto bajo contrato de la MGM, apareciendo en más de una docena de películas (algunas verdaderos clásicos). En los '60 se volcó a la TV, apareciendo como actor invitado en cuanta serie cabe imaginarse. Y en los '70 se hizo notar en el papel de Oscar Goldman, en The Six Million Dollar Man.
Anderson se sintió desde muy joven volcado a la actuación. Durante su juventud participó de varias puestas en escena en la escuela. Más tarde sirvió el las Fuerzas Armadas y luego de su baja comenzó a trabajar en todo lo que pudo: radio, teatro y cine (hizo un papel de extra en Twelve O'Clock High, 1950). Pero su suerte cambió cuando dio una prueba fílmica para la MGM, cuyos directivos, satisfechos, le ofrecieron un contrato por siete años, que Anderson no vaciló en firmar. Fueron unas 25 películas en un período de seis años en el que hizo de todo y con todos, más notoriamente en Scaramouche (1952) y Story of Three Loves (Historia de Tres Amores, 1953). Pero a mediados de los '50 el sistema de los estudios quebró y Anderson marchó a United Artists, que le dio la posibilidad de trabajar bajo las órdenes de Stanley Kubrick en Paths of Glory (La Patrulla Infernal, 1957) y en otras películas como The Search of Bridey Murphy (1956) y Curse of the Faceless Man (La Maldición del Hombre Sin Cara, 1958), que aparte fue la única en la que Anderson figuró como protagonista principal.
Finalizados los '50 y el esplendor de un sistema que caducó, Anderson mudó su talento a la TV, apareciendo como actor invitado en episodios de series como Thriller (La Hora Macabra), Alfred Hitchock Hour (Alfred Hitchcock Presenta), The Man From U.N.C.L.E. (El Agente de CIPOL), The Invaders (Los Invasores), The Wild Wild West (Jim West) y The Land of Giants (Tierra de Gigantes). También se convirtió en personaje recurrente en algunas temporadas de Perry El Planeta Prohibido (1958), junto a Leslie NielsenMason y se distinguió en el célebre episodio final de The Fugitive (El Fugitivo). Durante esos años Anderson también conformó los repartos de dos filmes de John Frankenheimer: Seven Days in May (Siete Días de Mayo, 1964) y Seconds (1966), que tenían en común en su trama el tema de las conspiraciones.
La definitiva celebridad de Anderson puede decirse que llegó a partir de los '70 con sus papeles televisivos. En la serie Dan August interpretó al jefe del carácter protagónico (Burt Reynolds) y en el telefilme The Night Stalker fue un hechicero centenario que debía sacrificar vírgenes para poder seguir vivo y que era investigado por Carl Kolchak (Darren McGavin). Más tarde el papel de Oscar Goldman imprimiría su rostro en la memoria de los miles que lo vieron tanto en la serie El Hombre Nuclear como The Bionic Woman (La Mujer Biónica). Pasada la fiebre biónica (que incluyó también un joven biónico y un perro biónico), Anderson siguió en el medio televisivo como actor invitado en series y alternó sus presencias cada vez más. Por supuesto regresó a su papel de Oscar Goldman en las tres películas (por ahora) que siguieron a la serie.
La payana es un juego infantil que se practica con cinco piedras pequeñas o carozos de frutas, que consiste en ir tomando las mismas del suelo al tiempo que se arroja una de ellas al aire y se vuelve a tomar sin que caiga al piso.
Originalmente llamado "Kapichua", lo practicaban niños tobas y wichis con carozos o semillas a fin de desarrollar destrezas manuales y aprender a contar. Para avanzar en grados de complejidad, utilizaban progresivamente semillas más pequeñas.
En Argentina fue un juego muy popular entre los niños de edad escolar hasta principios de la década de 1990. Posteriormente su práctica pasó a constituir una rareza.
Reglas del juego
Existen muchas variantes locales, una de las formas más extendidas es la siguiente:
1. Los jugadores se sientan en el piso, formando un círculo, y se juega por turnos. 2. El primero en jugar arroja las piedras al piso, toma una de ellas y la lanza al aire mientras recoge con la misma mano una de las que ha quedado en el suelo. Debe capturar la que arrojó al aire antes de que caiga al piso. Así continúa con las piedras restantes. Esta fase se llama "la del uno". 3. A continuación debe arrojar nuevamente todas las piedras al piso y tomar de a dos piedras del piso en lugar de una ("la del dos"). 4. Luego debe recoger tres al mismo tiempo y luego la restante, o viceversa ("la del tres"). 5. Finalmente, debe guardar cuatro piedras en el puño, y arrojar la quinta al aire mientras deposita las cuatro en el piso, y volver a capturar la piedra arrojada. Hecho esto, vuelve a lanzar la piedra al aire y debe tomar las cuatro piedras al mismo tiempo y volver a tomar la restante antes de que caiga al suelo ("la del cuatro"). 6. Cada vez que el jugador comete un error es penalizado, y debe pasar el turno al jugador siguiente, que retoma desde donde tuvo que dejar en la ronda anterior. Los errores son: mover una de las piedras que aún no se han recogido cuando se intenta tomar otra, dejar caer la piedra que se ha lanzado al aire o no lograr recoger la cantidad de piedras que corresponda. 7. Una vez que el jugador completa con éxito estas cuatro etapas, puede "tantear" (sumar puntos) en la etapa del "tanteo". Para ello hay distintas operaciones que a veces se realizan de manera sucesiva. Una de ellas es acomodar cuatro piedras como los vértices de un cuadrado y tomarlas de a una como en la primer etapa del juego, pero en lugar de descartar la piedra que se recoge, ésta debe ser arrojada al aire junto con la (o las) anterior(es). Cuando se finaliza la operación, se cuentan diez puntos por cada piedra que el jugador conserva en su mano. Otra variante es tomar las cinco piedras, arrojarlas hacia arriba, dar vuelta la mano e intentar atrapar la mayor cantidad posible con el dorso de la misma. Luego se vuelven a arrojar las que hayan quedado hacia arriba y se intenta atraparlas con la palma. Cada piedra atrapada vale diez puntos. No hay penalidades en el tanteo. 8. Finalizado el tanteo, se reinicia la serie con "la del uno".
* Comunmente existen dos modalidades de juego: las buenas y las malas. o En las buenas está permitido mover alguna de las piedras que aún no se ha recogido al intenar recoger las otras. o En las malas, el más mínimo movimiento de alguna de estas piedras será penalizado y el turno pasará al jugador siguiente. En los dos casos será penalizado el jugador que deje caer al suelo la piedra que ha lanzado al aire o alguna de las que ha recogido.
* En general, se utilizan piedras no muy redondeadas a fin de que al arrojarlas contra el piso no rueden y se separen excesivamente. * A veces se utilizan pequeños cubos de mármol de aproximadamente un centímetro de lado. * También se conoce como "ainenti", "tenenti", "tinenti", "dinenti" o "denenti".
Se acuerdan del Auto Fantástico, imaginense cuantos de nosotros le hablamos al reloj diciendo "atento KIT"
Michael y KITT eran destinados a misiones por Devon Miles (Edward Mulhare). Devon aparecía en cada capítulo mandando una misión a Michael y KITT.
Bonnie Barstow (Patricia McPherson) y April Curtis (Rebecca Holden) fueron las mecánicas de KITT en la serie. Era la primera vez que una mujer se hacía cargo de un coche en una serie. Bonnie estuvo en la primera, tercera y cuarta temporada mientras que en la segunda temporada estuvo ausente porque Patricia McPherson tuvo diferencias con los ejecutivos. Fue reemplazada por Rebecca Holden interpretando a April, la cual no gustó a los seguidores de la serie y los ejecutivos decidieron traer de nuevo a Bonnie.
Reginald Cornellius III, RC para abreviar, fue la última incorporación regular a la serie. Interpretado por Peter Parros se encargaba de ayudar a Devon y Bonnie en lo que necesitasen y algunas veces ayudaba a Michael con algún caso en especial. Peter Parros fue regular en el primer episodio de la cuarta temporada.
Edición en DVD
El 15 de diciembre de 2004 se lanzó en España por primera vez la primera temporada en DVD en un pack de 8 discos. Por desgracia, la edición mostraba una preocupante falta de control de calidad, ya que poseía muchos fallos como que todos los extras, documentales, entrevistas y audiocomentarios se quedaron únicamente en inglés sin subtitular, o que el primer episodio piloto "La Noche del Fénix" estaba situado en el disco 7, cuando debería ser el primer capítulo del disco 1. También uno de los capítulos, "Dame la libertad... o dame la muerte" estaba completamente en inglés. Resumiendo, un cúmulo de fallos que no deberían estar ahí, y los fans criticaron notablemente.
La segunda temporada fue lanzada en España el 31 de agosto de 2005 en un pack de 6 discos. No incluyeron ningún extra, excepto trailers de otras series de UNIVERSAL. Tampoco estaba exenta de fallos, como el hecho de que el capítulo Ladrones Ruidosos fue incluido únicamente en inglés.
La tercera temporada apareció el 29 de noviembre de 2006 en un pack de 6 discos. Sin duda esta es la temporada que peor calidad de imagen posee, excepto en los capítulos KITT contra los robots y Al borde de la muerte, que poseen una imagen muy limpia y nítida. Todo lo contrario que en el resto de capítulos, cuya calidad de imagen deja mucho que desear. No incluyeron ningún extra de ningún tipo.
Universal acaba de realizar el lanzamiento para el 30 de mayo de 2007 de la cuarta y última temporada de El Coche Fantástico en DVD. Incluye un libreto especial realizado por los fans, representados en España por ELCOCHEFANTASTICO.NET[1], única web oficial reconocida por UNIVERSAL PICTURES.
Películas
La serie terminó en el año 1986 tras 90 episodios (si se cuentan los seis episodios largos). Más tarde, en el año 1991, Universal rodó una película para la televisión llamada Knight Rider 2000 (en España se le llamó KITT 2000) en la cual Devon Miles se siente obligado a pedir ayuda a Michael que abandonó la fundación años antes. KITT es desmantelado durante el abandono de Michael y deciden construir un nuevo coche, el Knight Industries Four Thousand (KIFT), que aunque muchos no lo creen, es un Pontiac, el Banshee II Concept. La película era en realidad un episodio piloto, ya que Universal pretendía relanzar la serie pero situándola en el año 2000. Sin embargo, la película tuvo muy mala crítica, ya que no poseía el espíritu de la serie original, y apenas había acción, espectáculo y toques de comedia (tres cosas que sí poseía la serie original). Además, durante todo el largometraje, denotaba la falta de presupuesto de que disponían los productores.
En 1994 se rodó otra película llamada Knight Rider 2010 (inédita en España), que no tenía nada que ver con la serie original salvo en el título y que aparecía un coche que hablaba, pero no era KITT. Los fans más acérrimos de la serie desechan esta película como si no existiera. En ningún momento se hace referencia alguna a la Fundación para la Ley y el Orden, a Michael Knight, a KITT, ni a nada que apareciese en la serie original. Además, se llevó muy malas críticas como película de acción. Narraba la historia de Jake McQueen, que busca vengarse del jefe de una corporación llamada Chrysalid, que asesinó a su padre y a su novia. Para ello, construye un coche dotado de gadgets, armamento y blindaje. Además, mediante un ordenador consiguió cristalizar el alma de su novia muerta y lo introdujo en su coche. Éste se llama igual que su novia, ANNA, y puede hablar (con la misma voz que su novia), conducirse sólo, entre otras cosas. El diseño de este coche no gustó nada al público, ya que la película tiene un ambiente post-apocalíptico muy al estilo de películas como Mad Max que lo alejaban completamente del look de la serie original, y el coche poseía un diseño muy tosco y pobre.
Finalmente, en 1997 Universal rodó una serie llamada Team Knight Rider rebautizada en España como El Equipo Fantástico. Aunque en principio se deduce que la historia de esta serie continúa a la de la película Knight Rider 2000, en realidad es al revés, ya que ésta transcurre en el año 2000 y El Equipo Fantástico unos cuantos años antes. A raíz de esto, la serie posee unas incoherencias argumentales de espanto con respecto a la película. En esta nueva serie, teníamos a cinco protagonistas (tres chicos y dos chicas, una de ellas era la hipotética hija de Michael Knight) que conducían cinco vehículos (dos coches, dos motos (una de ellas con sidecar) y un monovolumen). Estos coches también hablaban y discurrían como hacía KITT. A pesar de las contínuas referencias y guiños a la serie original, El Equipo Fantástico no logró convencer a nadie. Fue un fracaso total. De hecho, Universal sólo rodó una temporada. Lo más triste es que Glen A. Larson (creador de la serie original) era el productor ejecutivo de El Equipo Fantástico.
En la actualidad, la productora The Weinstein Company posee los derechos de la serie para hacer una película basada en la serie. Aunque en principio David Hasselhoff iba a aparecer en la película, ha desaparecido de las listas de colaboradores de la misma. El creador de la serie Glen A. Larson ejercerá como asesor de personajes y de guión. Se prevee su estreno para el año 2008,aunque ya se vera ya que actualmente la película está en proceso de guión. Se desconoce la trama de la película y el vehículo a utilizar, aunque los fans de la serie continúan clamando por la aparicion del Pontiac Firebird Trans Am (esperando que no se rompa el espíritu de la serie original), parece ser que se va a usar un Koenissegg CCX (Aunque también se ha abierto la posibilidad de que el venidero Camaro 2008 sea el auto a utilizar). Sólo el tiempo dirá si el nuevo filme es una alegría o una gran decepción que es lo mas probable esto ultimo para los nostálgicos que crecieron con KITT y Michael Knight. Aunque David Hasselhoff dice que ahora actuará pero él dirigirá gran parte de la película diciendo que le va a poner el toque que les faltaba a las anteriores que él siempre había criticado como "muy malas y horrendas".
Miscelánea
La frase que los fans no olvidan es la que siempre se escuchaba en la introducción de la serie: El coche fantástico es una trepidante aventura de un hombre que no existe, en un mundo lleno de peligros. Michael Knight, un joven solitario embarcado en una cruzada para salvar la causa de los inocentes, los indefensos, los débiles, dentro de un mundo de criminales que operan al margen de la ley... el mundo del Coche fantástico!!
El coche fantástico fue el papel que lanzó a la fama a David Hasselhoff, para que después crease la serie de televisión, Los vigilantes de la playa la cual estuvo en antena más de 10 años siendo el protagonista.
Una de las cosas que más se recuerdan de la serie es su música y tema principal. El tema principal fue compuesto por Stu Phillips y Glen A. Larson. Phillips estuvo componiendo música para la serie durante los primeros doce episodios. Abandonó la serie y fue reemplazado por Don Peake el cual estuvo al frente de la música hasta el final de la serie, basándose en el tema original de la serie. Don Peake comenzó a utilizar música electrónica durante la serie y fue el toque que caracterizaba la serie: Un coche futurista de color negro, música electrónica y grandes virguerías.
